Lo de Hans Hotter es esta grabación es oro puro. Muy difícil cantar mejor la parte del holandés, enseñando una insultante facilidad en todos los registros. El resto del reparto no está a la zaga, destacando el Haland de Georg Hann, al que apenas le tengo en mi discografía wagneriana. El único pero es Frau Krauss, Viorica Ursuleac, forzada, ajada y muy justita. En cualquier caso, una grabación imprescindible.

Señor MarttiT, cierto es que no estamos ante una obra maestra wagneriana, pero yo la encuentro sumamente interesante por un libreto muy bien trabajado, con un personaje fascinante, como es Cola di Rienzo. La música a mi modo de ver, momentos realmente conmovedores, pero sobre gustos, está el libro en blanco.


Aquí traigo un "Tristan und Isolde" para la polémica pero orquesta dirigida por Kleiber bien merece la pena.
Brigite Fassbaender y Kurt Moll son los mejores del grupo de solistas - afirmación ya clásica al referirse al elenco - pero ciertamente no creo que la crítica haya sido justa con la labor de Margaret Price como Isolde. Yo digo que tan mal no lo hizo cuando recibió ofertas para cantar Isolda en directo. Ofertas que creo que inteligentemente rechazó. Es un experimento tipo la Turandot de Sutherland que a mi modo de ver, funciona en el disco, haciendo una Isolda que vocalmente es una pura hermosura, con esa voz tan cálida como la suya.
Los menos buenos son DFD, aunque el hombre no canta mal, es más bien un "alter Freund" que dice en pastor. Nada que ver con su Kurwenal de la grabación con Furtwangler.
Kollo...uff. Me ha gustado su escena del acto III (la grabó solo poniendo su voz sobre la orquesta ya grabada con Kleiber) pero hay veces que me parecía que estaba forzando unos medios muy modestos para tan alto cometido (nada que ver como en su Tannhauser con Solti) ¿canta mal? no me voy a arriesgar responder, lo que sí digo que es el más flojo del equipo.

Una Tosca nada menos que en la lengua de Shakespeare, fruto de la prestigiosa Peter Moores Foundation y de su director titular. Desde luego, no podemos decir que mal cantada (para no pecar de rigurosos o chovinistas) por sus tres principales, entre los que destaca la protagonista de Jane Eaglen; pero David Parry es un poco lento y encima se nota que no se encuentra en su elemento...

Pues del sello Chandos mi estimado amigo, tiene un filón de esas grabaciones de óperas tradicionales i en inglés, para mi gusto la mayoría muy competentes y con repartos respetables, como ésta que reseña.

Algunas más recientes que otras, como el Otello de Charles Craig y La Traviata de Valerie Masterson, que son clásicas, frente a las otras de cantantes del final del siglo XX e inicios del presente.

Pues ahí Kollo está muy bien -dentro de lo que es él como cantante-. Grabó el papel en directo con Sawallisch en Munich en 1983, y ahí la voz ha perdido flexibilidad y esmalte, si bien todavía podía hacer cosas. Hollreiser era un honrado kapellmeister y esa versión orquestalmente puede resultar monocromática. Sawallisch, sin ser tampoco una batuta excepcional, resultó más fino, si bien la primera al ser en estudio presenta una presencia orquestal más impresionante. El reparto en conjunto es mejor con Hollreiser.

Es cierto que la grabación, de 1981, suena muy bien, pero no deja de ser un producto de la ingeniería sonora, y además ingeniería sonora fría y bien calculada -que el Anillo de Solti también tiene ingeniería sonora pero nos hace levantarnos del asiento-. Efectivamente Moll y Fassbaender son lo mejor. Kollo en 1981 podía con el papel, se había presentado aquél año con el rol en Bayreuth con Barenboim y lo grabó en 1983 en sesiones especiales de estudio, pero creo que todo el tinglado de la grabación de Kleiber le resultó un poco ajeno, máxime con una Isolda que había preparado el papel ex profeso para la grabación y que no volvió a él. El registro de Bayreuth se hizo en vídeo, con una producción que ya conocía y había cantado en directo, y con una Isolda que conocía el papel, Johanna Meier. Por lo que respecta a Fischer-Dieskau, a sus 56 años ya contaba con muchas manías y personalismos.

