En todo caso no sé qué tiene que ver esto con Mortier y sus amiguetes, todos gestores de la vanguardia rigurosamente subvencionada con dinero público, mientras que Beethoven y Debussy hicieron del riesgo artístico su forma de vida.

Brahms escribió teniendo en cuenta los gustos del público, sí. Las 21 Danzas húngaras.

Muy emocionante el texto de Warlikowski enlazado por Wanderer. Probablemente ese cambio del final de Alceste sea el homenaje más sentido y más bonito que le hayan hecho estos días a Gerard Mortier.

Se equivoca usted, estimado forero.

No hay más que escuchar cualquiera de los dos Conciertos para piano, de un virtuosismo muy del gusto de la época.

El público para el que está escrita la música de Brahms está formado por Heinrich Schütz, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann... y la eternidad, claro.

Cómo no, faltaría más, admirado Ulysses. Lo que yo quería decir es que 'vanguardia' es una etiqueta bastante desacreditada hoy. No afecta mucho al fondo de la cuestión porque Vd. la traía con un sentido general, pero el término en Historia de la Estética (si es que eso existe) tiene mala acogida hoy. Este artículo de Eduardo Subirats lo explica mucho mejor que yo: http://www.vitruvius.com.br/revistas/re ... /09.105/72

Y este párrafo del mismo artículo lo resume muy bien:

Los usos de esta palabra tienen una larga historia: desde la sorpresa que Baudelaire expresó en sus diarios por los poetas que usaban su camuflaje militar, hasta la homologación y neutralización académica del término en seminarios y congresos globales. Su concepto estético o artístico, en cambio, ha tenido una vida breve y leve. Picasso, a quien la museografía y la historia del arte han instaurado como uno de sus monumentales pioneros, rechazó este título con un gesto rotundo. Para artistas como Schoenberg o Kandinsky el concepto de vanguardia es un sinsentido. Klee subrayaba en sus diarios que la idea de progreso, de la que el concepto de vanguardia es subsidiario, no tiene razón de ser en la historia del arte. Si de las artes plásticas o la música pasamos a la literatura las cosas son todavía peores. ¿Kafka vanguardista? ¿Pessoa? ¿Fueron Guimarães Rosa o Juan Rulfo alguna vez avant-garde? ¿Qué clase de invención es entonces esta “vanguardia artística”?

El problema de estos debates es que casi todas las palabras están connotadas de una forma tan maniquea, que da casi reparo abrir la boca.
"Progreso" por ejemplo. Está prohibido utilizarla porque se entiende que "progreso" siempre es hacia algo "mejor", y claro, cómo vamos a decir que es mejor un Veronese que un pantocrátor románico, se nos comerían vivos.
Pero entre la armonía de El holandés errante y la armonía de Tristan... hay un cambio, no? Un "progreso", una "evolución", un "avance", una "complejización". Tendríamos que ser capaces de describir las cosas sin que a cada palabra que usamos nos chillaran diez desde la izquierda y diez desde la derecha que si esto y que si lo otro.
Que a Klee, a Schoenberg, a Kandinsky y a Picasso el concepto de vanguardia les resultara ajeno no obsta para que sea válido. La tarea de ellos es crear, no teorizar.
Y por cierto, todos los escritores citados por este segnor son vanguardia. Guimaraes Rosa al 100% (heredero declarado de mi amado Joyce), Rulfo en cuanto a técnica (en cuanto a tématica, deudor de las novelas "de la revolución", como "Los de abajo" de Azuela), Pessoa declaradamente (uno de sus heterónimos declaradamente futurista, por ejemplo) y Kafka... Kafka es todo, y por lo tanto también vanguardia.

Lo que yo decía es que la insistencia en lo novedoso, se ha usado arteramente para callar bocas de protesta. La cosa empieza más o menos con Dadá, y entra en apogeo con el Surrealismo (ambos 'movimientos' tienen cosas a salvar y cosas a olvidar). Esos últimos cuartetos del de Bonn y Tristan pertenecen a una época en que sus autores no hubieran empezado nunca a defender su obra por novedosa, aun siendo plenamente conscientes de ello y de su especial valor por lo mismo. Los dos se sentaron, creo yo, a hacer la mejor música que imaginaban y buscando eso llegaron a nuevos territorios. Debussy y Stravinsky tampoco creo que subrayaran primero que su obra era nueva, tampoco me parecen exploradores por afán explorador. Es a partir de esos años que empiezan a aparecer obras que se aceptan sin ningún valor sólo porque son nuevas. Y que aparece el concepto 'vanguardia' como justificante.

Lo innovador es ciertamente necesario para que una obra de arte lo sea. Pero antes debe ser bella, profunda, buena. Un poco de novedad es imprescindible, sí. Mucha -si se da todo lo anterior- es lo que hace de una obra de arte una obra maestra. Pero nada más mortecino que la novelty for novelty's sake.

Es un buen matiz, gracias.
Pensaré sobre esto.

