El segundo Miles (Jacob Ramsay-Patel) me pareció que tenía una voz más bonita, más dulce en su emisión y bastante entonada, pero, ya digo, sin exagerar la diferencia: ambos sacaron el papel adelante bien, y a ambos se les escuchaba más o menos con la misma claridad.

La mayor diferencia es en el modo de actuar. El primer Miles (Peter Shafran) actuó con más desparpajo, y, por lo tanto, su Miles me resultó menos inocente, más inquietante. Mientras que el segundo era un Miles más vulnerable desde el principio, tímido. Eso sí, como para compensar, el grito final de "Peter Quint, you devil" de Jacob Ramsay-Patel fue especialmente emocionante. Pero, vamos, sólo les he visto una función a cada uno.

Por cierto, buscando en la página del Real los nombres de los chavales para ponerlos aquí (se las traen, sobre todo el del segundo) veo que las 4 funciones que quedan las va a cantar Peter Shafran, y con sólo un día de descanso entre ellas. Pobre.

Muchas gracias, gakugeki

Me parece que iré esta tarde, así que comentaré la función del niño Shaffran.

Yo estuve en la representación del lunes y coincido con las apreciaciones de Gakugeki sobre los niños. Es algo más pequeño el del segundo unos 12 años, mientras el primero tiene que tener unos 13. El del segundo, Jacob Ramsay-Patel, creo que era más audible aunque tuvo problemillas en la garganta en la parte final. Daba la sensación que actuaba con menos ensayos a las espaldas pero también con una sensación mayor de ingenuidad.

Al final del primer acto cuando Quint se levanta delante de Miles mientras que el niño está de rodillas, mantuvo unos instantes una posición muy cercana dando a entender una felación. Bastante más evidente que en la escena del estreno y creo que fue demasiado explícito.

No recuerdo con exactitud la escenografía de la producción de la Zarzuela, sólo imágenes aisladas. Pero recuerdo la sensación de la sugerencia de la niebla en las escenas exteriores. Es un elemento que echo en falta en la producción de McVicar, porque la niebla es un elemento tan británico, tan húmedo y tan fantasmagórico que se echa en falta en esta obra. La producción del Real en este sentido me parece seca.

En el apartado musical me pareció estupenda.

En el escénico bien los decorados, que conseguían llenar un espacio tan grande, pero sin resolver las apariciones de los fantasmas.

Existan en realidad o sean fruto de la mente perturbada de la institutriz, los fantasmas están en la ópera y cantan, y creo que no pueden ser tratados como un personaje más, que entra en escena, canta y sale. No estoy diciendo que haya un festín de efectos especiales, pero no sé, una bruma, unas transparencias, unos juegos de luz...

No vi las funciones del teatro de la Zarzuela de 1999 pero sí la producción de Barcelona en 1996 (error en algún periódico que decía que la de la producción de la Zarzuela había sido el estreno en España) , y cuando salió Miss Jessel del lago o apareció Quint en la torre me pegué mis buenos sustos. En la de anteayer del Real, no me consiguieron transmitir la atmósfera fantasmagórica.

Para mí fue muy especial poder ver dos funciones de una de mis óperas favoritas, la que me hizo amar definitivamente el género y cuyas brumas, silencios y enigmas me han acompañado permanentemente desde entonces. Vi ambas funciones igual que escucho siempre esta ópera en casa, disfrutando de su infinita calidad musical y su brillante pulso dramático (saboreando el libreto de Piper, nunca lo suficientemente elogiado), pero también buscando respuestas a las preguntas de siempre e incluso formulando algunas nuevas. La Vuelta de Tuerca es para mí encontrarme con una parte de la realidad apasionante, investigada con un lenguaje que cada vez entiendo mejor, que es mío. Bly se ha convertido en uno de los paisajes de mi propia vida.

Por eso agradezco al Teatro Real haberme dado la oportunidad de disfrutarla en tan excelentes condiciones. Josep Pons logró tejer con delicadeza e inteligencia los hilos de la partitura, marcando bien las densidades y los claroscuros, subrayando los colores de cada escena. Puede que faltara un poco de chispa, pero en una ópera así, a falta de una idea nueva clara, casi es mejor susurrar que gritar, mejor navegar en la corrección y el respeto que caer en la demagogia.

Emma Bell fue una Governess implicada y teatral, aunque muy poco personal. La voz, como se ha dicho, tiene cierta riqueza en el centro, es densa, de timbre reconocible aunque no especial. Aunque el agudo es estridente y abierto, en el resto de la tesitura la voz está bien controlada y la regulación es francamente buena. La dicción inglesa inmejorable, como la de casi todos sus compañeros, se podía seguir bien todo el texto. No hace una creación (como sí lo consigue Mireille Delunsch, por ejemplo), pero es una Governess creíble.