Como cuento en mi blog al analizar el Tristán de Kleiber en el Festival de Bayreuth de 1976, esa grabación de DG fue el último cartucho en el empeño del sello amarillo de registrar la obra con Kleiber, y que no fue fácil: se iba a grabar en el Festival de 1977, pero Kleiber no acudió al ver el clima enrarecido (el público abucheando el Anillo de Boulez y la orquesta idolatrándole no ya solo en su forma de dirigir sino por la forma en que planteaba los ensayos frente a las ideas de Boulez: Kleiber explicaba previamente lo que quería conseguir en cada pasaje, Boulez hacía una lectura de un acto completo y luego iba puliendo cosas, algo que a la orquesta no le motivaba mucho). DG contactó con Viena y se iniciaron negociaciones, pero el temperamento de Kleiber era peculiar y dejó tirados a los vieneses en otros compromisos, por lo que éstos dijeron que nada de grabar Tristán con él. Al final Dresde fue la última opción con una orquesta de primera fila y con Kleiber sin dirigir la obra desde 1978. Después no volvió a ella.

Una grabación de Munich, 1995, que pilla a René Kollo ya mayorcito y ello es evidente en bastantes momentos. Actoralmente sabe lo que tiene que hacer pero vocalmente está muy hipotecado. Nadine Secunde es demasiado fría y Jan-Hendrik Rootering está bastante lejos de las voces históricas (Talvela, Frick, Greindl, Salminen). En el lado positivo un Bernd Weikl liederístico y una Waltraud Meier que es puro fuego y erotismo. Zubin Mehta en su línea, muy bien, muy sonoro. La puesta en escena es de las de batiburrillo aunque no molesta aunque eso de vestir a cada uno de una familia me sorprende. Un DVD que de deja ver y escuchar.

Mira que soy de los que disfruta de las provocaciones de los directores de escena pero a esta propuesta de Hans Neuenfels no le encuentro el sentido por ningún lado. Este verano, en la colina, escuché a varios catalanes decir que esta versión de Lohengrin acabó atrapando al público y que la echaban de menos pero vista dos veces en DVD, no le encuentro intríngulis alguno.

Vocalmente tampoco me parece un monumento, ni siquiera de la época. Lo mejor lo firman Georg Zeppenfeld como el rey tarado de la versión y Petra Lang en una Ortrud más que aceptable. Lo de Klaus Florian Vogt ya sabemos de qué va: algunos pianos son hermosísimos pero ese timbre condiciona cualquier escucha de un supuesto personaje romántico heroico. Y Annete Dasch es una cantante pasable, sin más. El más flojo y con diferencia, Jukka Rasilainen, un Telramund de chichinabo.

La tengo comentada en el blog, pero sólo el audio. El vídeo no me interesa mucho. Lo único interesante es el manejo de las masas en el escenario, donde Neuenfels demuestra que es un buen director de escena. Lo del laboratorio y las ratas resulta demasiado rebuscado. No hace falta poner ratas para hablar de Lohengrin como utopía política. La temática laboratorio vuelve con el Anillo de Thielemann en Berlín, con puesta en escena de Tcherniakov, donde se le hacen experimentos a Alberich, no como rata, pero igualmente descontextualizado.

Zeppenfeld firmó un Rey Enrique a considerar. También Samuel Youn como Heraldo. Ambos homologables a los históricos. Petra Lang es una Ortrud competente y dramáticamente es la más impresionante de todo el elenco, con un retrato obsesivo del personaje. Rasilainen estaba mal en 2011. Nunca entendí la caída en picado de este cantante, que en 2005 firmó en Bayreuth un Holandés interesante, en 2006 fue un Wotan en el Chatelet de París más discutible (Wotan son palabras mayores) y en 2007 apareció de nuevo en Bayreuth como un notable Amfortas que nada hace presagiar su ramplón Telramund. Annette Dasch tiene una voz pequeña, pero su fraseo y su dicción resultan muy agradables. El sentido del texto que tiene es modélico.

