Creo que el decir que en una ópera se puede cambiar un acto por el de otra distinta y se mejora es el mayor insulto que he leído a un compositor desde que estoy en los foros. Pobre Puccini.

Algunos apuntes sobre lo leído, debo admitir que demasiado rápido por si entiendo algo al revés, esta noche echaré otro vistazo.

Objetivismo-relativismo

Me ha dado la impresión de que los feroces enemigos del koncept (estoy de acuerdo con Siddharta en lo inapropiado del término aunque sirva para entendernos) se han adueñado del objetivismo en su argumentación sobre las puestas en escena, dejando al relativismo, el todo vale, para quienes gustamos de un universo escénico más amplio y variable.

No estoy de acuerdo y no entiendo esta apropiación. Partiendo de la base de que en el arte ni el objetivismo ni el relativismo existen de forma absoluta, sino que conviven juntos y revueltos, las mejores puestas en escena que he presenciado no son de corte clásico, no son literales y sin embargo se pueden defender desde aspectos objetivos y bien fundamentados. Hay otras que sin tener tantos puntos de apoyo para la defensa objetiva me han fascinado por parámetros más subjetivos pero siempre sobre una base objetiva de aciertos teatrales. También me he encontrado puestas en escena de corte clásico que objetivamente han traicionado el espíritu de la obra. No solo por encontrarnos cuando se abre el telón un decorado y vestuario de la época del libreto se es fiel al autor, el concepto de fidelidad, es algo más profundo y complejo.

Fidelidad al autor.

En todos los debates sobre las puestas en escena aparece el tema de la fidelidad al autor y la comparativa entre la fidelidad escénica y la musical.

Ya lo he comentado otras veces pero lo voy a volver a hacer porque me parece que no tiene ningún sentido esta comparación y veo que se sigue haciendo inoportunamente.

El autor de una ópera, normalmente establece dos niveles muy diferenciados entre el libreto y la partitura y las indicaciones escénicas.

El libreto y la partitura son el primer nivel, proyectado de forma invariable hacia el futuro. Si sufre unas modificaciones importantes se habla de una nueva versión de la ópera.

Las indicaciones escénicas son establecidas para una función concreta en un tiempo concreto, con unas posibilidades tecnológicas determinadas.

Por ejemplo en la actualidad hemos visto estrenar a Glass o Adams óperas con una determinada producción y, en otro teatro, se han hecho supervisadas por los propios compositores, otras producciones completamente diferentes. Hemos visto este año en el Met la Tempestad de Adams basada en un clásico y representada con una producción de “koncept” completamente distinta a la anterior. Nadie puede hablar de infidelidad al autor porque el compositor aunque no participó en la preparación de esta producción comentó que se ajustaba muy bien a la obra. Sin este comentario y con el compositor muerto cualquiera podría comentar la desfachatez que suponía representar esta obra con los decorados de la Scala en vez de en una isla.

En ocasiones hay indicaciones escénicas dentro de la partitura que explican lo que se debe de ver en un determinado compás. Estas indicaciones se deberían tener en cuenta para crear el efecto deseado por el compositor, aunque desde mi punto de vista no necesariamente de una forma absolutamente literal. Hay también algunos compositores, muy pocos, uno podría ser Berg, que han sido muy precisos en sus indicaciones escénicas y muy tajantes en cuanto a cómo deberían representarse sus obras, que hasta puede llegar a entenderse que forman parte del primer nivel compositivo.

No es el caso de Wagner a pesar del comentario que ha puesto Gino del propio compositor. ¿Cómo habría que representarse un anillo absolutamente fiel? Sabemos perfectamente cómo fue el estreno de la tetralogía, hay muchos libros que la ilustran, estuve en una exposición sobre la misma y creo que se podría hacer una perfecta reconstrucción. Sería desde mi punto de vista algo interesante para saciar la curiosidad una vez. Pero también sabemos que muchas escenas causaron insatisfacción en el compositor y que lo último que dijo sobre estas representaciones a Richard Fridke, su asistente en la dirección escénica, es que la próxima vez habría que cambiarlo todo.

