Madama Butterfly. Ópera en tres actos de Giacomo Puccini. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Coro de la A. A. del Teatro de la Maestranza. Dirección musical: Pedro Halffter. Dirección escénica: Mario Gas. Escenografía: Ezio Frigerio. Vestuario: Franca Squarciapino. Iluminación: Vinicio Cheli. Intérpretes (primer elenco): Svetla Vassileva (Madama Butterfly), Héctor Sandoval (Pinkerton), Ángel Odena (cónsul Sharpless), Marina Rodríguez Cusì (sirvienta Suzuki), Mikeldi Atxalandabaso (Goro), Fernando Radó (Tío bonzo), Fernando Latorre (príncipe Yamadori y comisario), Inmaculada Águila (Kate Pinkerton), David Lagares (Tío Yakuside), Francisco González (oficial del Registro), Rocío Botella (madre de Cio-Cio-San), Sandra Romero (tía de Cio-Cio-San), Ana Cadavel (prima de Cio-Cio-San), Iván Díaz (Dolore, niño). Producción del Teatro Real de Madrid. Lugar y fecha: Teatro de la Maestranza. Sevilla, 5 de junio de 2012. Aforo: Lleno.

Es la tercera vez que el Teatro de la Maestranza programa en sus veinte años de vida esta popular ópera de Puccini y en esta ocasión el aficionado puede asistir a la puesta en escena más elaborada de las tres. Mario Gas no inventa nada nuevo con el juego del rodaje de una película sobre la ópera que se va desarrollando, pero sí que sabe ensamblar ambos niveles narrativos mediante la disposición de pantallas en las que se va proyectando el montaje cinematográfico, con juego de planos, contraplanos y primeros planos. La iluminación detallista de ese mago de la luz teatral que es Vinicio Cheli sabe resaltar el espacio central del set en el que se representa Madama Butterfly. Por su parte cabe elogiar la escenografía de Frigerio, en la que sólo chirrían alguna vez los fondos a base de luminosos del segundo acto.

Ahora bien, lo que a priori parece un hábil juego metateatral se convierte en una trampa que establece una serie de barreras, una serie de filtros de distanciamiento entre el espectador y la historia que se narra y canta y que impiden algo tan importante en este título como la empatía. Todos sabemos, claro, que la historia no es real, que la soprano no muere y que el tenor no es tan odioso, pero la intensidad de las palabras, el extremismo afectivo de las situaciones y la capacidad emotiva de la música pueden y deben hacer que el espectador acabe por sentir en su interior el dolor de Cio-Cio-San hasta notar cómo saltan sus lágrimas. Pero esto no es posible cuando se interponen tantos niveles narrativos colaterales: las pantallas con su lenguaje visual, el personal de filmación, el back stage y el decorado claramente separado del resto del escenario nos repiten una y una otra vez que todo es ficción. Y así es difícil sentirse conmovidos.

Halffter firmó una de sus direcciones operísticas más perfiladas, detallistas y delicadas. Controló en todo momento las dinámicas para establecer el necesario equilibrio con las voces, a la vez que subrayó tanto los momentos de mayor intensidad como las frases más delicadas (el acompañamioento de la lectura de la carta, por ejemplo).

Vassileva anunció su llegada a escena con una voz tremolante y con una zona aguda muy insegura. Ganó firmeza en la emisión y convicción dramática ya en el segundo acto, pero siguió evidenciando una voz muy engolada, de dicción imposible, bajo nivel de proyección y con agudos calantes cuando eran atacados en piano. Sandoval padeció el mismo engolamiento y falta de brillo, además de un fraseo exagerado y demasiado enfático, con agudos muy estrangulados. En la primera escena era evidente que su voz no corría, a diferencia de la de Atxalandabaso, un ejemplo de emisión y control, todo un lujo para el papel y merecedor de volver con empeños más ambiciosos. Contundencia y profundidad no faltaron en la siempre seductora voz de Rodríguez Cusì, que tendía a comerse la de Vassileva y que sabía bajar a la zona grave sin cambiar el color. A pesar de su tendencia acusada a la oscilación, la voz de Ódena llenaba la sala de forma impactante, al igual que la de otro habitual del Maestranza como Latorre, siempre rotundo en el registro grave. Magnífica la orquesta en todas sus secciones y muy bien de empaste el coro.

Gracias mengibar, por tan detalla crónica. además de tener de nick el bello nombre de una localidad de mi Jaén, has llenado de detalles la crónica, sobre todo en cuanto a escenografía, luces, etc.

