Una experiencia irrepetible.

Si no hay problema en pocas semanas podré escucharla por primera vez en directo.

Recopilatorio que DGG hizo en el 2000 de los lieder del más reconocido liederista del pasado siglo a lo largo de su ilustre carrera. Aquí, Dietrich Fischer-Dieskau desgrana los famosos ciclos de Gustav Mahler bajo las batutas de Rafael Kubelik y Karl Böhm dirigiendo las orquestas de la Sinfónica de la Radio Bávara y la Filarmónica de Berlín. El barítono da una clase magistral, hasta ahora insuperable, de estas inolvidables canciones.

Reticencia es la que siempre tuve a esta grabación de 2013 y a cuyo frente está un director que siempre he apreciado pero no reverenciado (como pianista, desde luego que sí). Uno es ya viejo y, desde que escuché por vez primera esta obra maestra dirigida Ferenç Fricsay, estoy convencido de que no hay otra versión mejor que la de Karajan con Price, Cossotto, Pavarotti y Ghiaurov. Aquí don Daniel cuenta con lo más granado de entonces, pero me suena superficial.

Creo que es muy difícil levantar un CD más plural. una Sequenza, de Luciano Berio, especialidad de la casa, de la soprano canadiense, la suite de Lulu, de Alban Berg, otra delicatessen y tres números de George Gerswhin; es decir, tres estéticas radicalmente distintas que retratan muy convenientemente un siglo tan interesante como el anterior.

"Rinnovarsi o perire" dice el aforismo italiano; así que decido reciclarme después de tanto Karajan, Böhm, Kleiber jr. o Kubelik, para escuchar esta integral de manos de Yannick Nézet-Séguin y salir del armario de los directores clásicos que han jalonado mi vida sinfónica. Está claro que la lectura del canadiense es personal y honesta, buscando nuevas vías sin contradecir las esencias el compositor de Hamburgo.

Un ejemplo perfecto del sinfonismo de este genio.

Una versión referencial, esta de Grumiaux, que deseaba escuchar desde hace tiempo y no tenía. La fecha de grabación, entre los años 1960 y 1961, ya nos indica que estamos ante una versión ajena a los criterios historicistas que empezaron a despuntar a partir de esa misma década (uso de instrumentos originales, suavización del vibrato y el rubato, tempi más ligeros y ágiles, etc.). Sin embargo, a pesar de todo, el enfoque de Grumiaux no es romántico, ni exagerado, ni pesante, sino de un clasicismo pulcro, equilibrado y lleno de refinamiento. Los tempi, que para mí tienen siempre una importancia fundamental en cualquier interpretación, se caracterizan por lo impecable de su estabilidad, ya que el artista nunca busca los extremos en la velocidad: ni el virtuosismo exacerbado, ni la exagerada solemnidad de otras versiones. Su prioridad es la claridad técnica, y siempre opta por el tempo que, en cada momento, le permita articular perfectamente cada nota. No obstante, en los movimientos lentos (adagios, graves, largos) Grumiaux evita la pesadez y el dramatismo denso, optando por una mayor ligereza y brillantez, de manera que siempre mantiene los tempi relativamente ágiles, aún dentro de su condición de lentos, para que la línea melódica no pierda continuidad ni soporte. Como "debe" hemos de citar el hecho de que opte por no interpretar las repeticiones obligadas de las secciones en las danzas de las partite, práctica ya abandonada, pero que era bastante habitual en la época de Grumiaux, entre otras razones por las limitaciones que la técnica imponía a la hora de grabar en discos de vinilo, de menor duración a los cd's posteriores.

En cualquier caso, nos hallamos ante una monumental versión de esta obra maestra de la música barroca. Muy, muy aconsejable, por el equilibrio aristocrático, la belleza del sonido y la perfección técnica (propia de la escuela de violín francobelga).

Una integral (anterior a la Nézet-Seguin) cuando Sir Simon Rattle sustituyera a Claudio Abbado en el podio de la Filarmónica de Berlín (sustitución no exenta de polémica y sorpresa). Rattle siempre se definió por la búsqueda de un sonido, cuanto más cristalino, mejor sin otro afán por la trascendencia o por una marca excesivamente personal; y siempre sus resultados terminan sin mácula y sin reproches.

Adquiridos de segunda mano. Creo que fue la primera vez que la Pires grabó los conciertos de Chopin, con 34 años, la Orquesta de la Ópera de Montecarlo y Armin Jordan. Una versión más fogosa y animada de lo que pudiéramos imaginar. Jordan imprime brío y tensión a la orquesta y la Pires se contagia de ese brío en los momentos más dramáticos, pero también hay espacio para un fraseo delicado, legato y suavidad.

Pierrot Lunaire, de Arnold Schoenberg