Grabación remasterizada por Urania en 2006 de esta función en vivo desde el MET en 1956, dirigida por Mitropoulos con su proverbial energía y un cierto desdén por seguir la partitura escrupulosamente (algo que no le dejarían hacer en Florencia al año siguiente). Mario del Monaco es, vocalmente, un Ernani insuperable (sobre todo si lo comparamos con los pigmeos de hoy en día) y sus compañeros de cartel son todos de fiar.

Absolutamente de acuerdo:
Mario del Mónaco, Warren, Siepi y Milanov.
En competencia directa con otra del mismo tenor con una grandísima soprano verdiana que canta Norma una de primerísimo nivel...y con una voz como la suya!
Hablo de la Gran soprano verdiana Anita Cerquetti. Qué pena de esta Grande del siglo XX: se quemó psicológicamente pronto...se cansó de ponerse "sotto il tiro del fusile"

Finalmente me he comprado el Holandés de la Davidsen, con Gerald Finley como Holandés. Acabo de terminar el aria del Holandés, donde Finley tiene pérdida de color y cierta limitación en la zona alta, si bien es un competente Holandés. Correcto sin más el Daland de Brindley Sherrat, con asperezas y cierta tosquedad, y un Timoniel de línea clásica en Eirik Grotvedt. A ver cómo evoluciona la cosa. Sólo puedo decir que, por el momento, son más interesantes los registros de Janowski (con Albert Dohmen y Matti Salminen, grabado en concierto en Berlín con la Orquesta de la Radio de Berlín), de Thielemann (con Samuel Youn y Franz-Josef Selig, en vivo en Bayreuth) o, sólo en vídeo, el de Oksana Lyniv en Bayreuth (John Lundgren y Georg Zeppenfeld). Pero veremos cuando entre la Davidsen... Ello por citar registros de los últimos 15 años.

Sigo con el Anillo scalígero, que ha terminado su andadura en Milán tras dos años. Ha pasado un mes desde que vi Valquiria.

Ahora le toca el turno a Sigfrido, la ópera de la esperanza, de la juventud desbordante, después de la tristeza con la que se cierra Valquiria.

David McVicar continúa con su "tradicional" producción del Anillo, en que expone un ambiente lóbrego y oscuro, pero que no dificulta la comprensión de la obra para el espectador. En esta ocasión se une lo tradicional con lo moderno. La cueva de Mime, que parece en muchos aspectos heredera de la de Harry Kupfer en Bayreuth, no por similitud sino por estética, que parece punk, con el enano vistiendo un abrigo de leopardo y a veces llevando tacones. Sigfrido parece un obrero recién llegado de la fábrica. Aunque al menos aquí hay espada, yunque y forja. El segundo acto, sin embargo, me parece un éxito. El bosque está formado por un híbrido entre troncos pelados y esqueletos, sobre un fondo iluminado de negro y gris oscuro, que da un ambiente de tenebrosidad que resulta poderoso en la primera escena. Este bosque no es bello, es lúgubre y da miedo, está maldito por la codicia por el oro que guarda Fafner, aquí adoptando la forma de un gran esqueleto. De nuevo se ven a los actores-tramoyistas que mueven al dragón y al pájaro del bosque, aquí un muñequito, a cuyo lado se encuentra la cantante vestida a lo punky. Alberich aparece vestido con una chaqueta bicolor, azul y roja, con una corona de juguete, totalmente sucio, como un rey destronado. El tercer acto destaca por su minimalismo, dando una ambientación de fantasía. La escena del Viandante y Erda aparece presidida por un enorme globo, el cual desaparece cuando viene Siegfried. La escena del dios y su heroico nieto transcurre en una escena vacía, ahora presidida por un enorme círculo proyectado, que cambia de colores, una preciosa imagen fruto de la iluminación. La roca de las Valquirias es la misma que en actos precedentes: una enorme mano sobre la que duerme Brunilda.

Simone Young realiza una dirección orquestal que va de menos a más. En el segundo acto da una brillante versión del preludio, y la trompa está magnífica en su solo. El tercer acto mejora aún más, desde el preludio, hasta las cuerdas sonando bellas, casi en piano, cuando Sigfrido descubre que Brunilda es una mujer, y luego cerrando una destacable labor desde el foso.