En cuanto a Vogt, es curioso cómo con los años las criticas han pasado de la admiración absoluta (se presentó en 2005 con el rol en Madrid y fue un auténtico delirio) a la crítica. Vogt es lo que es. Un inclasificable. Que conste que en 2011 está espléndido en su estilo.

La dirección de Andris Nelsons es excepcional. La mejor dirección de la obra en medio siglo. Y uno de sus mejores trabajos a lo largo de toda su carrera. Tengo la sensación de que el Nelsons joven era más apabullante y rotundo que el actual. No sólo por este Lohengrin, sino también por si Tchaikovsky con Birminghan, por ejemplo. El sonido es excepcional. Opus Arte supo captar en sus grabaciones la acústica del Festspielhaus. Creo que DG después no ha conseguido el mismo nivel.

Una breve parada en el ciclo wagneriano para escuchar la peculiar voz de este tenor. En Otello, Pagliacci o Andrea Chenier está en su salsa; en Un ballo in maschera está más fuera de tiesto y prefiero otras opciones. En cualquier caso este cantante nunca te deja indiferente.

Todos los años intento ver al menos una versión de El Anillo del Nibelungo en DVD o en vídeo. Tras haberme elevado el año pasado con los míticos Anillos de Boulez y Barenboim en Bayreuth, este año he querido acercarme al Anillo filmado en Berlín en 2022, dirigido por Dmitri Tcherniakov en lo escénico y por Christian Thielemann, el gran maestro alemán de nuestros días, en la Staatsoper de Berlín. Esta producción debería de haberla dirigido Daniel Barenboim, con ocasión de su 80 cumpleaños, rival artístico de Thielemann y titular de la Staatsoper, de no haber sido por razones de salud, que en los últimos años aquejan al maestro argentino. Además, esta producción tendría que haberse visto en 2020, pero la pandemia lo impidió.

Dmitri Tcherniakov es uno de los más famosos directores de escena de hoy. Conocido por sus provocadoras y sesudas producciones, el director moscovita se ha acercado a varias óperas wagnerianas. Ya en 2015 y 2018 se atrevió con Parsifal y Tristán e Isolda en Berlín y con Barenboim en el foso, y desde 2021 dirige una interesante producción de El Holandés Errante en el Festival de Bayreuth. Sin embargo, El Anillo del Nibelungo es otra cosa. Y cosa seria, además.

Pues hay que decir que el reto a Tcherniakov le ha venido grande. Hay momentos maravillosos, pero otros de auténtico sopor. En su línea de ambientar las óperas en ambientes cerrados, Tcherniakov lleva la acción a unos laboratorios científicos donde se estudia el comportamiento humano. La acción es ese comportamiento que los dioses estudian a lo largo de las demas jornadas. Los laboratorios tienen el curioso nombre de E.S.C.H.E. cuyo acrónimo significa "fresno", en alemán; sabiéndose que este árbol es del cual Wotan extrajo su lanza a cambio de un ojo. Para recrear este ambiente, se ha dispuesto de una espectacular plataforma escénica de tres plantas, que además es giratoria. El problema de "encerrar" la obra en un laboratorio es que si bien gana en los momentos más íntimos, se hace aburrida en aquellos que transcurren en espacios amplios, tan bien descritos por la música, como es el caso de la primera y la tercera escenas de El Oro del Rin, o la Cabalgata de las Valquirias.

En su momento, PETA protestó porque en una de esas plantas está repleta de jaulas de conejos que están vivos. No les hacen nada, solo en algunas ocasiones los sacan y los vuelven a meter en sus jaulas. Pero fue suficiente para la protesta. La acción transcurre desde los años 70 en adelante, porque los personajes envejecen, incluidas las tres nornas, a las que se ve a lo largo de toda la obra. Lo que no me gusta nada son las risas histéricas en varios momentos tan sublimes como el despertar de Brunilda, que arruinan el momento. Aunque tal exageración de emociones también son marca de la casa con el director ruso.

