Sin renunciar del todo a la grandiosidad orquestal, a la opulencia sonora de otros directores (Karajan, por ejemplo), Kempe se centra, sobre todo, en la claridad, la limpieza y la delimitación perfecta de los planos sonoros. Fantástico. La remasterización, además, es magnífica (teniendo en cuenta que las obras se grabaron entre 1970 y 1976).

Hace diez meses, en octubre de 2024, fallecía el compositor y director de orquesta finlandés Leif Segerstam, autor de una inabarcable cantidad de obras. Quizás el dato más apabullante sea el de ser compositor de 352 sinfonías. Muchas de ellas son muy breves y también están consideradas sinfonías los Thoughts o especie de poema sinfónico temático. Este CD recoge el Monumental Thoughts 1989, Martti Talvela in Memoriam y por ello me hice con el CD. Además se encuentran otras dos obras sinfónicas.

En este ciclo --capital para la música de cámara, pese a su modesto número (6)--, Bartók da una vuelta de tuerca al formato cuarteto de cuerdas--que había quedado prácticamente inmutable desde época de Beethoven--, y lo hace avanzar un paso más, al convertirlo en un auténtico campo de experimentación formal e introducir toda una serie de innovaciones técnicas, armónicas y temáticas de gran complejidad: el famoso pizzicato Bartók, el uso de sordinas, la utilización y adaptación de ritmos y melodías procedentes de la tradición folclórica (en las que era un auténtico experto), el empleo de armonías por cuartas, variación de las estructuras tradicionales para crear otras nuevas (por ejemplo, la denominada "forma arco"), alteración del número de movimientos (4) tradicional, etc. Todo ello, por cierto, lo encontramos plasmado en el fundamental cuarteto nº 4, que Bartók compuso en el verano de 1928.

Las versiones del Juilliard String Quartet (en este caso se trata de la tercera, de 1981, pasada ya por el filtro de la tecnología digital para mejorar el sonido) son clásicas y referenciales de este corpus tan importante e influyente.

El mundo de la tonadilla, eso que parece un preludio de la ópera o zarzuela y que es genuino.

Música muy, muy degenerada... ¡Degeneradísima! Tan echada a perder que, en el caso de la Lyrische Symphonie, utiliza como base, textos de Rabindranath Tagore, y tiene su fuente de inspiración estructural en la más célebre Das Lied von der Erde, de Gustav Mahler, composición liederística de carácter sinfónico.

El disco se complementa con las menos conocidas (pero más importantes, quizá) Symphonische Gesänge conjunto de siete canciones, para barítono o contralto, que Zemlinsky compuso a finales de la misma década de los años 20, espoleado por su interés hacia la estructura de suite sinfónica, ya presente en la obra anterior (de 1923). Lo llamativo de las Canciones sinfónicas --y que justificaría, aún más, su inclusión dentro de la denominada Entartete Musik-- radica en su carácter contestatario y de compromiso, pues toma como base textos de una antología de poemas integrada por obras de autores negros pertenecientes al movimiento The Harlem Renaissance titulada África canta (Afrika singt). Al parecer, a Zemlinsky pudo interesarle el tema porque pensaba que la precaria situación de la gente de color en EE.UU era muy similar a la de los judíos en Europa después de la I Guerra Mundial. Esa influencia de lo estadounidense y lo africano se percibe bien en esta obra, merced a la integración en ella de ritmos, armonías y formas procedentes del jazz, que alejaron a Zemlinsky del post-romanticismo en el que había militado.

Un disco muy interesante, de un compositor injustamente postergado.

Como, al final, opté por dejar fuera de mis compras para el presente año musical que ahora se inicia, el abono del ciclo "Universo Shostakovich" que se desarrollará en el Auditorio Nacional --resulta imposible atender a todas las opciones de ocio que se ofertan en Madrid--, he decidido agenciarme con esta reciente (y económica) integral de los cuartetos de cuerda del maestro ruso (corpus programado en dicho ciclo) para consolarme. Aún no he terminado de escucharla, pero lo que he catado hasta el momento promete. Quizá no estemos ante una serie tan innovadora y rupturista como la de Bartók (que acabo de escuchar), pero, sin duda, se trata de un corpus imponente (por calidad y cantidad), que ha dejado su indeleble impronta en esta decisiva y fructífera forma de la música de cámara occidental que es el cuarteto de cuerdas.

Una lectura equilibrada, la del Rubio Quartet, de sonoridades cálidas, legato fluido y tempi ajustadísimos, que otorgan un gran equilibrio a estas composiciones de Shostakovich, haciéndonos olvidar otras más clásicas, desgarradoras y tremendistas del corpus (pienso, básicamente, en las del Cuarteto Borodin), pero que hace plena justicia a la obra. El precio, además, ha sido excelente.

