Recuerdo con emoción la adaptación al ballet que realizara Pina Bausch de esta obra en el Teatro Real hace ya muchos años, invitado por una querida amiga, tristemente fallecida pero no olvidada. El espectáculo fue de una belleza que resaltaba aún más el valor de esta ópera barroca. Esta grabación de 1988 también le hace justicia en las excelentes manos de John Eliot Gardiner y su elenco.

Grabación remasterizada de la toma en vivo del Metropolitan en 1947, con una pareja de amantes absolutamente mítica entonces: la adorable brasileña Bidu Sayâo como Juliette y el pletórco sueco Jussi Björling como Romeo, bien acompañados por John Brownlee y Nicola Moscona, bajo la enérgica dirección de Emil Cooper. Ni qué decir tiene que el respetable, enloquecido, cree tocar el cielo con las manos.

Alternativamente, esta grabación de estudio de 1968 dirigida por Alain Lombard, es considerada "pecaminosa" por los intolerantes puristas que califican al heterodoxo Roméo de Franco Corelli de ultraje a los sacrosantos principios del "ars canendi". Lo mismo que harán con su Faust. Mirella Freni es una Juliette referencial, se mire por donde se mire, pues está en su elemento y en mueve como pez en el agua..

La dirección de un joven Muti es prodigiosa.
Una Aida bellamente cantada, contrasta con una torrencial Amneris. Ellos también destacan en una grabación que está entre mis favoritas.

Y entre las mías. Se podría decir sobre los cantantes que son todos los que están y están todos los que son. Estamos en 1974 y el Radamés de Plácido Domingo ha ganado cuerpo en lo vocal y entidad en lo dramático, cosas que no ocurren en su grabación con Leinsdorf junto a Leontyne Price. Riccardo Muti demuestra, como usted bien dice, una dirección prodigiosa en esta Aída para mi referencial.

Lamento decir que discrepo parcialmente. Yo creo que el problema principal de ese disco no reside en Corelli, que tiene la fantástica voz que le es conocida y a ratos (no siempre, hélas) se esmera por frasear, si bien a menudo sucumbe a la exhibición plena e "italiana" de la melodía y de sí mismo, alejándose de la ópera y el estilo. Ni tampoco en Freni, aunque globalmente se trate, quizá, de uno de sus discos menos logrados. Lo verdaderamente "pecaminoso" de ese disco (aparte del contraste entre la opulencia impropia de la pareja protagonista con los exquisitos comprimarios) es Alain Lombard, mortecino, antiteatral, incoherente y capaz de cortes delirantes (como la escena de Julieta del acto IV, que la quita entera).

Queda un disco donde, efectivamente, hay grandes voces y hay gran música (aunque esta no siempre se ensamble bien con aquellas), pero para entender la verdadera significación de Roméo et Juliette considero que hay que acudir a cualquiera de las dos sensacionales grabaciones de Michel Plasson, sea la de 1983 con Alfredo Kraus y Catherine Malfitano, sea la de 1995 con la parejita de aquel momento, donde, a mi juicio, Roberto Alagna graba el disco de su vida (lo que hace en el acto V es trascendental).

Seguramente se sabrá en este foro lo que opinada Sutherland de "Esclarmonde" siendo básicamente que no era una papel para ella. Era lógico teniendo en cuenta que no existe en todo el repertorio operístico - en la parte del soprano - un papel más difícil que éste. Un papel "imposible" de cantar como se debe. Sutherland sostenía que lo más importante que ella está mas orgullosa de lo conseguido en su carrera artística fue promocionar (descubrir el potencial, pulir) a Pavarotti y cantar la Esclarmonde de Massenet. Cómo decía, creo que estamos ante un papel de los más difíciles - si no el que más - de todo el repertorio, ya que la soprano coloratura estará contenta con el acto I y con partes del III, pero pinchará - o lo hará peor que otras - en el II...y al contrario si se trata de sopranos con un un centro vocal de fuste y con la agilidad correctica..
En este caso que comentamos, en la evolución de la voz de Dame Joan Sutherland, la fecha del 2 al 15 de julio de 1975 es la ideal para enfrentarse a este endiablado papel. Si hubiera realizado la grabación a principio de los ochenta, el poderío vocal seguro estaría disminuido (hay una grabación de principio de los ochenta del Covent Garden que demuestra estas afirmaciones) y si lo hubiera grabado en los sesenta, no tendría el centro vocal esa contundencia que presenta aquí. Es, como antes he puesto, la época ideal, ya que la voz adquiere densidad en el centro y conserva el Mi sobreagudo y la agilidad intactos.
Es una grabación prácticamente perfecta en todo - como otras grabaciones famosas. Por ejemplo: "Les Troyens" de Colin Davis para la PHILIPS; "La Boheme" de Karajan o la "Tosca" de De Sabata. - ya que todo funciona de modo pluscuamperfecto: los protagonistas (tal vez la pega sería el francés made in Spain de Aragall) y los secundarios, destacando positivamente el emperador Phorcas de Grant y el Obispo de Blois de Quilico. Un cantante que normalmente no me agrada pero que cantando en el idioma francés se encuentra jugando en casa. Todo está cuidado al máximo detalle y en relación con Joan Sutherland, he de afirmar que tiene un valor impresionante para una persona que no tenía ni idea de italiano y francés...Admirable su profesionalidad y seriedad! en el trabajo. Una dicción muy mejorada y una creación a nivel expresivo. Ella se involucra en el papel y sabe distinguir todas las situaciones por las que pasa su protagonista, dominando todas las trampas vocales como ninguna otra que deje constancia sonora lo ha hecho jamás...hasta un parlato hermosísimo en el acto IV por su emotividad.
Grande Grande Sutherland aquí. Es su mejor papel grabado de toda su exitosa y abundante discografía.