John Mark Ainsley hizo un Quint casi ideal, más humano que fantasmagórico. Su voz ligera pero con un punto de rudeza favorece la concepción del personaje que propuso McVicar: más que un seductor fantasma es un ser querido en el recuerdo. Sus gestos y su forma de decir en la escena VIII eran las de un compañero, el guía, el apoyo que da las respuestas que todos hemos buscado con 10 años, cuando todavía nos atrevemos a indagarlo todo. Algo apurado en lo más alto de la tesitura, el resto es un prodigio de adecuación estilística, perfecto en la coloratura y sugerente en la regulación (y esos glissandi brittenianos). Frente al monstruo de Robert Tear, al caballero de Pears o al fantasmagórico Bostridge, Ainsley es sencillamente un hombre, atrapado en el recuerdo (qué es un fantasma sino un ser con el tiempo suspendido, como el recuerdo).

Me gustaron mucho los dos Miles, pero me quedo con el segundo, Ramsay-Patel. Con la voz mucho más formada y más intenciones, aunque también más suelto y exagerado en escena, frente a la contención infantil de Shafran. En todo caso, excepcional actuación de ambos. La Flora de Fikret consiguió parecer una adolescente, con esa voz misteriosamente híbrida, detenida en medio de dos mundos. Era bonito (algo siniestro también) recordar con ella en el escenario el DVD de Aix. Igual que con McLaughlin, allí Jessel, aquí en el Real una correcta Grose, a pesar de que se fue un poco de tono uno de los dos días en su preciosa escena con la Governess del I Acto. Muy bien también la Jessel de Daniela Sindram, que tiene un material muy interesante, para papeles de más enjundia.

La dirección de McVicar tiene su inconfundible sello de teatralidad e inteligencia, a las que se suma un pudor comprensible hacia la obra, una respetuosa veneración. Y no me extraña. LVT, como Pelleas, por ejemplo, es una ópera frágil, como una vela que guía el camino en el pasillo. Si se toman decisiones demasiado fuertes el callado hechizo que la sostiene se viene abajo. Por eso McVicar propone en susurros, dejando siempre la interpretación al espectador: el delicado trabajo gestual en la escena VIII, de la aparición de Quint a Miles, mantiene la infinita ambigüedad de la obra; la diagonal en el You devil que tanto gustó a naietta y que deja abierta la interpretación de la frase final... Un respeto que no le impide sin embargo lanzar ideas apasionantes. Sería muy largo detallarlas todas, pero hay varias que merece la pena comentar. La muñeca de Flora como símbolo de la infancia perdida, por ejemplo (la careta del cerdito, los azotes... en el lago la muñeca duerme mientras Flora tumbada tiembla de un goce nuevo, el entierro como rito de paso en la escena de las campanas). Otra de ellas es la magistral pantomima de los fantasmas en la escena IX: McVicar cambia de código gestual y presenta a unos fantamas muy distintos de los de la escena anterior, de gestos exagerados, moviéndose en una especie de danza-lucha, un teatro de sombras en la imaginación de la Governess. No son así (tal vez no son), en esta escena son como la truculenta Governess los sueña, una Jessel que sale de su tumba (el detalle casi gore es definitivo para interpretar así esta decisión de McVicar), que murió cuando estaba tal vez embarazada... Llevar esta escena al mundo onírico de la Governess es un toque maestro, que además no atenta contra la ambigüedad general de la puesta: la ceremonia de la inocencia, el verso de Yeats que cantan los fantasmas, un concepto que en toda la obra aparece ligado a la Governess (en el prólogo, tras esa misma escena...lost in my labyrinth I see no truth...Oh innocence, you have corrupted me, etc.). Tal vez lo único que no me gustó fue la Flora satánica de las dos últimas escenas, que literalmente asusta, pero en mi opinión desequilibra un poco el tono. En definitiva, deslumbra como casi siempre en él la capacidad de ambientación, la variedad de lenguajes teatrales, la comprensión íntima de la obra y el detallado trabajo gestual.

La escenografía de McCallin aporta una ambientación genérica (como se ha dicho, “lo que se espera de LVT”) -mobiliario victoriano, madera, vidrieras con enredaderas- y se preocupa por reducir un espacio que siempre parece grande para una obra como ésta. Al final lo que consigue esa buscada intimidad es la maravillosa iluminación de Silverman, que separa espacios con eficacia y mantiene la escena, salvo golpes de efecto, en una sugerente penumbra.

