La obra no se escenifica, según mis datos, desde 1955 y supongo que será muy difícil poder llegar a verla aunque al menos se puede escuchar. Y ello, además de por el trabajo de algunos que no cejan en dejar evidencias del patrimonio lírico vasco, porque tenemos una generación de cantantes muy interesantes para estas grabaciones, caso de Miren Urbieta o Mikeldi Atxalandabaso.

He de reconocer que cuando se anunció esta grabación -dentro del anunciado proceso de grabación y publicación de tres títulos de ópera vasca, del que falta por publicar Mirentxu, de Jesús Guridi y que ya va tardando- el título me era desconocido. Lide ta Ixidor es una pastoral dirigida al público infantil y, por ello, de una ingenuidad excesiva. El compositor, Santos Inchausti, tampoco es el más popular.

Quizás la mejor versión de esta interesante obra.

En enero tendremos Eugenio Oneguin en el Real, después de 15 años desde la última vez. En ese 2010 en que empezaba la era Mortier, nos visitó el Teatro Bolshoi de Moscú, en el rompedor montaje de Dmitri Tcherniakov, que escandalizó al público moscovita en su estreno en 2006. Tanto, que Galina Vishnevskaya, tras calificar el montaje de "obsceno", decidió cambiar el sitio la celebración de un homenaje que se le hacía por toda su carrera.

La gran diva rusa había cantado esta ópera de Tchaikovsky en el montaje clásico de Boris Pokrovsky, estrenado en Moscú en 1948, y que fue representado allí hasta 2005. Muchos montajes de óperas rusas del Bolshoi habían sido filmados en vídeo durante los 80 y primeros 90, con la excepción de este Onegin. Finalmente, en el año 2000 fue emitido por televisión y posteriormente comercializado en DVD por el sello TDK.

Esta mítica producción es como una sucesión de pinturas, de estampas típicas del Romanticismo ruso. A pesar de que son decorados que hoy se verían como de cartón piedra, incluso se ve que las paredes y los paisajes nevados en las ventanas están pintados, cuando se enfocan los primeros planos; tras ver esta superproducción uno entiende por qué la versión de Tcherniakov molestó tanto. Aún así, hay detalles preciosos, como en el primer acto ver un monasterio al fondo del paisaje. Así, la primera escena tiene bellísimos árboles y el portón de la casa de Larina dominando la escena. El majestuoso salón del tercer acto es lo más conocido del montaje, con esas enormes columnas, ese blanco elegante y pequeños muebles azules. Un poco más flojas son las escenas en pequeños y más íntimos decorados, donde las paredes parecen menos realistas, como la habitación de Tatiana y la casa de Gremin. A diferencia del montaje de Tcherniakov, el baile está bastante presente, y bien defendido por el Ballet del Bolshoi, especialmente en la danza campesina del primer acto y en la famosa Polonesa del tercero.

El veterano Mark Ermler dirige a la Orquesta del Bolshoi en una excelente prestación. Curioso que esta misma orquesta decepcionara tanto bajo la batuta de Dimitri Jurowski en el Real. Ermler dirige con tempi más bien rápidos, con las cuerdas de la orquesta sonando con intensidad. Los interludios están bien dirigidos y se nota la experiencia y el buen hacer de Ermler, con una interpretación sl servicio de la interpretación de los cantantes, pero al mismo tiempo su dinamismo resulta áspero, en consonancia con las grandes batutas rusas.

En una época en la que la edad de oro de las voces rusas no estaba tan lejana todavía, incluso si esta puede considerarse una función más de compañía, el nivel es bastante alto. Todos los cantantes no obstante suenan nasales debido a la pronunciación del idioma ruso.

Vladimir Redkin es un Onegin de enorme voz, de timbre robusto, firme, y de presencia escénica imponente.

Maria Gavrilova es una Tatiana dramática más que lírica, con una voz de timbre mas bien oscuro. Está pletórica de voz, y en el tercer acto suelta un bello pianissimo.

Nikolai Baskov hoy en día es un tenor que canta pop. Incluso, participó en el vergonzoso concierto que Putin organizó en la Plaza Roja para celebrar la anexión de cuatro regiones ucranianas el año pasado. En esta época, era un tenor de la compañía de la ópera de Novosibirsk. También en estos años colaboró con Montserrat Caballé en sus giras, incluso cantó en la Cleopatra de Massenet cuando nuestra diva la cantó en Barcelona y Madrid en 2004. Sin embargo, pese a su timbre juvenil y su voz lírica, es un tenor insuficiente para Lensky. No hay lirismo, sino inseguridad y poco carisma, una voz que no parece fluir como debiera.

En Rusia siempre ha habido una cantera enorme de voces graves. Y eso se pone de manifiesto con el elegante y bien cantado Gremin que interpreta Aik Martirosyan, el brutal, de ultratumba Zaretski de Alexander Korotky, quien debió de hacer un Varlaam fabuloso. Yelena Novak es una Olga que es casi una auténtica contralto, con una potente y grave, aunque un poco nasal, voz. Galina Borisova también es una mezzo interesante como la vieja Filipyevna. La soprano Irina Udalova es una cumplidora Larina, en un rol que no da mucho lucimiento. El veterano Alexander Arkhipov es un galanteMonsieur Triquet.