En 1990 Naxos encarga al polaco Antoni Wit y su Orquesta de la Radio de Polonia, con sede en Katowice, un ciclo Mahler. Y empiezan por la obra más popular, la quinta. Por desgracia Wit no se hizo cargo de todo el ciclo, y la 1, 7 y 9 las dirigió el húngaro Michael Halasz. Digo desgracia porque esto le resta unidad al conjunto, pero desconozco el trabajo de Halasz, mano derecha de Christoph von Dohnányi en los setenta y ochenta, cuando estaba primero en la Ópera de Frankfurt y luego en la de Hamburgo. En ambos casos Halasz fue primer kapellmeister del teatro. Al final sólo me hice con las que grabó Wit.

En el caso de Wit, me parece uno de los trabajos más consistentes en Mahler. Esta quinta es sincera y emocionante, rotunda pero no neurótica ni personalista, en una clara tradición romántica. Va de más a menos, pues el Adagietto y el final no llegan al nivel de las grandes versiones, sin descalabrar el conjunto. La Tercera de Wit creo que es de obligado conocimiento, y su Octava también es muy buena. Sinceramente, creo que Wit consigue mejores resultados que un Chailly o un Jonathan Nott, por hablar de dos ciclos modernos. La Orquesta de la Radio de Polonia no es Concertgebouw ni Bamberg, pero tiene un evidente nivel, y si Wit hubiera grabado para otro sello de más relumbrón probablemente su trabajo sería más conocido.

En medio de mi paseo estival por la pervertida Judea del siglo I de nuestra era y la atormentada Centroeuropa de principios del siglo XX, me tomo un respiro para volver a los clásicos (a los clásicos, clásicos), y saborear viejos sonidos que me hicieron amar esto de la llamada música culta e introducirme en ella. ¿Y hay algo mejor, y más adecuado, que los inefables I Musici y su memorable, mítica y archiconocida versión de Il cimento dell'armonia e dell'inventione, del gran prete rosso? Una versión equilibrada, señorial, sobria, contemplativa, de sonoridades algo sinfónicas, tempi moderados, fraseo poco variado y un planteamiento general alejado aún de las corrientes historicistas renovadoras que han ido trayendo nuevas formas de interpretar este repertorio (algunas, por cierto, pasadísimas de rosca, todo sea dicho). Versión que, ciertamente, ha quedado algo anticuada, pero que aún se disfruta como pocas (y que, además, le trae a un servidor buenísimos y lejanos recuerdos de muy temprana juventud).

Un disco grabado cuando Domingo ya empezaba a flaquear en la cuerda con que ha pasado a la historia, tanteaba territorios nunca explorados, y roles que jamás pudo cantar en escena. Hombre, no se trata de Melchior, Lorenz, Suthaus, Svanholm o Windgassen, ciertamente; y también es cierto que nos hallamos ante una grabación de estudio (con las ventajas que eso pueda conllevar frente al directo), pero si hablamos de sonido, timbre, volumen y color para Siegfried, es indudable que lo que incluye este disco resulta bastante más interesante que lo que podrá escucharse en el próximo Festival de Bayreuth al cantante que asumirá este mismo rol. Pappano y la Orquesta del Covent Garden acompañan a los solistas estupendamente.

En definitiva: un capricho del divo madrileño, aunque bastante decoroso, y muy interesante para hacerse una idea de lo que nunca pudo llegar a ser.

Visto el reparto y conocida la obra bien podíamos incluir esta audición en el otro capítulo pero seamos correctos; y esta versión es muy operístico y muy interesante.

Se nota que la escucha usted con frecuencia, pues si la memoria no me engaña esta es la segunda vez que la cuelga en menos de dos o tres meses; en aquella ocasión le dije que el reparto -en el que obviamente incluye usted al bajo de los bajos- es excelente, pero mejorable, porque Dame Joan no cumple debidamente las exigencias de la partitura, en las que pide una soprano spinto de amplio registro.

Francamente: con la excepción de su Saint Françoise d'Assise --que me interesa, además de por lo estrictamente artístico, por otras razones--, he de confesar que no consigo conectar con la música de Messiaen. En este caso concreto, ni la famosa sinfonía Turangalîla, ni el más célebre aún Quatuor pour la fin du temps han conseguido despertar en mí las emociones que esperaba (una vez analizadas ambas piezas, y leída literatura sobre las mismas). Ni siquiera la segunda de ellas, y eso que el trasfondo en que fuera compuesta se las trae.

En fin, seguiré probando con otras obras.