Ignoro si dará para un hilo nuevo, pero para lo poco que ya intervengo, que no se diga.
Éxito total en el pequeño Teatro Colón que funcionó estupendamente para ofrecer una de las óperas más grandes del repertorio, bien que en versión de concierto. Supongo que la plantilla orquestal se ajustó al espacio disponible (los conocedores podrán confirmarlo)

http://www.teatrocolon.es/es/evento/don-carlo/

El protagonista fue el punto débil de la función. Es sabido que se trata de un papel muy ingrato y que no suscita tanta simpatía como Posa. Además, al faltar el Acto de Fontainebleau, queda desdibujado; incluso puede decirse que musicalmente la inspiración de Verdi no vuela tan alto como con Elisabetta y Felipe. Con todo esto en contra, sin embargo el principal problema de Pio Galasso fue su insuficiencia vocal, técnica y musical (consecuencia de las anteriores). Se trata de una voz que no tiene resueltos los registros y que en consecuencia ha de cantar preparándose para los pasajes donde la línea vocal se crispa. El resultado es que puso voluntad, pero el fraseo fue muy básico y forzó casi siempre. Sólo se notó un poco mejor en “Ma laggiù, ci rivedremo”.

A su lado, Meade debutó el papel con éxito. Aunque fue al única que llevaba la partitura y la que menos “acción escénica” incorporó, representa el caso contrario a Galasso: una intérprete con una voz adecuada y una preparación técnica de primera que por tanto puede cantar e hacer música. La voz es amplia, muestra una notable igualdad en centro y agudos, siempre da la sensación de libertad, de sonido brillante que se expande sin dificultades (desde mi asiento en tercera fila, era embriagador) incluso en los números de conjunto. Los descensos al grave están bien conseguidos y soldados al centro (por ejemplo, el comienzo de “Tu, che le vanità” pasó sin dificultades). La única duda la plantean algunos pianissimi un tanto despegados del resto de la voz. Como temperamento, tiene más afinidad por lo lírico (muy bien y conmovedora el aria “Non pianger”): en los pasajes dramáticos podría hablarse de propuesta genérica a la que falta mayor rodaje, pero se apreció que tiene claro el carácter “imperial” del personaje, de gran dama del pasado. Se comentó mucho el ataque el si bemol agudo con que concluyó la ópera, prolongado hasta el último acorde pero atacado con mucha prudencia en mezzoforte y sólo crecido hasta el ff en el último segundo, con cierto apuro. No termino de compartir el entusiasmo que suscitó.

Carlos Álvarez fue el más aplaudido de la noche, gracias a un canto muy ligado y siempre generoso y cordial. La voz es rara avis en nuestros tiempos, pastosa, oscura y sonora en todos los registros. En su contra, resulta mate y siempre anclada en el mismo color y textura cavernosa, lo que naturalmente hoy en día parece mucho más verdiano que la mayor parte de voces que cantan estos papeles. Tuvo un problema menor en el dúo con Felipe, pero concluyó en una potente escena de la muerte sin reservarse nada hasta entonces, a pesar de que al hombre se le veía sudar copiosamente desde el minuto uno (el único que parecía estar levantando pesas). Mucho mejor que en el Falstaff que le vi en Málaga hace 5 años.

El Felipe II de Furlanetto se beneficia de toda una vida cantando el papel, lo cual se apreció en la propiedad del acento, en particular la arrogancia de las escenas “públicas”. Furlanetto acentúa la diferencia con la cara privada del rey, que propone como un hombre angustiado, casi desesperado, pero sin caer en histrionismos, al menos no demasiados. La voz y el canto ya se sabe que están lastrados por una emisión durísima, ingrata por no decir otra cosa, pero que conserva la sonoridad plena en toda la gama a pesar de la edad. En su solo “Ella giammai m’amò” se vieron intenciones, pero la voz no se puede plegar al legato y las dinámicas suaves de la escritura y yo hablaría de anticlimax. Estuvo mejor en el dúo con el Inquisidor, en particular por la amargura de la primera sección (“Carlo mi colma il cor”). También en el dúo con Posa logró transmitir esa impresión de un hombre que trata asuntos personales que tienen una trascendencia mayor. La voz es la que es, pero hay oficio en el decir en cada situación.

En un nivel inferior, Elena Zhidkova, voz más bien de soprano corta que canta además toda la tesitura con una “posición” afalsetada, agradable y clara, pero sin metal en el agudo (además apurado) ni “grano” en los registros medio e inferior, aunque la igualdad está conseguida y es resultona. Un poco la típica mezzo actual que se convalida para todo. Sí se aprecia intención en el acento y clara dicción. Su resolución de las florituras de la Canción del Velo no fue brillante.

