Este CD es una versión de apenas 55 minutos de los mejores momentos de la ópera pero oír a James King o a Gwyneth Jones en sus respectivos papeles es siempre un placer.

Y sigo con mi particular maratón estival, dedicado a esa obra maestra que es Salome.

Lo peor de esta versión, dirigida por el prolífico y eficiente Artur Bodanzky, lo encontramos en el sonido, que es realmente infame, está saturado y lleno de frituras. Las voces se oyen todas enlatadas, sin armónicos, como en los peores registros de la era era acústica o mecánica, y la orquesta apenas es distinguible, escuchándose ratonera y como una masa sonora informe.

Göta Ljungberg era una soprano dramática, pero interpreta a la joven princesa idumea con una voz cristalina, transparente, aniñada, con la que apiana y matiza para rejuvenecer al personaje. Muy en la línea de la Salome que recrearía, unos pocos años después, la gran Ljuba Welitsch.

El Jochanaam de Friedrich Schorr tiene acentos nobles, señoriales, es viril y está muy bien fraseado (dentro de lo que permite distinguir el pésimo sonido), pero al cantante se le escucha claramente mermado, y ya presenta ese desgaste tan característico en la zona aguda que es habitual en sus grabaciones discográficas, como lo demuestra el hecho de evitar las notas más altas y comprometidas de su particella en las distintas intervenciones que realiza una vez salido de la celda.

Aunque a algunos oyentes les pone nervioso, a mí, personalmente, me encanta el Herodes nervioso, histérico, enfático y algo pasado de rosca de Max Lorenz. Pero debo reconocer que, a causa del sonido, aquí se le oye muy, muy mal. Muy convincente la Herodias de Dorothée Manski.

Muy correcto e idiomático el Narraboth de Hans Clemens, y oscuro y viril el paje de la contralto Doris Doe.

En la piel del primer nazareno tuvieron esa noche al espectacular Emanuel List, que es todo un lujo en ese papelín.

Como más de uno se imaginará esta versión la compré por tener el Hagen de Martti Talvela, que aquí está en absoluta plenitud y es lo más interesante de la grabación. Ésta no es maravillosa y tiene algunas ligerísimas caídas de tensión pero se deja oír. Solti, como siempre, ardoroso. La Brünnhilde de Ludmila Dvorakova, la misma de la versión de Swarovsky, es muy interesante; y el que me deja fuera de juego porque no sabía nada de el, ni su mera existencia, es el tenor Karl Joseph Hering, un Siegfried brutote, supongo que fue heldentenor de carrera efímera.

Hasta ahora, en mis audiciones, no había prestado atención a la cantante que, con total justicia y numerosos argumentos, puede ser considerada la mejor Salome de todos los tiempos, y a la que siempre se identificará con este rol. Me refiero, claro está, a la sensacional soprano búlgara Ljuba Welitsch, a la que el propio Richard Strauss, en 1947, consideró la intérprete ideal de su princesa idumea. De su creación --que arrebató al público de la primera mitad del siglo XX-- han quedado grabados algunos pasajes clave (por ejemplo la escena final, que cantó con Karajan en 1948) y, sobre todo, dos representaciones completas registradas en funciones de la MET de los años 1949 y 1952, que nos permiten disfrutar del excelso arte de Welitsch en este rol, paradigmático de su carrera. A continuación analizaré ambas versiones, señalando desde ahora mismo que prefiero la segunda de ellas (la de 1952) por las siguientes razones: tiene mucho mejor sonido (aunque ambas sean en mono), el conjunto de su reparto es más redondo y la Wellitsch, aunque tres años de cantar duros papeles pasan factura, sigue sonando sensacional pese a todo.

Empecemos diciendo que la dirección de Fritz Reiner, auténtico experto straussiano, es estupenda en ambas versiones, pues conduce a la orquesta del famoso teatro neoyorquino con mano firme y segura, ritmo vibrante, gran teatralidad, excelente uso del rubato y de las dinámicas en la escena de la danza (con un frenesí perfectamente marcado a nivel musical) y unos tempi adecuadísimos en cada caso, obteniendo de dicha formación todo tipo de matices y claroscuros. La diferencia fundamental, una vez más, radica en la diferente calidad del sonido, que es muy superior en la versión de 1952.