En definitiva, unas maravillosas noches de ópera en el Real. Es verdad que a lo mejor les faltó ese algo que hace una función redonda, que te hace salir eufórico. Pero tal vez sea la propia naturaleza compleja, agridulce e imperfecta de una de las obras de arte más apasionantes del siglo XX.

A mi lo que me da la sensación es que algunas veces a lo mejor veis más de lo que libretista, compositor y director de escena pensaron y quisieron transmitir... cosa que está muy bien, por otro lado: mejor para la obra de arte y peor para el artista.

Claro que con su forma tan preciosa de escribir, a Siddharta (You devil!) se le perdona todo (bueno, todo salvo el "como una vela que guía el camino en el pasillo" )

Una pregunta tonta: ¿no sería el verdadero reto para esta obra una puesta en escena clara y luminosa, sin oscuridades, sombras y contrastes? A ver quién es el guapo.

Fabulosa crónica, Sid
Suther, que LVT es una ópera muy oscura. No es el mundo de la ópera seria.

Gracias, Siddh

Fuì el dìa 8. Como algunos de vosotros es la primera vez que veo y escucho esta Opera.
Me ha parecido impactante y preciosa. Tambièn como a Angelparsifal me han entrado unas ganas enormes de leer el libro de Henry James.
Me sorprendiò mucho la puesta en escena, me pareciò muy bonita con esos paneles de cristal que se mueven de un lado a otro.
Me gustò la sonoridad de la mùsica de Britten que nos adentra perfectamente en la acciòn.
El niño Ramsay-Patel como a Pa-pa-ge-na me gustò mucho, tanto en voz como en interpretaciòn.
La Orquesta con Pons bièn.
No me atraen en lìneas generales las historias de fantasmas, pero volverìa a verla sin duda con el otro niño.

Por eso digo que es un reto. Iluminación expresionista y tios con cara de zombie lo hace cualquiera.

Eso sería colocarme por encima del artista Ante una gran obra siempre tengo la sensación contraria, que me estoy perdiendo mucho de lo que pensaron y quisieron transmitir. Al margen de que la obra tiene vida propia, claro, y que lo que importa realmente en el arte no son las partes aisladas (ni el artista, ni la obra, ni sus circunstancias, ni el espectador) sino la conexión, única y efímera, entre la obra y el espectador.

Pero sí, lo de la vela es muy cursi Había escrito la crónica para mí pero al final la he puesto.


Otro detalle precioso de la puesta, que acabo de recordar y ya que estamos... Cuando el prólogo termina, la Governess se cruza con él y se queda mirándolo, alargando hacia él el brazo, hasta que la irrupción de la siguiente escena rompe el momento. Sin duda es un gesto de deseo, ambiguo (¿hacia el señor de Bly?), pero que conecta en la escena por única vez a los dos grandes protagonistas (aun caracterizado como prólogo pero ya Quint y Governess). Me parece una buena forma de conectar escénicamente a dos personajes que ya lo están musicalmente: cuando la Governess dice bidding en la escena IV (refiriéndose al mandato del señor de Bly), ejecuta un melisma idéntico a la llamada de Quint a Miles en la escena VIII. ¡Cómo avisa Britten de lo oscuro de la relación entre la Governess y su señor! O los últimos lost de la escena VII que van cayendo en el mundo tonal de la siguiente escena (la de Quint), mezclándose con las primeras notas de la celesta que anuncian la siguiente variación (la más chula, para mi gusto). Está claro que Britten quiso conectar a los dos corruptores, no igualarlos, pero sí colocarlos en el mismo mundo adulto, ajeno, incapaz de penetrar en la infancia sin destruirla (como las catacumbas romanas que descubren en Roma de Fellini, esto ya es paja mental). Por eso está genial que McVicar ponga esa mirada y ese gesto al principio.

Y otra cosa genial! Cuando llega la Governess en la III escena, Miles se sube a una silla para saludarla. Me encanta el detalle. Para McVicar no hay corrupción durante la obra. Los niños perdieron su inocencia con lo que sucedió (sea lo que sea, en los grados que el espectador desee) antes de la llegada de la nueva institutriz (por eso lo de la silla, la cara de Flora al recibir la muñeca, el entierro de la muñeca, los gestos sensuales de Flora en el lago...). Cuando lo pensé mientras lo veía casi me vuelvo loco

Por cierto, que estaba escuchando en spotify la grabación del propio Britten y en la primera variación del II Acto (vaya caña le da Britten, por cierto), hacia el minuto 3 se oye un grito como de niño o de gato!! Qué acojone!!!

Momentazo!

Me encanta esa escena, es bestial.

En Indiana Jones 4 también sale algo parecido, pero claro, con menos poesía