El próximo sábado DM, podré asistir a esta gran Buterfly, que deja el listón alto de la Maestranza. Poco pero bueno.
Por desgracia, a mi juicio, el Real este año 2.012, poco brillará por su programación, ní tan siquiera para el cierre de temporada que se debieran de haber tirado los cohetes..En fin, esperaremos ( e iremos ahorrando para ello )en cuanto al Real la próxima temporada prometedora.

no me llegan esas mismas referencias elogiosas sobre la batuta, querido Mengíbar. me apuntaban una dirección muy desigual, de momentos realmente bellos con otros de ritmos acelerados y desperdiciados.
a este ritmo, la Maestranza va a ser el teatro pucciniano de España. van a título por año: Turandot, Fanciulla, Boheme, Baterflai...

Veo que Mengibar ratifica lo que yo ya anticipé del tenor Sandoval en su reciente BALLO : engolamiento casi total y estrangulamiento del paso al agudo.

No es sólo el nick, es mi segundo apellido. De hecho me siento más vinculado a esa bella tierra que a mi Sevilla natal, porque mi padre era de Úbeda (y su segundo apellido era Siles)y mi madre es de Jódar, donde pasé los más bellos veranos de mi infancia y adolescencia. Yo también estaré el sábado, disfrutando del que creo que será mejor elenco (ya lo escribiré mañana, porque esta noche repito): cada vez creo que hay que ser italiana o cuanto menos latina para interpretar a las mujeres pucciniana.

http://www.elcorreoweb.es/sevilla/14764 ... echnicolor

Melodrama lírico en Cinemascope y Technicolor

Ópera de Giacomo Puccini. Teatro de la Maestranza, martes 5 de junio de 2012. Dirección musical: Pedro Halffter. Dirección escénica: Mario Gas. Intérpretes: Svetla Vassileva, Héctor Sandoval, Ángel ödena, Marina Rodríguez-Cusí, Mikeldi Atxalandabaso. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza.

No resulta descabellado que en su propuesta escénica del célebre melodrama de Puccini Mario Gas haya recreado el rodaje de una película en la década de los 30, cuando la música empezaba a asumir una posición destacada dentro de la estructura dramática de un film. Suele aceptarse unánimemente que en el origen de la música sinfónica cinematográfica está Wagner, pero poco se ha reparado en la ilustración melódica con la que Puccini adornaba sus excelentes partituras, germen sin duda de una constante en el cine sentimental y romántico.

La producción escénica de Gas podría haber resultado dispersa porque aglutina en escena soluciones teatrales, con bambalinas y personal de producción velando por el buen funcionamiento del conjunto, soluciones cinematográficas, con pantallas donde se proyecta lo que ruedan con grúas los técnicos también sobre el escenario (y alguna cámara más), y puramente operísticas, con un vestuario y escenografía clásicos y fieles al libreto. Pero sin en pantalla vemos una película en blanco y negro con técnicas y texturas de cine mudo, en escena una prodigiosa iluminación nos hace creer que estamos disfrutando de uno de esos grandes musicales de Minnelli en Cinemascope y Technicolor, con Franca Squarciapino convertida en Edith Head y Ezio Frigerio en Cedric Gibbons.

Sólo hubiera faltado que el sueño del intermezzo entre el segundo y el tercer acto se hubiera ilustrado con una coreografía de Agnes de Mille, aunque la excelsa dirección de Halffter y la escalofriante interpretación de la ROSS no necesitaban ningún otro añadido.

A Halffter se le da bien Puccini; ésta es la cuarta ópera suya que dirige en nuestro coliseo y ya no cabe duda de su destreza para recrear grandes pasiones románticas. Y, por otra parte, es la tercera vez que el drama de Cio Cio San asoma en el Maestranza. La segunda, en 2005, contaba con una soprano oriental, una práctica habitual contemporánea. Pero Butterfly es una mujer que canta con temperamento italiano sin por ello dejar de emular toda la coquetería y femineidad de una geisha, tal como logró hacer una espléndida Svetla Vassileva. Su voz, algo contaminada por el vibrato, goza sin embargo de excelente proyección, bellísimo timbre y sensacional modulación. Su Un bel dì no fue de antología pero sí muy solvente. Fue capaz de transmitir, en voz y acto, todo un abanico de agotadoras emociones, desde la inocente ilusión a la mortificación.

También Marina Rodríguez-Cusí cumplió ejemplarmente en voz y actuación, mientras Héctor Sandóval construyó un Pinkerton con el toque perfecto de truhán e insensible fanfarrón, con voz satisfactoriamente moldeada y timbrada, a pesar de algunos agudos tirantes. Ódena adornó su papel con nobleza y sobriedad, mientras Atxalandabaso encontró el punto bufonesco exacto en voz e interpretación. De haber conocido Puccini la Escolanía de los Palacios le hubiera dado unas líneas de canto al niño silente y a menudo inerte, aunque esta vez logró ser más emotivo. El coro triunfó allí donde en muchas ocasiones otros hacen el ridículo entre suspiros y mohínes.