El reparto, en cambio, no es para tirar cohetes.

Una de las cosas que me daban recelo era ver a Klaus Florian Vogt y a Camilla Nylund como la pareja protagonista, porque ninguno de los dos tiene una voz ideal para esos personajes, y la impresión que da tras escucharlos es la de un ejemplo de quiero y no puedo, de libro. Vogt tendrá voz, aguantará como pueda, pero lo que no tiene es el timbre para el gran héroe. Su voz puede no desentonar en roles como Lohengrin o Walther von Stolzing, por aquello de su lirismo y el timbre juvenil del cantante, pero aquí no solo resulta creíble a medias (como en el acto segundo), sino que termina en muchos momentos por resultar inane. En los dúos con Mime, su voz se confunde con la del enano. Su mejor momento es los murmullos del bosque, pero por muy juvenil que suene su voz, no puede con Sigfrido. Y del mismo modo Nylund: si en Valquiria tuvo sus más y sus menos, aquí se limita al vibrato excesivo y al grito, lo que hace que su actuación no parezca creíble: parece estar regañando o arengando a Sigfrido, en lugar de decirle lo que lo ama. Es una pena que esta soprano que era solvente en roles como Elisabeth, Eva o Elsa, se esté rompiendo la voz con Brunilda, casi lo mismo que Ricarda Merbeth.

Michael Volle es un Viandante-Wotan que pone la intención, la experiencia y la autoridad escénica. Incluso si al personaje le puede venir bien un poco de guturalidad debido a su edad y recorrido, termina por echarse en falta un poco de nobleza. Aquí su Wotan es irónico y socarrón, más que misterioso y temperamental. Y lo mismo le pasa al ligerísimo Olafur Sigurdarson como Alberich: el barítono le pone entrega, sabe actuar al personaje y transmitir su rabia y su maldad, pero el grave no está ahí, con lo que a nivel musical se queda inane, y uno no se cree que en el pasado fue alguien tan poderoso como Wotan. Aunque sí casa con el vagabundo en el que McVicar convierte al otrora señor de los nibelungos.

El veterano Wolfgang Abilinger-Sperrhacke se corona como el mejor del elenco, junto a Anna Kissjudit como Erda. Él por su genial voz de tenor cómico, su interpretación repulsiva y grotesca del enano, y ella por su bellísima voz de contralto, rotunda, grave y como actriz transmitiendo la confusión y el desasosiego del personaje. Ain Anger fue un notable Fafner. Sorprendente Francesca Sopromonte como el pajarillo del bosque, no solo por su estética que recuerda a Lisbeth Salander en Millenium, sino por su potente y carnosa voz, lejos de la ligereza y jovialidad de las sopranos de coloratura o jilguero que interpretan este personajillo.

Cuando se pueda, cerraremos con Ocaso.

Escuchando/visionando Tristan und Isolde dirigido por Daniel Barenboim. Con Andreas Schager y Anja Kampe.

Tal como le comenté a Angelparsifal - uno de los expertos wagnerianos de este foro - cuando escucho a Jean Cox me recuerda a los grandes del pasado,cosa que no me pasa ni con Kollo, Jerusalem o Jung. Aquí tenemos a Kollo: fogosidad entrega, pero creo no es comparable su labor aquí a las excelencias de Cox en el Ring de 1970 (fantástico!!! en la escena de los murmullos del bosque)
Es una pena no sacara DVD de esta versión del 1976, puesto que el estado vocal de Jones aquí es considerablemente mejor que en el DVD de Siegfried - con agudos en dicho DVD medio cantados y medio gritados y acústicamente más bien ingratos. Una pena , pero la verdad hay que decirla caiga que caiga)
Aquí en 1976 la encontramos soberana vocalmente y con un legato cuidado y matizado, con medias voces estupendas, trinos y agudos firmes.
Una pena que no contaran con Cox en ese 1976, ya que el resultado general hubiera sido distinto....y es que a Kollo lo noto excesivo en su personificación.

¡Qué pedazo de ópera, qué gran versión, qué grande está John Vickers!