El resto del reparto se completó con un Inquisidor de voz ventrílocua en el grave pero más libre arriba, lo que hace pensar sobre su condición de bajo profundo (además, ver a todo un Inquisidor manoteando para expresar su disgusto en el dúo con Felipe no termina de parecer buena idea), un muy buen Monje (solemne pero con patetismo, sin querer parecer tremendo) y un Paje agradable y elegante que seguramente habría hecho mucha mejor Voz del Cielo que la escuchada, que sugirió de todo menos una transfiguración en paz de los herejes.

Kamal Khan llevó la narración con buen ritmo, sin caídas ni efectos fáciles. Hubo misterio, por ejemplo, en la introducción de los metales. Desde mi posición no se puede juzgar demasiado bien el equilibrio entre secciones y con las voces. En la escena de Felipe II faltó un poco de intensidad al solo de violonchelo. Desde luego transmitió sensación de concertación entre los protagonistas, de visión unificada del drama. La sección femenina del coro no empezó demasiado bien la escena del Auto de fé pero todo fue a mejor rápidamente. La situación del coro en los palcos laterales creó un efecto inolvidable. Si no me equivoco, se contó con más de seis voces para los diputados flamencos.

Sólo añadir que últimamente se han leído cosas sobre "Don Carlo" en el foro que me parecen increíbles. Es una música sobrehumana, por momentos creía que me iba a dar algo.

Hubo gente que le perdonaba la vida tiempo atrás a Carlos Álvarez. Me encanta ver su triunfo.
También estuve y suscribo (¡qué raro!) casi todo lo que afirma Gino. Al protagonista le tengo cierta simpatía y pena porque el resto de personajes se lucen siempre más que él.

Fíjense si La Coruña es importante en el mundo operístico, que no solo es donde van a consagrarse todos los grandes cantantes sino que hasta nos resucita a Gino.

Perdone Yllanes, pero hasta yo lo que yo sé Gino es inmortal...

¡Qué gozada de crónica! Un bálsamo, que esto últimamente alterna entre Jugones y Al rojo vivo...

Por cierto, me alegra que haya voces autorizadas que reconocen los méritos del otrora vilipendiado Furlanetto, un gran Filippo. Y la Meade es un lujo; me está tentando esta temporada darle otra oportunidad a Anna Bolena solo por ella.

En enero, Aida en el Liceo, rol vocal sumamente complicado

Bueno bueno, de su frase me quedo en la coma.

Me alegro de que D. Gino haya disfrutado y vaya asumiendo que como la ópera en vivo, no hay nada.
Ese Don Carlo tenía un reparto magnífico. Lamento no haber podido ir.

A Furlanetto le he visto el papel en el Covent y La Scala y, con todos sus defectos, realiza una gran creación dramática de Filippo, además de que se le oye como a casi ninguno.