Juan José Roldán

Y aquí una breve entrevista al tenor, Héctor Sandoval.

http://www.elcorreoweb.es/sevilla/14750 ... to/andaluz

Héctor Sandoval
"Para 'Doña Francisquita' tuve que coger acento andaluz"

-En su historial vemos que ha participado en títulos como La Traviata, Aida, La Bohème, Rigoletto. Es usted lo que se dice un auténtico tenor de repertorio operístico...

-Antes que otra cosa, soy un tenor lírico. Pero hoy en día el mercado y el gusto por las voces ya no es igual que antes. El cantante del siglo XXI tiene que adaptarse al mercado y asumir papeles muy diversos, la especialización no está bien vista. Y aunque debo confesar que me hubiera encantado permanecer en el repertorio lírico -fundamentalmente Rossini- también le diré que los papeles de óperas de Verdi y Puccini son los que más me han desarrollado.

-¿Abruma a un cantante la idea de competir con estrellas de la ópera como los que promocionan las discográficas?

-Créame que no. El desarrollo de cada artista es muy personal. Pero sí que es verdad que hay cantantes muy famosos que, al escucharles, no comprendo porqué están ahí, en lo más alto.

-Antes se ha definido como tenor lírico. ¿Cómo hace frente en tal caso al inmenso dramatismo que demanda una ópera como Madama Butterfly?

-No soy un especialista en Puccini pero, sinceramente, creo que puedo aportar cosas interesantes. Con mi voz de tenor lírico puedo hacer pianos y legatos que a otras voces dramáticas se les escapan. Puedo dar al personaje de Pinkerton colores muy originales, una visión personal y absolutamente novedosa. Confío en que el director musical, Pedro Halffter, y yo lleguemos a un buen acuerdo y nos entendamos para que todos demos lo mejor.

-Es usted mexicano, vive en Viena, pero tiene en su repertorio una zarzuela como Doña Francisquita. ¿No recelan de este género tan español en su país natal?

-En absoluto. En México es un género que gusta mucho y hay músicos especializados en hacer zarzuela. Mi debut en Viena fue precisamente con zarzuela._Hice Doña Francisquita en Washington y tuve que coger acento andaluz porque era una de las demandas del director de escena.

-¿Cómo va la química escénica entre usted y Madama Butterfly, la soprano búlgara Svetla Vassileva?

-La relación está siendo muy buena, ella y yo reaccionamos ante nuestros gestos y se está creando una complicidad fundamental para el éxito.

-La puesta en escena de Mario Gas para Butterfly es bastante tradicional pero usted ha trabajado en producciones muy radicales. ¿Cómo valora estos montajes?

-Muy positivamente. Creo que hay directores que buscan otras facetas y perfiles. Disfruto enormemente con estos retos. Hace muy poco hice el papel del Duca en Rigoletto en la Komische Oper de Berlín con una puesta en escena violenta y fascinante de Barry Kosky ambientada en un circo.

SEGUNDO REPARTO
Por si alguien no lo recordaba, lo que hace de la ópera un espectáculo aún vivo y capaz de seducir frente a la competencia de otras ofertas más tecnificadas y espectaculares es, precisamente, el milagro de la voz. El instrumento más impredecible, el más frágil, el más inseguro, pero el más seductor y el que más puede llegar al corazón. Y una voz como la de Amarilli Nizza ha sido capaz de darle la vuelta por completo al clima de esta producción. Nizza supo desde su primera frase, cantada fuera de escena pero perfectamente inteligible, llevar la credibilidad del personaje a su máximo exponente. Voz grande, de lírica ancha, con una zona grave majestuosa y un muy cuidado ascenso al agudo, sabe también dominar su torrente sonoro y atacar las notas en pianissimo con una seguridad y una nitidez ejemplares. La voz está siempre fuera, perfectamente proyectada. Pero lo mejor, con todo, fue su enorme emotividad a la hora de frasear, su sensibilidad en los acentos y su dramatismo final. Soberbia, como las grandes de antaño a cuya escuela nos retrotrae.

A pesar de una clara nasalidad en la zona de paso, Javier Palacios rindió con solvencia su papel, con emotividad y control, aunque al final del primer acto se contuvo a la hora de afrontar el agudo, una franja donde la voz suena sin cobertura. Manuela Custer, desde su lirismo característico y desde el velluto de su voz, dotó a Suzuki de humanidad, especialmente en el famoso Dúo de las flores. Por último, Luis Cansino firmó un Sharples algo enfático en el fraseo, con mayor soltura en el forte y con algo de abuso del portamento.