En definitiva, se trata de un Onegin que si en el Bolshoi es una función rutinaria, hoy en día sería aplaudidísimo. Si este equipo musical hubiera venido a Madrid otro gallo nos hubiese cantado. No será el mejor Onegin del mundo pero es la mejor opción posible para empezar y conocer la obra debido a su ambientación clásica.

Estos de Opera Depot te facilitan aumentar tu número de grabaciones que, en ocasiones, no garantizan el mejor sonido -como es el caso, en ocasiones demasiado lejano- pero que te permiten completar tu colección de tu cantante favorito con aquellos papeles con los que no existe grabación comercial. Este Parsifal no es una maravilla pero permite acceder a dos voces por la que tengo predilección: la primera, la de Leonie Rysanek en su primera Kundry, que se transforma en un alarde auténtico de fiato y volumen. Quizás no estemos ante la Kundry más hermosa pero sí ante una demostración de lo que es una voz grande, bien emitida y poderosa. Por otro lado, este es uno de los pocos ejemplos del Gurnemanz de Martti Talvela, quizás el más afectado por la grabación. De todas formas en los actos impares su presencia es poderosa.

Peter Hoffman nunca ha sido santo de mi devoción y si aquí está digno como tenor lírico ya sabemos que en pocos años echaría su voz a perder en experimentos dramáticos que le arruinaron rápidamente. Theo Adam es un Amfortas rocoso y el Klingsor es el de Franz Mazura que creo lo cantó durante muchos años.

¿En formato físico, o en digital?

4 CD's mas minúscula hoja informativa con el nombre de los principales protagonistas. De paso, si alguien conociera el nombre de todos los participantes de la función, lo agradecería. De hecho, todas las grabaciones que tengo de esta casa son así: CD's en sencillo envase de plástico y muy elemental información.

Sí, lo preguntaba por simple curiosidad, y porque todas las ediciones que yo he comprado en Opera Depot son en versión digital, ya que el contenido físico que ofrecen es, precisamente, bastante pobre.

A veces hay que volver a los clásicos. Esta Tosca fue de las muy primeras grabaciones que adquirí, allá por los 80 del siglo pasado y sigo pensando que es la versión más interesante en su conjunto aunque mi pasión inicial se haya atemperado con el paso del tiempo. Así, si bien con Maria Callas sigo sin guardar duda alguna, por distintas razones mi entusiasmo con di Stefano y Gobbi no es el mismo. En cualquier caso, una versión excepcional.

Casi siempre, estimado MarttiT, casi siempre.

Esa es "La Tosca de la interpretación" donde no se puede hacer una lectura más caleidoscópica de su personaje - lo digo por Callas - aunque con el tiempo he logrado valorar como lecturas electrizantes en la interpretación vocal y actoral a otras intérpretes como a la gran Magda Olivero. Es otra opción. Transmite "verdad" en este personaje con una voz.....digamos que particular...ahora sí: la Olivero jovencita era un bellezón.

Cómo "Tosca" más bella que uno ha escuchado, está la de Bjorling con Milanov (fantásticos en su dúo del acto I)

Ahora yo no he visto Toscas equiparables a las antiguas, pero a lo mejor me equivoco.

A/A Angelparsifal:

Una de la últimas grabaciones - desde mi modesto punto de vista - que pueden considerarse como una de las "Grandes grabaciones del festival de Bayreuth". Después de Kna - Varnay, Hotter, Windgassen... - y Bohm - Nilsson, Windagassen - vienen unos años donde cantantes también fantásticos - Berit Lindholm, Dame Gwyneth Jones... - a las órdenes de Stein y Boulez..., constituyen ya una especie de epílogo de las grabaciones históricas. Después, yo me pierdo - entre otras cosas porque mi desinterés es absoluto - pero me da que no llegan al nivel de las anteriores.
En relación con el plantel de actores de esta grabación, hay para éste que escribe, cuatro cantantes que destacan un poco sobre el resto de sus compañeros.
1) Dame Gwyneth Jones: firma ella una de las mejores Sieglinde de absolutamente toda la discografía live y de estudio - junto con la grabación live que hizo en 1965 con Solti en el foso - Estamos en 1970 y no aparecen esos agudos ingratos - que no chillados - que a los aficionados más exigentes les molesta. Aquí la voz fluye con soltura en toda su tesitura. Con una dicción fantástica, ella interpreta como pocas y con una voz de una presencia vocal apabullante, al punto de solapar a su hermano mellizo. Es curioso como la voz suya en 1970 suena fantástica en esta grabación y en el "Parsifal" con Boulez y luego presenta agudos ingratos en la grabación de 1970 de "Die Ägyptische Helena". El accidente de tráfico que sufrió en ese año es el causante, antes que el acceso a un repertorio más pesado.
2)Helge Brilioth: un tenor de voz más modesta que su compañera, pero que con una voz agradable, interpreta su personaje. Él junto con la Jones, reciben la ovación más grande de la noche al concluir el acto I
3) Berit Lindholm: soprano que escuché en Casandra. Ella es una auténtica dramática, con voz oscura - con un centro ancho, carnoso y buenos graves - cosa que no todas las que cantaron a Brunilda lo eran. Segura en agudos y muy convincente intérprete. Desde luego, se ajusta más a lo que debe de ser vocalmente una Brunilda que no las sopranos que luego cantarían la parte: pienso en Behrens o la Jones.
3) Anna Reynolds espléndida Fricka
El Wotan de Stewart no consigue que se me olvide al de Hotter, el cual canta los "adioses" de Wotan como pocos o ninguno ha hecho y provoca que las diferencias con Stewart sean abismales: donde el primero es tierno, emotivo, el Wotan de Stewart es rocoso y más parco en el planteo de emociones, sobre todo cuando canta "Der Augen leuchtendes Paar" En este fragmento, se puede ver la diferencia entre ser un fantástico Wotan y ser el mejor de la historia. Es lamentable, puesto que estamos ante uno de los momentos cumbre. La música es tan emotiva, que si se une a ello un artista de primera, buen fraseador, con claroscuros, el maridaje es perfecto. Una pena. NO lo hace mal, pero se echa en falta la excelencia.