Habría que investigar las razones para eliminar esa escena, pero atribuirlo al director es un poco aventurado, cuando generalmente no tenían mucho poder en esas decisiones.

La EMI o ANGEL de esos años, se caracterizaba por los cortes en sus grabaciones, hasta en detalles no tan significativos, como las repeticiones en las cabalettas y en alguna que otra ópera wagneriana.

En este caso concreto, me parece que esa escena se cortaba también en las pocas grabaciones anteriores que habían de esta ópera para ese entonces, paradójicamente y para no ir muy lejos la de Erede para la DECCA.

Aquí fue a la inversa, un italiano dirigiendo ópera francesa. Tendré que revisar la grabación, pero estamos hablando de 1953.

La DECCA o LONDON, de los años sesenta en adelante, generalmente fue completista en las grabaciones.

La presencia de Lombard en esa grabación, a lo mejor fue el pretendido toque de balance francés frente a dos protagonistas alejados de ese norte, en lo que para algunos quizás quedó debiendo, o quizás por falta de motivación.

Para otros lo mortecino es consustancial a ese género.

Qué opina de su dirección años después, del Fausto con Aragall, Caballé y Plishka para el sello ERATO?

Revisando un poquito más, la señora Freni en su debut en el MET en Romeo et Juliette en el año 1967, no cantó la escena en cuestión y así lo hicieron ver las críticas en su momento, que tampoco la echaron de menos. Incluso se llegó a decir que en París también era usual hacerlo, para alivio de las sopranos.

Más adelante, también cuando la cantó con Corelli tanto en el MET como en las giras de éste en el año 1968, igualmente no cantó el aria.

Y si nos vamos al año 1981, cuando cantó el Romeo et Juliette con el maestro Kraus en Chicago, igual suerte se dió: no cantó la escena.

En la grabación de estudio del año 1953 dirigida por Erede, igualmente se omitió la escena.

Así que a lo mejor la decisión cuando se grabó la ópera en cuestión para la EMI, pudo ir por otro lado y no necesariamente por criterio de Lombard.

Puede ser. Pero en todo caso, fuese decisión artística de Lombard, de la producción para meter la grabación en menos LPs, de Freni porque no se quisiese meter en ese jardín o de quien fuese, un corte tan esencial en un disco comercial en una fecha como 1968 ya empezaba a ser algo menos tolerable y, a mi juicio, "envejece" mucho el documento.

Pero le reconozco que fue peor cuando, en 1974, ERATO grabó Carmen con una Régine Crespin SENSACIONAL DESDE TODO PUNTO DE VISTA en el papel protagonista (opinión subjetiva, por supuesto, pero de la que tengo un absoluto convencimiento), y además de enrolar a una Micaela, una orquesta y un coro limitados y un Don José limitadíííííííííííísimo (Escamillo, al menos, es el excelente José van Dam), puso al frente del tinglado a Lombard, el cual eligió la versión Choudens con recitativos cantados (lo que, nuevamente, ya empezaba a ser muy viejuno en la época) y llevó una dirección errática, lentísima hasta el chiste por momentos y obsesionada por unos contrastes y unos efectismos que no aportaban ninguna teatralidad al drama.



Otro rollo macabeo. Pero MACABEO. Aunque es cierto que la relativa incomprensión entre Faust y muchos de sus intérpretes discográficos durante muchos años es un tema largo (quizá algún día escriba algo al respecto, e se non ho chi m'oda, parlo di Faust con me). Y la Turandot de EMI es aún peor.

Vamos, que tengo al Lombard por un figura. Sin embargo, creo que es justo citar una grabación operística en la que me gustó bastante (sin entusiasmos, pero mucho más de lo habitual): la Lakmé que grabó para EMI en 1970 con una encantadora Mady Mesplé, de momentos sobrecogedores.

No es Plácido Domingo santo de mi devoción pero creo que esta es la versión más redonda de este título.

Eso, mi aprecido MarttiT, si aceptamos que la Carmen de doña Teresa es una Carmen atípica -como ella muy inteligentemente advirtió poniéndose la venda antes de la herida- porque, aunque estupendamente cantada, su gitana no es ni carne ni pescado desde el punto de vista vocal -sí lo es desde el interpretativo. El Don José de Domingo es sin duda extraordinario y uno de sus mejores papeles.

Plácido pasará a la historia como un grandísimo Otello, un fabuloso Cavaradossi y un magnífico Radamés, pero su Don José es referencial, y, de lejos, el mejor papel de su carrera: lo canta fraseando en todo momento, recogido cuando toca, pasional, ardiente y atormentado cuando también toca, y todo con una belleza tímbrica descollante.

Otra Carmen atípica es la de Marilyn Horne: se acepta o se rechaza, pero ahí quedó hasta en grabación de estudio dirigida por Bernstein.