Ljuba Welitsch, como ya he señalado, es la Salome perfecta en ambos registros: su voz suena límpida, cristalina e infantil. La naturalidad e inocencia de su canto, la variedad de colores adaptados a cada situación dramática, la intencionalidad del fraseo, la incisiva y nerviosa vocalización, lo vertiginoso de la misma en las primeras escenas (como si quisiera expresar la atolondrada juventud de la muchacha), el dinamismo, el modo en que construye la progresión dramática del personaje --desde la primeriza niña curiosa e inocente, hasta la monstruosa criatura que juguetea con los despojos del hombre que ha hecho asesinar--, el brillo en la zona aguda y la, pese a todo, solidez en la grave, la asombrosa proyección que le permitía hacerse oír a pesar de la densa orquestación, la naturalidad y aparente facilidad con que lo hace todo... En fin, un amplio conjunto de elementos que definen a una auténtica fuoriclasse y una Salome de auténtico lujo, a la que es un placer escuchar. Aunque en los dos registros está excelente y en la de 1949 suela algo más fresca y desahogada, sin embargo personalmente prefiero la de 1952, tanto por el excelente sonido --que permite apreciar todos los matices--, como porque hace una caracterización tan perfecta y ajustada a lo que, en mi opinión, debe ser la princesa idumea que, difícilmente, ha sido superada por alguna otra soprano antes o después de ella.

En la versión de 1949 Herbert Janssen es un Jochanaam algo altisonante y bastante limitado en lo vocal, cosa hasta cierto punto comprensible, dado que en las fechas de grabación de estas funciones ya frisaba los sesenta años y llevaba casi treinta de carrera (había debutado en 1922). De hecho, cuando cantó en ellas sólo le quedaban tres para la jubilación, pues se retiró en 1952. Quizá por eso, encontramos un cantante que interpreta con estilo y gusto, pero cuya voz se caracteriza por los sonidos fijos, que clarea en la zona alta y cuya voz suena demasiado viejuna y limitada. En este sentido, me parece bastante superior el Bautista del gran Hans Hotter, pues aunque suena menos humano y terrenal que Janssen resulta, sin embargo, magnífico en su hieratismo autoritario, en su iluminado fanatismo religioso y en su intransigente desprecio ante las insinuaciones de la joven prinzesin idumea.

Frederick Jagel, en la versión de 1949, es un Herodes muy robusto, menos histérico que el de otros tenores (Lorenz, Stolze) y muy bien cantado, pero también creo que es superior el tetrarca que construye el gran tenor wagneriano Set Svanholm, básicamente porque suena más juvenil, menos gastado. El sueco cincela aquí un tetrarca poderoso vocalmente, pero no por ello falto de elegancia y nobleza. En este sentido, y a pesar de su instrumento, vemos que hace lo mismo que Vickers, plegando su instrumento a las necesidades vocales de su particella. Además dibuja perfectamente la evolución del personaje hacia el desquiciamiento. Excelente, asimismo, la Herodias de Elisabeth Höngen, de timbre untuoso, oscuro, y expresión torva y siniestra, muy compenetrada con Svanholm en sus diferentes parlamentos. Muy buena, asimismo la Herodias de la grandísima Kerstin Thorborg (en la versión de 1949), aunque ya suena más envejecida que Höngen y me parece, por ende, menos adecuada.

Estupendo, una vez más, el impulsivo y apasionado Narraboth de Brian Sullivan, y correctísima Hertha Glaz como paje de Herodías.

En la piel del primer nazareno tenemos al conocido Alois Pernerstofer, que fue un interesante Alberich en diferentes temporadas bayreuthianas de El anillo del nibelungo, y que aquí suena, quizá, más ligero y menos solemne y transido que en el caso de cantantes con voces más oscuras y profundas, más de bajo.

Magnífica, también, la escena de la discusión teológica de los cinco judíos, con una de las pocas interpretaciones donde la intensidad de la discusión y el barullo que crean los personajes, sin embargo no acaba convirtiéndose en pura confusión y ruido (como ocurre en otras versiones).

En mi opinión, estamos ante una de las mejores y más referenciales grabaciones de esta ópera (si no la mejor).

Poco más que Asmik Grigoriam en esta versión moderna de Madama Butterfly del Covent Garden (2024). Quizás se libra Hongni Wu, una Suzuki de empaque porque Joshua Guerrero es bastante vacilante en las partes más románticas mientras que resulta muy decepcionante el consul de Lauri Vasar.

Hará más de 10 años que no escucho está versión de Anna Bolena. Con la idea de revisarla y ver si con el tiempo cambia mi opinión sobre el desempeño de esta soprano la escuché ayer: nada. Todo sigue igual.
El primer acto ...bien, con un re sobreagudo conclusivo un poco estridente.
En el segundo vienen los problemas, aunque empieza moderadamente bien con la Seymour basta de la Obratzova - qué pena que no estuviera la Verret - en el terceto de este acto entre Percy, Enrico y Bolena está perdida e incluso deja solo cantanto al fantástico Percy de Savastano por un momento. La dicción en esta pieza a veces se hace ininteligible. Es inexistente.
En la escena de la locura está fantástica en términos generales, aunque ya se aprecian problemas arriba, llegando a la cabaletta exhausta.
La dicción es caprichosa y nunca modélica. En la expresión no es un prodigio, aunque cuando su tesitura se lo.permite, la voz corre con comodidad desprendiendo un toque regio, una autoridad que ya la quisiera para sí la Sutherland.
Los compañeros Enrico y Giovanna, mejor en otros cometidos.
Versión para fans de esta soprano, curiosos y fanáticos coleccionistas de CDs.