Cox fue un digno sucesor de Windgassen, más rutinario en lo dramático, pero a mi juicio superior a Jess Thomas. Kollo para 1976 ya era un habitual de la casa -había llegado en 1969- y fue escalando papeles, comenzando por el Timonel, Erik, Lohengrin, Walther y después Sigfrido. Era alemán, lo que creo que en la casa sentó bien. Cox me parece un cantante técnicamente más fino que Kollo. El problema de Kollo es que en aquél momento no tenía en repertorio el Sigfrido del Ocaso, por lo que se optó por contar de nuevo con Thomas. Thomas salió de Bayreuth descontento con el montaje de Cheréau y no volvió por allí, por lo que hubo que contar con Manfred Jung, un joven tenor que antes había sido técnico de luces, se desempañaba como miembro del coro y acababa de ser contratado para el elenco estable de la Ópera del Rhin (Düsseldorf). Lo curioso es que en 1979 llega Boulez y dice que no está contento con Kollo, así que Kollo fuera y que Jung haga también el Sigfrido juvenil. Escuchados los Anillos de 1976 y 1977, que circulan por Opera Depot, desde luego Kollo es mejor cantante que Jung. No en vano Kollo fue repescado como Tristán y después como Tannhäuser -en 1985, año en que pegó la espantada en el último momento por considerar que no podía con el papel (con Solti lo había cantado en estudio, y no es lo mismo) y no volvió a ser llamado-. En cambio, Jung se centraba en hacer Sigfrido, fue contratado como Loge después y asumió sustituciones en Parsifal (si bien en 1981 se le concedió este rol). Lo que fue de chiste es que volviera en los noventa como Mime, con Wolfgang Schmidt haciendo el Sigfrido, algo que luego volvería a ocurrir en 2009 y 2010 con Schmitd, que se dedicó a hacer Mime.

Una de esas zarzuelas de Sorozabal que me gustaría poder ver y vivir en directo siquiera una vez.

Esta tarde varias emisoras norteamericanas darán el Tristán de la Davidsen con Spyres desde el Metropolitan, con Jannick Nézet-Séguin en el podio. La pareja de secundarios son Gubanova y Konieczny. Una jornada muy muy apetecible.

Aquí un listado de todas las emisoras que lo dan (el primer horario es Greenwich, hay que añadirle una hora, que España peninsular se rige por París): https://www.operacast.com/thissat.htm#top

Vi por primera vez esta ópera en la English National Opera londinense a mediados de los noventa del siglo pasado y debo decir que me impresionó; y aunque comprendo que su música no sea para todos los gustos, he de reconocer que su valor intrínseco me resulta incuestionable. En España siempre tuvimos la errónea traducción de "El rapto de Lucrecia", supongo que por razones de censura.

He terminado de escuchar este Holandés. Versión revisada de 1864 en un acto. Balada transportada a sol menor como es costumbre. He leído de todo sobre las circunstancias de esta grabación. El librillo indica que la grabación está realizada en estudio, los días 20, 22, 24 y 25 de agosto, previas a las dos funciones en versión de concierto que se ofrecieron de la obra. La soprano declaró que era algo excepcional y que no tenía intención de seguir abordando el rol, por razones de conveniencia para su instrumento. No se entiende muy bien que aborde Isolda y no aborde más a menudo Senta, pero claro, Sentas hay unas cuantas (su compatriota Elisabeth Teige hace una Senta de los años dorados) e Isoldas es un nicho solitario.

Buena toma sonora, natural y cuidada hasta el extremo de hacer sonar a todos los cantantes con el mismo volumen. Y Davidsen y Finley no tienen el mismo caudal de voz.

La interpretación de la Davidsen es sobresaliente. Podrá discutirse si tiene que afianzar algunos aspectos dramáticos, pero en lo estrictamente vocal el rol le va como anillo al dedo. Hay momentos de apasionamiento que recuerdan a la Rysanek y en la parte final del dúo con el Holandés del segundo acto hay reminiscencias de la Varnay. El punto de reverberación que tienen sus frases finales no sé si es cosa de la grabación de estudio. Ya sólo por su Senta merece la pena conocer esta grabación. La grabación cuenta con una Mary que está a su misma altura, Anna Kisjudit, con un instrumento que tiene presencia, graves y misterio.