También se ha comentado sobre la fidelidad el tema de la esencia de la obra. Vuelvo a comentar que la puesta en escena que más me ha hecho ver la verdadera esencia de una obra es una puesta no literal.

Puede haber obras más sencillas, pero hay grandes obras del repertorio compuestas hace muchos años, de las cuales se han escrito miles de libros sobre su verdadera esencia y todavía se sigue discutiendo. Sobre todo en las que abarcan temas míticos y atemporales, tratando cuestiones verdaderamente abstractas, me parece una utopía poder concretar y delimitar claramente esa esencia de la obra a la que el director de escena tiene que sujetarse obligatoriamente. Y aún poniéndonos de acuerdo en la esencia de una obra hay infinitas maneras para llegar a ella.

En la actualidad, la ópera-la escena

Puedo estar de acuerdo en que haya que hacer algunos ajustes en las cuestiones escénicas: Se ven demasiadas propuestas que son realmente estúpidas, quizás hay un exceso de intrusismo profesional y se está dejando en algunos teatros proyectos de envergadura en manos de directores ajenos al mundo de la ópera. Hay que limar un poco el poder de algunos directores de escena que parecen situarse en un plano claramente superior al director musical, imposibilitando que sea un verdadero trabajo de conjunto originando la perfecta interrelación entre las partes, cuestión de vital importancia. Hay que exigir además al director de escena un importante conocimiento musical y tengo que recalcar en este aspecto que los hay “transgresores” con muchos conocimientos musicales. Que un programador de una temporada debería velar no solo en el equilibrio de los distintos repertorios sino también en el equilibrio entre las distintas tendencias escénicas.

Pero ante todo hay que defender la libertad de creación artística. Sin esa posibilidad nos habríamos perdido algunas auténticas obras maestras. En mi opinión estamos en la EDAD de ORO de las puestas en escena.

No estoy tampoco de acuerdo en culpar a las puestas en escena modernas la crisis de voces. Puede tener una pequeña parte de culpa porque la adecuación física puede tener demasiada relevancia en ocasiones, pero este es un asunto que tiene mucha mayor relación con la pedagogía del canto como ya hemos tratado en otras ocasiones. Hay festivales de producciones clásicas y allí no hay cantantes sobresalientes en lo vocal vetados de los mejores teatros.

Es un fenómeno imparable ya totalmente establecido y con muchas décadas a sus espaldas. Las puestas en escena del futuro podrán ser de muy diversas tendencias. Menos mal, qué aburrimiento sería de otra manera. En Alemania en este asunto nos llevan muchos años de ventaja. Allí una propuesta “moderna” se contempla con absoluta naturalidad, se aplaude o se abuchea en función de la calidad de la misma. Eso es lo importante, el conocimiento y el talento del director. Aquí en España en una producción “moderna” se cuenta de antemano con la desaprobación de la mitad del público, sea como sea la propuesta. En el intermedio se escucharán una multitud de improperios y al final habrá seguramente abucheos. Público que luego incoherentemente expresa que las puestas en escena le importan un pimiento, pero que su propia indignación parece poner en cuestión el relativo interés que le suscita lo escénico en este arte.

Creo que poco a poco irá cambiando, como está ocurriendo en Francia o en el mundo anglosajón. España e Italia van con retraso en este aspecto.

En mi opinión, dentro de 20 años en España se debatirá solo sobre la calidad de una puesta en escena, el debate a nivel teórico sobre las distintas tendencias habrá desaparecido.

[/quote]Creo que hay algo de estafa en apoderarse de una obra artística ajena para mutarle significativamente la tesis que expresa. Y con todo, volvería a ver sin dudarlo el Tannhäuser de los cuadros, si se me planteara la ocasión. Esa contradicción, pese a mi edad, no la tengo resuelta. Pero como a mí no me gusta la ópera, tampoco me apremia.[/quote]

La verdad es que este tema siempre es un dilema. Hay veces que una "reinterpretación" puede estar lograda, y no va en menoscabo de la obra. Pero otras es un fiasco. Siguiendo con la referencia del Tannhauser:

http://www.elmundo.es/elmundo/2013/05/06/cultura/1367826851.html

Cada uno, al enfrentarse a una obra, puede darle su interpretación. Hay ensayos de Cumbres borrascosas que la ven como el summum del feminismo y otras como el machismo más absoluto. Pero ante todo hay que enfrentarse a la obra con respeto primero hacia ella y a su autor, y segundo al público que va a pagar por ello. Este respeto en muchas ocasiones se pierde y sustituye por una especia de obligación de tenerlo que cambiar todo porque sí, por un ego desmedido del director de escena, o sencillamente por buscar la polémica.