Hay a quienes no les gustan las óperas en versión de concierto, por aquello de que se pierde la dimensión escénica (que no teatral, no confundir los términos) del espectáculo. A ello cabe responderle que en muchas ocasiones (más de las que quisiéramos hoy en día) las puestas en escena no sólo no aportan nada nuevo, sino que emborronan la función y sumen al público en la confusión. Pero es que, además, se puede vestir de teatralidad una ópera o un personaje sólo con la voz cuando tenemos ante nosotros a cantantes capaces de meterse en en la acción y de hacérnosla partícipe mediante el fraseo, el acento, la intención del canto. Por ello bienvenidas sena versiones de conciertos como la que aquí reseñamos, en las que se ha optado por ahorrar en vestuario, escenografía, registra y días de ensayo y en cambio apostar por un reparto de auténtico lujo formado por consumados “decidores” del canto verdiano. En ello, por añadidura, se están mostrando los Amigos de l Ópera de La Coruña como unos acertados programadores, porque en los años han logrado cerrar unas soberbias óperas en concierto, como es el caso de Guillermo Tell o Ermione. Recuerdo que esta última ópera (Meade, Spyres, Banks, Zedda) a punto estuvo de conseguir el premio a la mejor producción en la última edición de los Premios Campoamor y no lo logró por las reticencias de algunos de los miembros del jurado a premiar una versión de concierto, por más méritos musicales que le asistieran.
El único punto negro de la noche fue el imposible Carlo de Galasso. Voz de acentuado engolamiento y de emisión estrangulada que nos tuvo con el alma en un puño toda la noche temiendo la aparición del gallo. No fue así, pero su fraseo poco matizado, su tendencia a cantar siempre en forte, su afinación irregular y sus abusos del portamento arruinaron cada aparición suya. Sólo en la escena final pareció haber encontrado un punto de colocación de la voz más estable. En el otro extremo de la gama de excelencia canora, Carlos Álvarez fue el Rodrigo ideal, el soñado por cualquier teatro. Su fraseo lleno de nobleza, la calidez del color de su voz, su capacidad de matización y de actuar desde el canto se pusieron al servicio de toda una lección de canto verdiano. Fueron impresionantes su diálogo con Felipe II (impactante su grito “La pace dei sepolcri!”) y, sobre todo, su doble despedida de Carlo, desplegando una línea de canto conmovedora, desplegando toda una gama de claroscuros vocales. Con razón se llevó los más ruidosos aplausos y vítores. El otro espectáculo vocal de la noche fue el de Angela Meade, que puso su dominio belcantista al servicio de una Elisabetta delicada y atormentada pero sin exageraciones en el fraseo. Un fiato inmenso la habilitó para enlazar largas frases, modulando el sonido de manera magistral, como en la despedida de la condesa de Arenberg en la que asombró con el control de la emisión y la capacidad de atacar las notas superiores en piano y de sostener las frases son vacilación. Para el recuerdo quedará su mesa di voce sobre la palabra “Francia” al inicio de “Tu che le vanità”, la pasión contenida de todo esa escena y la pasmosa exhibición de fiato al sostener durante interminables segundo un Si bemol en la escena final.
A la Éboli de Zhidkova le pudo faltar un punto de maldad en los dos primeros actos y se encontró más identificada con la princesa arrepentida de “O don fatale”. La voz es bella y se proyecta con nitidez, aunque se denota un cambio de color al bajar al registro central, donde el sonido no se aprecia canónica mente cubierto. No se le entendió nada del texto, pero su fraseo atesoró muchos quilates. Los años no pasan por los grandes fraseadores del canto verdiano. Furlanetto acusa ya el paso de los años en su cortedad de fiato y en la pérdida de brillo en algunas franjas de la emisión. Pero en cambio da lecciones a quien quiera admitirlas de la manera de vestir con el fraseo al torturado personaje de Felipe II. No se lució tanto en su diálogo con Rodrigo (aquí Álvarez ganó por goleada), pero sí frente al Gran Inquisidor y, ante todo, en su maravilloso monólogo “Ella giammai m’amò”, donde el fraseo se tiñó de los ribetes más conmovedores imaginables. Faria aportó rotundidad y profundidad al Inquisidor, aunque le faltó un punto de contundencia y maldad en los acentos. Muy bien el resto del reparto con la bella voz timbrada de Lueiro y la redondez del sonido de Tejera.
A pesar de faltarle algo de “carne” por la cortedad de bajos y altos, el Coro Gaos cantó con empaste y con brillo. Kamal Khan imprimió a su dirección un notable brío y energía en los acentos, ricos en sforzandi, pero quizá se excedió en ello en algunos pasajes que hubieran requerido más atención a las necesidades de los cantantes, como en los concertantes finales del segundo y cuarto acto. Cuando la orquesta está sobre el escenario hay que ser consciente de la cantidad de sonido que sale de la misma y del riesgo de tapar a las voces. Con todo, las escenas más delicadas estuvieron magníficamente cinceladas, con la colaboración de una Sinfónica de Galicia de espléndidas prestaciones. Andrés Moreno Mengíbar

La reflexión inicial es antológica. Nada que añadir.

Efectivamente, sin el acto de Fontainebleau el personaje de Carlos queda bastante maltrecho y desdibujado. Además, me da la impresión de que Verdi, en su intención de hacer un personaje "a lo Meyerbeer", cae en una ambigüedad musical que no les propia, ya que el Infante presenta una dualidad de fracaso como amante y como héroe (bien distinta a la de Radamés, por ejemplo). Yo le encuentro (y esta es una visión muy subjetiva) con cierta tendencia a la histeria, demostrada en ambos casos: en el dúo con Elisabetta ("ah, maledetto io son!") y en el enfrentamiento con su padre en el auto de fe.

Quizás por eso era un papel que le quedaba de manera tan acabada en lo interpretativo a Aragall.

Cierto, aunque el buen Aragall lo bordaba vocalmente. Para mi gusto, uno de los mejores D. Carlo

Efectivamente estimado amigo.

Un papel que sobre la base de esa limitación protagónica, por ejemplo Franco Corelli en USA, pretendía compensarla metiendo a diestra y siniestra agudos no previstos, para el delirio de sus fans.

En revancha de ello, estuvo por ejemplo la mítica función en el Met, donde doña Montserrat Caballe concluye la ópera con un prolongadísimo agudo, para poner en su lugar al tenor.

Corelli debía de ser fenomenal en el terceto del jardín, pero el papel ponía de relieve sus problemas para hacer personajes.