"La Merope" de Terradellas, desde el GTL.
Gran rescate e impresionante función.

Primera vez que escucho la ópera de este navarro. Si no me equivoco, esta es la única obra -además, lógicamente, de Marina- de Emilio Arrieta que puede localizarse grabada en formato alguno.

Comento aquí una de las siete funciones que tuvieron lugar en el Grand Théâtre de Genève, en los meses de enero y febrero de 1983 (concretamente la del 4 de febrero, que es de la que se conserva audio).

La dirección de Stein es imponente desde el punto de vista sonoro, está llena de intensidad y dinamismo, y no baja un ápice la tensión durante toda la representación. El maestro germano --conocedor del repertorio, y colaborador de míticos maestros como Keilberth, Knappertsbush, Krauss y Karajan-- consigue extraer de la orquesta Suisse Romande un material sonoro estupendo y dotar a la función del pulso dramático necesario, que no decae en ningún momento. Espeluznante, por cierto, la percusión (timbales y bombo) en los redobles del disonante final, que le dejan a uno sin aliento.

La voz de Julia Migenes-Johnson nunca tuvo la calidad, potencia y pureza de la de otras insignes intérpretes del personaje, pero la neoyorquina la utiliza aquí con gran inteligencia, inclinándose por una interpretación que se centra en los acentos, la intención dramática y una excelente prestación como actriz y bailarina (cualidades que Migenes poseía indudablemente). En este sentido, y aunque hay cierto abuso de lo declamatorio, su lectura de este complicado y exigente rol se acerca mucho más a la de cantantes-actrices de fuste, como Welitsch, Ljungberg, o Malfitano, antes que a la de aquellas sopranos dotadas de un instrumento de mayor calidad (como Jones, Caballé, Nilsson, Studer, etc.). Con esos mimbres construye una princesa idumea de voz marcadamente aniñada en aquellas partes de puro sprechgesang (donde el sonido pierde voluntariamente algo de impostación, hasta llegar al sprechstimme), fraseo incisivo, pronunciación velocísima, impetuosa, ligera y llena de inflexiones para reflejar los distintos estados psicológicos del personaje. Además da todas las notas, apenas muestra problemas destacables en ambos extremos de la tesitura (aunque el descenso al Solb3 en la segunda sílaba de la palabra todes apenas es un susurro, y se alivia en el último grave de su postrer "Jochanaam", saltando del Do#5 al Re#5, en lugar de descender al Sol#4), y despliega una gran intensidad en el tour de force final. Todo ello, sumado a su estilizado aspecto --con esa tupida melena rizada, su buena figura y su pequeño tamaño-- debió de contribuir a presentar en teatro a una Salomé muy voluptuosa, juvenil, insolente, caprichosa y creíble.

El Jochanaam de Simon Estes es un Bautista que da auténtico pavor: autoritario, imperativo, cavernoso, insondable, rotundo... Mucho más hombre maduro, violento y fanático, que joven fervoroso e iluminado, y consciente, en cualquier caso, de la trascendental misión que le ha sido encomendada. Y a pesar de que a menudo suena demasiado cupo, impresiona su voz tonante, extensa, voluminosa y de oscuro timbre.

Muy interesante el Herodes del tenor galés Robert Tear, un intérprete al que siempre había escuchado en papeles secundarios, y que en el presente registro sale bastante airoso del dificilísimo compromiso. Opta por presentarnos un tetrarca cantado más que declamado o gritado, y a caballo entre las lecturas de aquellos tenores vocalmente más dotados que han asumido el rol (Lorenz, Svanholm, Hopf) y los charaktertenöre puros (Stolze, Zednik). Y aunque no llegue a desplegar las sutilezas expresivas de otros intérpretes (Patzak, Vickers), creo que consigue transmitir bastante bien su carácter mezquino, lascivo, supersticioso e hipócrita y la evolución psicológica que experimenta a lo largo del drama. Un poco apurado, eso sí, en alguno de los pasajes más exigentes del rol, pero muy correcto y convincente en general. Estupenda, por su parte, la Herodias de la mezzo polaca Krystina Szostek-Radkovaoscura, de voz potente, oscura y fraseo rotundo, y cuyo timbre combina a la perfección con Tear y Migenes en sus diálogos conjuntos.