Claro, porque nos van a echar a muchos del teatro y así se van a quedar sólo ustedes al mando del cotarro. Eso es lo que persiguen y lo van a conseguir, porque la basura y el detritus ya nos sale por las orejas.

Mire Sr. Zacarías, enfádese lo que quiera, y tonterías las dirá usted que es un gran sectario y arrima siempre el ascua a su sardina. Yo no digo tonterías porque sé más de ópera, canto y voces que lo que usted pueda llegar a saber, aunque viva 1000 vidas. Lo ha leído bien, pues punto.

A mí que me importa que Domingo no venda. Dígaselo a su amigo Mortier que lo trae todos los años y le da carta blanca.

¿"Vaga pantalla de la fidelidad al autor"? Pero hombre, es que esto es ya negar lo evidente: si me limito a hacer (con mayor o menor imaginación, que tampoco estoy defendiendo aquí volver a los montajes de cartón piedra y fondos pintados) lo que indica la música y el libreto, así como todas las indicaciones o instrucciones autorales que se hayan podido conservar llegando hasta nosotros (a través de cartas, diarios, etc.), pues entonces es evidente que estoy siendo "fiel" a lo que quería el autor, aunque yo utilice luz eléctrica y en su tiempo sólo la hubiera de gas; aunque los instrumentos estén construidos ahora de otra forma y se toquen de manera diferente, aunque el diapasón se haya puesto más alto; aunque entonces no se conociera la energía atómica y ahora sí (porque eso, según ustedes, también influirá en la diversa forma de ver el mundo, ¿no?)... Pero si, en lugar de esto, introduzco en la acción creada por el autor una dramaturgia paralela (y ajena, por tanto, al mensaje original), entonces no estoy siendo fiel. No sé, quizá es que yo soy muy lerdo, pero la cosa es así de simple. En un caso se es fiel (se intenta, al menos) y en el otro pues no. No veo tampoco dónde pueda estar lo relativo aquí...

Segunda cuestión: por supuesto que la voluntad del autor es unívoca y va, por tanto, en una sola y única dirección; al menos en el momento de crear la obra (pues de lo contrario le sería imposible llegar a materializarla, bien en papel, en un lienzo o en una partitura). Dudar incluso de esto ya es el colmo de la ambigüedad y el relativismo, desde luego. Otra cosa es que una vez realizada dicha creación, al autor le surjan las dudas o sienta deseos de cambiarla, pero eso forma parte ya de otro nuevo proceso de creación con otra nueva voluntad unívoca (por seguir utilizando su expresión).

En fin, no sé... Esto empieza a ser agotador...

Eso, desde luego, no voy a negárselo...

EN la edad del detritus como en el apartado vocal. Mis tres producciones preferidas vistas en vivo y con más de 1000 funciones en las alforjas, tienen más de 30 años.

De todas formas, Gouverneur, lo más importante y significativo de la cita de Wagner traída por Gino no está en las palabras exactas que este dijera (o escribiera), sino en lo que estas significan de voluntad de conservar el control absoluto sobre la totalidad de su obra (tanto la parte musical, como la escénica).

En el fondo, esto es muy sencillo.

Si hago una función de la Traviata con una puesta en escena que transcurre a finales del siglo XX, donde Violetta no se muere de tuberculosis, sino de SIDA, el "Marchese" es un apodo de un gangster que se beneficia a la chica, Alfredo es un joven policía que se ha enamorado de ella, Giorgio el veterano capitán de la comisaria que quiere protegerle de sí mismo y lo que considera una locura, y la última escena transcurre en un hospital, en lugar de la casa de Violetta.... podemos decir que se está representando la Traviata, aunque con una puesta en escena 'alternativa'.