Después tendríamos el Timonel, clásico y bello, de Eirik Grotvedt.

Gerald Finley es un Holandés suave, cálido, aristocrático, alejado de toda dimensión demoníaca o atormentada (no pasa nada, el de Hermann Uhde o el de Fischer-Dieskau eran así y nadie los discute). Frasea con buen gusto. Ahora bien, la grabación le pilla ya un poco mayor, con clareos en la zona alta y alguna tirantez puntual en el aria del primer acto. En todo caso, en el dúo del segundo acto está notabilísimo.

El Daland de Brindley Sherratt resulta un tanto rudimentario en el fraseo, la voz es escarpada y en su regreso a casa denota nasalidad. Dramáticamente más bien rudo, pero sin nada destacable. Finalmente, el Erik de Stanislas de Barbeyrac no comienza mal, es competente (una voz de tenor un tanto anodina pero componiendo lo que al fin y al cabo es Erik, un personaje anodino), pero en los pasajes donde se demanda más lirismo resulta un tanto rudimentario, exhibiendo emisión blanquecina. La cavatina no pasa de la mera corrección.

Los conjuntos de la Ópera Nacional de Noruega funcionan muy bien, sobre todo el coro, que en el tercer acto está magnifico. La dirección es artesanal, pero sube en el dúo del segundo acto y, sobre todo, en toda la escena de la fiesta en el puerto, sobresaliente. En conjunto le daría un 7,5.

¿Dónde colocar esta grabación? Pues con el Holandés en el último cuarto de siglo pasa siempre lo mismo: hay grabaciones buenas, y esta lo es, pero no totalmente redondas. Dejando de lado el descalabro vocal con el que tuvo que lidiar Barenboim en su grabación de estudio (el argentino se merecía haber grabado otro Holandés), tenemos a Marek Janowski en vivo en Berlín en 2010 (concierto), con un elenco superior salvo por la Senta de Ricarda Merbeth (Dohmen, Salminen, Robert Dean Smith). Andris Nelsons en vivo en el Concertgebouw en 2013 (concierto) tiene la Senta de Anja Kampe, buena, pero no tan incombustible ni rutilante como la Davidsen.El resto del reparto, a salvo el Daland de Kwangchul Youn (y con limitaciones de tesitura), no merece la pena. Después llega Thielemann ese verano en Bayreuth, también en vivo, que tiene un mejor Holandés que el de la grabación que nos ocupa (Samuel Youn, sin llegar a ser Albert Dohmen) y Daland (Franz-Josef Selig), un Timonel parecido y una Senta inferior (también Ricarda Merbeth). Después tenemos la grabación también en vivo de Oksana Lyniv para el sello amarillo en 2021, procedente de Bayreuth, que cuenta con el mejor reparto conjunto de todos los citados: John Lundgren (Holandés), Georg Zeppenfeld (Daland), Marina Prudenskaya (Mary), Eric Cuttler (Erik), pero ¡ay! Asmik Grigorian se resiente como Senta, es un papel demasiado pesado para ella, aun sin discutir sus buenas maneras vocales y actorales. Si el Holandés de la Lyniv se hubiera grabado con la Senta de Elisabeth Teige...

En definitiva, no estamos ante el mejor Holandés de los últimos 25 años. La batura es inferior a todos los registros que he citado. Sí ante la mejor Senta grabada del último medio siglo, teniendo que remontarnos a la edad dorada del canto wagneriano. Y ojo, insisto, la Teige hace una Senta homologable, pero no la ha grabado. Estamos hablando de disco.

Finalmente, una reflexión: si este Holandés se ofreció en concierto en dos sesiones, ¿por qué no recuperar la versión original de 1843 en tres actos con los interludios completos? Wieland Wagner suprimió en su producción para Bayreuth las introducciones de los actos segundo y tercero (atacaba directamente a la introducción de las hilanderas y de la fiesta, respectivamente), y Andris Nelsons, que recupera en su grabación en versión de concierto con el Concertgebouw la introducción del segundo acto, une actos segundo y tercero, por lo que no se escucha la introducción del tercer acto.

Una crónica de la América callejera repleta de emigrantes, de recuerdos, de frustraciones y de añoranzas.