La orquesta se nota - metales - que estamos en Alemania y no con la RAI - anillo 1969 de Roma -

Vamos con mi jornada preferida de la Tetralogía: "Siegfried" Un "Der Ring des Nibelungen" sin Siegfried es impensable. Es decir: que como el Siegfried de turno sea malo de rabiar, el anillo se cae. Ciertamente no estamos en este caso, ya que Jean Cox es el único de la era "moderna" parangonable con los grandes nombres del pasado. Estamos - en mi opinión - ante el último gran Siegfried del siglo XX, por encima de los Jung, los Kollo e incluso, los Jerusalem y luego, un larguísimo etc, en el que destacaría - por ejemplo - a tenor canadiense Heppner.
Cox tiene una voz más bien lírica, pero el tipo te puede "clavar" una escena de la forja fantástica y luego matizar en la escena de los murmullos del bosque. Bien en dicción, fantástico en la interpretación, llegando incólume al dúo con la soprano: reflexivo cuando procede, expansivo cuando lo demanda la partitura, irónico, bromista, iracundo...pasa por todas las emociones que están insertas en su imponente partitura: referente.
La Brunilda más aguda y más ingrata de la Tetralogía es ésta, y hay que llegar al do5 del final conclusivo del dúo, pasando antes por otros dos Do: los del "Ewig war ich" y los del "Ob jetzt ich dein?" cuando pronuncia la palabra "weib" Lindholm en el primero consigue llegar "gracias a Dios providente" y en los otros, llega sin problema: cortos, sin recrearse cual Nilsson, pero bien emitidos, a tono. Y es que estamos ante un hecho que no se puede perdonar - lo siento si hay (que lo dudo) algún admirador de Traubel que la ponga en el Trio de Ases de intérpretes wagnerianas de todos los tiempos - cual es que si está en la partitura un Do4 o Do5 toda Brunilda que cante su pieza TIENE QUE DARLO SÍ O SÍ siempre y en todo lugar donde encarne el papel, aunque sea gritado o ingrato, pero por lo menos se gana el respeto y la consideración del público. Una cantante no puede decir:
- un agudo..uff, paso, estoy cansada, que lo dé otra.
Qué poca seriedad ¿cierto? Flagstad, la grandísima Marjorie Lawrence o la Frida Leider ( por no hablar de las Nilsson o Varnay o Mödl)
En fin, digresión a parte:
Una Brunilda de gran calidad vocal y que sabe interpretar su parte.

El problema - que a lo mejor son imaginaciones mías - si lo hay: el Mime y el Alberich son perfectos - es el Wotan de Stewart. Bien en el acto I y en el II y en el dúo con su nieto, pero llega el diálogo con la estupenda Erda de Marga Höffgen y me parece que sólo se limita a cantar, no introspecciona en su parte como Hotter. Es curioso pero en las partes más emotivas de sus dos jornadas, parece ausente, ayuno de sentimiento, de introspección. No es que cante mal, que no lo hace, pero en en estas dos partes donde se echa en falta a un Hotter para poder mostrarnos las posibilidades del texto y música.

Primer acercamiento a esta obra, y la primera que veo de un lote de DVDs que he conseguido gracias a un ofrecimiento que alguien hizo en el foro.

Me ha resultado muy interesante y la he disfrutado de menos a más. Al principio me dio la sensación de que, aunque la música es preciosa, me iba a resultar un tanto monótona, pero me enganchó con bastante facilidad y me ha terminado sorprendiendo, sobre todo en el tercer acto, lo moderna que llega a ser en algunos momentos.