Si Giorgio en realidad se beneficia a Violetta, que engaña a Alfredo fingiendo su muerte pero en realidad se fuga con Flora, mientras que el desengañado muchacho descubre una nueva faceta de su sexualidad mientras llora a la 'fallecida' Violetta en brazos del doctor Grenvil.... podemos decir que se está representando una dramaturgia paralela de la Traviata, que se cisca, literalmente, en el libreto y, probablemente, también en la música.

De acuerdo, pero la voluntad de Wagner de conservar el control absoluto sobre la totalidad de su obra hay que ponerlo en un contexto muy diferente al actual.

Wagner aborrecía la manera en la que se hacía la ópera de su tiempo. Cuando comenzó su trabajo como director del teatro de la ópera de Dresde tuvo muchos problemas con las autoridades que le exigían espectáculos todos los días cuando él les requería cambios muy importantes para hacer menos óperas con muchos más ensayos. En el fondo él estaba ya pensando en las representaciones de sus obras y en la imposibilidad de ejecutarlas con un mínimo de garantías a la manera de la época. Por eso siempre fue un objetivo prioritario el control de las representaciones de sus obras hasta llegar a construir su propio teatro para tal efecto.

No es lo mismo las pretensiones para el estreno de un título que la visión de su obra a 200 años vista. Como dijo recientemente un compositor, una ópera es una obra que sacas a la luz y luego tiene su vida propia.

Respecto al primer párrafo además de alternativa se podría decir que cumple el deseo de Verdi de que la época sea la misma que la del público asistente para una mayor identificación.

Lo segundo no es ninguna dramaturgia paralela, es una única historia distinta a la real.

Un ejemplo de dramaturgias paralelas es el Parsifal de Herheim, la historia de Alemania, la historia del festival de Bayreuth y la propia historia del Parsifal. Todo en perfecta sincronización y retroalimentándose.

Sr. Tunner me enfado porque Ud. hace afirmaciones sobre mí, que se salen de la ópera. Ahí es donde dice Ud. tonterías, que si es lo mismo con el resto de sus opiniones, pues que lo voy a decir.....
La vida no es sólo ópera , aunque para Ud. parece ser que sí.
Yo no soy un sectario sólo he seguido las formas que muchos imponeis en este foro, el criterio único del GRAN GURÚ y el que no opine igual a la hoguera, faltaría más.

¿Qué afirmación he hecho yo sobre usted que se sale de la ópera? Usted delira. Eso es cosa suya que acusa a los demás de paranoicos boicots.

Mire en mi vida, además de la ópera es muy importante, el buen comer, el buen sexo y los placeres varios. Seguro que más excitante que la suya. Además, es mi vida y la vivo como me da la real gana como decía aquella copla de Lolita Sevilla.

Y ya que nombra la hoguera, ahí echaba yo a todos los directores de escena de las dramaturgias paralelas. Eso o volver restaurar a Monsieur Guillotin. Elijan lo que más les guste.

2003 – Calixto Bieito, Hannover Staatsoper

Todos estos mucho defender el konzep y el eurotrash, pero o no van a la ópera, o cuando van lo hacen por los cantantes o el director musical.

Siempre que se ha hecho la encuesta de quién viaja por ver una producción no sale ni el 5%. Mucho blá, blá, pero luego es un brindis al sol, para ir de "modernos" y "avanzaos"

No es precisamente casualidad que España e Italia, cuna del canto y donde mejor se ha cantado desde siempre, sean los "menos avanzados" en la basura escénica.

Ya lo dijo Celletti, en el país de los becerrualdos tuvieron que inventar la orquesta prevaricante e invasiva y el camelo escénico, porque cantando no se comían un colín.

No le voy a engañar, un reparto/orquesta/director interesantes me movilizan más que una puesta en escena interesante. Pero si todo confluye, miel sobre hojuelas.

Para ir de moderno y avanzao es mucho más fácil y efectivo cantar las virtudes de bandas como DZ Deahtrays o Menomena.