Rompo mi largo silencio, solo para ratificar lo dicho por el Sr. Mengíbar en el caso de la soprano Amarilli Nizza, a la que sin motivos siempre había prejuzgado y de la que pensaba que sería otra mas del montón que por ahí pululan.. Nada mas lejos de la realidad, y de ahí el querer exteriorizarlo. Creo que es una señora inteligentísima, a la que el vivo le sienta de maravilla. Que fraseo, que estilo, que filados, que agudos, que todo! Que interiorización del papel, vocalmente no se le puede encontrar un pero.
Como anécdota el público rompió en una ola de aplausos en cascada desde el paraíso barriendo todo el teatro con una ovación estrepitosa durante todo el trozo instrumental que sigue a "Trionfa el mio amor, il mio amor, la mia fe trionfa entera: ei torna e m'ama" de hecho las siguientes frases de Butterfly fueron inaudibles hasta que el teatro recobró la cordura. Momentos como estos son los que hacen que siga amando la opera y que me decida a comentarlo.
Luego por supuesto ese final "Tu? piccolo iddio" emocionantísimo, de altura, de cantante de las de antes, snif! Hacia tiempo que no lloraba.
Ya aprovecho para hacer una mención especial aparte para mi querida Manuela Custer, que con su profunda actuación realzó mas si cabe un pequeño papel como es el de Suzuki al que la mayoría de las cantantes no le prestan la atención debida. Brava! El teatro la premió también con una grandísima ovación.
En fin, una enorme alegría que haya cantantes que aunque su carrera se desarrolle sobre todo en provincias no les suponga una menor entrega y nos regalen todo lo que llevan dentro con toda su profesionalidad.
Como no creo que vuelva a retomar la costumbre de escribir, aunque les confieso que les sigo leyendo a todos con muchísimo interés, les saludo con todo mi cariño, siempre vuestra:

****Stella****

No, por favor, vuelva pronto, necesitamos opiniones apasionadas e inteligentes como la suya. Yo también lloré con Nizza, lo que no me pasó con Vassileva. Es que lo de ser búlgara impone mucho...

Lo que hizo esta señora no tiene precio, fué una noche mágica.Gracias Amarilli Nizza.

Volví anoche, ya sin las prisas de tener que salir corriendo para escribir la crítica en mi periódico, para volver a escuchar a Amarilli Nizza, con la conciencia de estar ante una grande entre las grandes que no sé cuándo podré volver a escucharla (quizá dentro de un año justo en el Liceo para tambièn la Butterfly). Si ya emociona su voz desde la primera frase fuera de escena, rematada en un agudo maravilloso, a lo largo de la representación te va cautivando por el timbre, por la anchura y profundidad de la voz, por su perfecta proyección y, ante todo, por la emotividad puesta en cada frase. El ataque al agudo en pianissimo cuando se lleva al niño a dormir ("ed io con mio dolor"), cantando desde las bambalinas, fue escalofriante. Pero ya la apoteosis fue el desbordamiento afectivo tras comprobar que la nave que ha entrado en puerto es la de Pinkerton. Ahí el entusiasmo del público (mucho más cálido que en las funciones de abonados) se desbordó y dejó muda a la orquesta en la introducción del dúo de las flores. Y ya al final, en el saludo primero en solitario, no recuerdo una "standing ovation" en el Maestranza como la que se le tributó. Media hora más tarde, en camerinos, aún estaba enjugándose las lágrimas. No sé a qué espera el Maestranza ofrecerle un Trittico, que sería estreno en la ciudad y que esta maravillosa soprano borda como nadie hoy día (hay DVD que lo atestigua).

Por cierto, pregunto ¿ sigue disgustando o decepcionando el tenor Sandoval ?( que a mi casi me espantó en Zurich como Gustav III o Riccardo de IL BALLO IN MASCHERA)

No he vuelto a escucharlo, ni ganas que me quedaron tras la primera noche. Javiert Palacios no es que sea un gran tenor, pero por lo menos es fino fraseando y no engola (eso sí mete el sonido en la nariz que da gusto).

Llevo un par de días dándole vueltas a una cuestión, y la voy a poner porque no lo puedo evitar. Me llama no poco la atención que de pronto una señora como Amarilli Nizza (que lleva ya tranquilamente 10 años en los circuítos internacionales, posee varias grabaciones y ha cantado varias veces antes en España -como mínimo Ballo in Maschera en Oviedo, y yo juraría que alguna otra cosa, quizás en el Liceu o en Bilbao, que ahora mismo no recuerdo- sin dejar grandes impresiones) sea redescubierta de manera unánime como una gran figura de la lírica actual gracias a estas funciones, como si hubiese salido de la nada. No lo discuto (no las he escuchado) y es una gran noticia, sin duda, pero me llama la atención... Igual que me llama la atención que haga un segundo reparto, cuando a mi modo de entender tiene bastante más nombre que la soprano que está en el primero.