El tenor sueco Gösta Winbergh es un Narraboth muy pasional y arrebatado, de canto sincero, y la mezzo Marijke Hendriks un buen paje de Herodías. Correctísimos los demás comprimarios.

El sonido, aunque no es malo, está algo empastado y todo se oye con una cierta densidad.

En resumen: una versión que no había escuchado nunca, y que me ha parecido muy interesante.

Hay que ver cómo cambian las cosas y de Les Huguenots pasamos a Gli Ugonotti; y no solo porque cambiamos el francés por el italiano, sino porque, con la excepción de la Stupenda, la cantan italianos o italianos consortes muy bien asimilados a la lengua de Manzoni. Como guinda, la dirige Gianandrea Gavazzeni, también del equipo transalpino, que dota a la partitura de Meyerbeer de una pasión y una fiereza inusuales.

Los tres grandes atractivos de esta grabación serían, para un servidor, el Padre Guardiano rotundo de Martti Talvela en la que pueda ser la única grabación de este papel, el Don Álvaro arrojado de un Plácido Domingo en plena forma, aunque pedirle cuidado en el fraseo (La vita é inferno, ejemplo máximo) sea pedir demasiado y, sobre todos, la Leonora de Raina Kabaivanska, magnética. ¡Y pensar que a esta soprano la escuché en mi debut operístico! La grabación es más floja que otras de la misma casa, con caídas de tensión excesivas y alejamiento de voces en más de una ocasión.

Pues no sé qué quiere que le diga, mi estimado y razonable admirador del gran Talvela; pero empezaría porque en el foso no dirija alguien con más poso... Y seguiría con que, en 1971, don Plácido no había desarrollado medios suficientemente robustos para abordar Don Alvaro -de la misma forma que le pasa a su deficiente Radamés de 1970 bajo Leinsdorf. Así las cosas, la grabación no pasa de ser una curiosidad.

En este espléndido lugar dedicado a la zarzuela y a la ópera del ámbito hispánico (sea España, Hispanoamérica, las Filipinas y en cualquier lengua), <https://atodazarzuela.blogspot.com/2013/02/emilio-arrieta.html> puede encontrar y descargar grabaciones en audio y vídeo. De Arrieta, además de las dos citadas, tenemos la ópera Ildegonda y las zarzuelas El dominó azul y El grumete.

Quizás debería haber sido más preciso a la hora de redactar el texto. Valga como alternativa este: si no me equivoco, esta es la única obra -además, lógicamente, de Marina- de Emilio Arrieta que puede localizarse hoy en día grabada en formato físico alguno, es decir, CD o DVD. Y es que un servidor sigue siendo un romántico de este tipo de formatos. De todas formas, a todos los que de forma privada o pública me han dado información, muchas sinceras gracias.

Yo a lo mío:

Representación que, pese a estar dirigida por Mitropoulos (centrado, sobre todo, en hacer avanzar el drama sin que decaiga la tensión, más que en obtener matices y sutilezas de la orquesta), sólo tiene el interés de escuchar, de nuevo, la Salomé temperamental y de voz cristalina, timbrada y suntuosa de Inge Borkh --que aquí se muestra más como una mujer joven y voluptuosa, antes que como adolescente--, y la sólida Herodías de Blanche Thebom (aunque las diferencias tímbricas entre madre e hija no son tan pronunciadas como en otras versiones). Por si fuera poco, se introdujo un gran corte en la escena final, eliminando los versos más lascivos de la súplica de Salomé, aquellos que van de "Du legtest Über deine Augen" a "dieses brünstige Begehren löschen".

Ramón Vinay, con su timbre oscuro, emisión sofocada y voz áspera, no me parece, desde luego, el Herodes ideal, un personaje que pide el típico tenor de carácter, o un heldentenor capaz de frasear, adelgazar la voz, brillar en la zona alta y reflejar, así, el temperamento nervioso e inestable del tetrarca (y eso que, a veces, está un poco pasado de rosca, todo sea dicho). Y aunque no faltan detalles expresivos en determinados momentos, lo cierto es que cada vez que el chileno abre la boca da la sensación de que estuviéramos escuchando a Jochanaam, y no al afeminado y caprichoso tetrarca.

Menos reseñable aún encuentro al barítono estadounidense Mack Harrell, como el Bautista, pues no aporta nada que sea especialmente digno de mencionar (pese a que, al parecer, gozó de bastante fama como liderista). Una impresión negativa que también podemos hacer extensiva al caso del Narraboth, interpretado por Giulio Gari, un tenor con voz de escasa calidad y sónido áspero que tampoco canta con especial cuidado y matización.

Versión claramente prescindible.

Seguimos straussieando...