Pues hay que abrirla, claro que sí! Más que maniqueísmo, se trata simplemente de una gran dificultad. El razonamiento estético -necesario para que la sensualidad estética sea máxima- es de nomenclatura variable (la Física no tiene ese problema), se dificulta mucho el intercambio rápido. Por eso, los tratados de estética suelen empezar con párrafos del tipo de 'Llamaremos X a esto, Y a aquello, etc'. Sólo quería destacar la paradoja de que el uso de 'vanguardia' es un poco, me parece a mí, anticuado. Prefiero innovador o novedoso. Si Vd. lo usa en ese sentido, nihil obstat.

Brahms era muy consciente de formar parte de la floreciente clase media del ámbito germánico, en particular el vienés; clase media que era no sólo su público en la sala de conciertos, sino en muchos casos conocedor e intérprete diletante en los salones románticos burgueses. Ahí están no sólo los Liebesliederwalzer, por seguir con el estilo popular que propone usted, sino la enorme cantidad de música de gran calidad compuesta para coros aficionados, por supuesto el hecho de que la mayor parte de su música de cámara se interpretara también en salones y la preocupación constante ampliamente documentada, por arreglar para piano hasta las piezas más complejas para facilitar su difusión.

No, señor Wanderer, Brahms componía grandísima música , pero la componía pensando no sólo en la eternidad, sino en el público de su tiempo, pues se consideraba parte de una República de las Artes (son sus palabras) no como mesías ni archidestructor de nada, sino como responsable de ser el portavoz y representante de su cultura (algo que motivó mucha envidia de Wagner). Por esta razón sabemos que hacia el final de su vida, viendo aproximarse la decadencia de esta cultura y la sociedad vienesa, Brahms temió por la vigencia de su música.

Con esto no quiero decir que se sometiera al gusto del público, al que por el contrario planteaba siempre dificultades pero sin despreciarlo. Por este equilibrio es seguramente el mayor músico nacido en el S.XIX.

Un dato más: Le recuerdo que tras la ambigua aceptación del Doble Concierto, simplemente dejó de componer para ese ámbito. Como Verdi, Brahms no desdeñaba el juicio de "su" público.

Si el debate es si Brahms vivía en una torre de cristal, estoy de acuerdo en que no es así. El divorcio entre los compositores y el público es un fenómeno que llega en el XX.

De acuerdo también en que Brahms se preocupaba por la difusión de su música, pero entiendo que no era el tema que se debatía.

En cuanto al Doble Concierto. También tras el fracaso del op. 15 hay un largo hiato hasta las siguientes composiciones con orquesta. El Doble Concierto viene a ser simplemente su Octava Sinfonía, si hubiera tenido más tiempo de vida no es improbable que hubiera acometido el desafío de la Novena.

Escribo esto con premura porque he de dejarles por ahora. Lo digo por si hay puestas más tonterías de lo habitual.

La cuestión 'público' es otro interesante tema muy delicado. Yo creo que en ningún gran creador, en el puro momento de creación, el público cuenta mucho. Luego, sí, más en unos y menos en otros. No creo que Brahms o Verdi dejaran de componer nada que vieran claro sólo porque no gustase al público de su época. Cuestión distinta es que lo usaran como guía de por aquí sí, por allá no. Es muy sutil.

En todo caso, yo me referí a que estaba de acuerdo con Mortier en que el público no debe regir la programación de los teatros, con dos matices. Me refiero al público en general, no a la opinión general de los amantes de la ópera. Creo que basta con ponerse a mirar el público de cualquier teatro para convenir que mejor que no sea la totalidad del público que acude a los teatros la que decida nada.

En cambio, sí debe tenerse en cuenta la opinión normalmente razonabilísima de esa cosa vaga que antes he llamado 'los amantes de la ópera', la opinión entendida de la época. Creo que es bastante uniforme. Nadie quiere temporadas con sólo Puccini, con sólo Händel o sólo Messiaen. Creo que todos tenemos un criterio de qué es el repertorio a exponer, que debe haber un equilibrio de dos o tres 'rarezas' y seis o siete 'consagradas', un criterio de cantantes, de directores de orquesta, ... Quizás la mayor discrepancia entre la opinión 'culta' generalizada esté en direcciones de escena de Autor o de Intérprete. Esa opinión generalizada un programador la debe tener en cuenta. Si a eso se llama 'público', ok. Yo prefiero llamar 'publico' a la totalidad de la gente que pasa por taquilla. De ahí mi matiz.

Johan Simons (junta a los demás) desde Ruhrtriennale tb. ha escrito algo muy bonito.

http://www.ruhrtriennale.de/de/aktuelle ... d-mortier/

Sacan ustedes un tema interesante ¿realmente algún compositor de éxito ha trabajado totalmente de espaldas al público?; lo cual nos lleva a otro tema ¿cual es el público al que debe satisfacer un compositor? ¿es el mismo público el de un, digamos, compositor de Corte, que el de un compositor de ópera para teatros del siglo XIX?