El Oro del Rin es, que transcurre en los años 70, desgraciadamente, la que más tediosa ha salido. El grandioso preludio tiene lugar en una sala de proyecciones donde se muestra una animación de las funciones neurológicas del cerebro. Sin embargo, la primera escena transcurre en una sala donde se experimenta con Alberich, un trabajador de la empresa. En una exploración neurológica rayana a la tortura, Alberich alucina mientras las hijas del Rin toman nota y se ríen burlonamente, ante la apática mirada del personal directivo. La segunda escena transcurre entre la enorme sala de proyecciones y una sala de mármol granate, con retratos en oro de líderes históricos de la fábrica. En esta última transcurren las negociaciones con los gigantes por Freia, ante la tensa mirada de los asistentes de los Dioses. La tercera escena muestra a Alberich tiranizando a otros trabajadores como él. La última escena es una sala, con un enorme árbol en el centro, donde los dioses hacen demostraciones mágicas.

La Valquiria no es mucho mejor. En el preludio se ve un boletín informativo infomando que un peligroso reo, Siegmund, escapa del centro, dando a entender que también experimentan con criminales. Luego Wotan asiste, junto a las nornas, al primer acto, que transcurre en una casa. Sieglinde es una moderna ama de casa y Hunding un policía cuyo atuendo tiene guiños a la Volkspolizei de la RDA. Como guiño al libreto original, Siegmund retira una espada de la pared. En el segundo acto, Wotan y Fricka discuten en esa casa, mientras Hunding duerme. Al final del acto, Hunding no muere, sino que reportará a Fricka que Siegmund ha sido capturado. Cosa que ocurre, ya que éste tampoco muere, sino que es golpeado sin piedad por unos policías , y conducido a prisión. El tercer acto es la gran sala de proyecciones, en la que se proyectan los perfiles de los héroes como Sintolt der Hegeling, aquí también convertidos en criminales. Sin embargo, la escena final es un éxito. Asistimos a una verdadera confrontación entre un padre y una hija, que da paso a una tierna reconciliación, en plena fidelidad a las emociones que transmite el libreto. Tras una despedida emocionada que incluye abrazos, y también alguna estupidez como pintar las sillas con rotulador rojo para simular el fuego, Brunilda sale fuera del laboratorio, y este con Wotan despidiéndose desd dentro se aleja, dejando a su hija en el vacío absoluto.

Sigfrido tiene momentos buenos que se alternan con otros de sopor. En el preludio, asistimos a unas imágenes de un niño solitario, que destroza juguetes y con el que también se experimenta, a juzgar por sus expresiones de tensión. En el primer acto, se ve a Wotan ya anciano, presenciando la escena ya con muletas. En la misma casa que la jornada anterior, Sigfrido es un joven gamberro que viste con un mono azul, que en la escena de la fragua destroza todo a su alrededor con un martillo, a falta de la espada, ahora rota. En el segundo acto, la puesta en escena, como en jornadas anteriores, gira para mostrar unas pantallas donde se anuncia una experimentación que va por fases. Alberich y Wotan aparecen envejecidos, y su enfrentamiento tiene momentos cómicos como cuando Alberich canta la temible frase "Der welt walte dann ich" con las gafas de pasta mal colocadas. El pajarillo es una bella doctora latinoamericana que acciona un pajarito mecánico. En el tercer acto, Erda y Wotan aparecen envejecidos, en la otrora poderosa sala de juntas, ahora desierta. Sigfrido despierta a Brunilda en el laboratorio donde Alberich fue torturado en el Oro, ahora llamado "laboratorio del sueño".

El Ocaso de los Dioses se abre con Brunilda despertándose de la cama que comparte con Sigfrido. Recibe la visita de las tres nornas, ahora tres mujeres muy ancianas. Como muestra de la recogida del testigo de los dioses por los humanos, ahora el centro E.S.C.H.E. tiene una decoración moderna, con unos tonos grises que hoy en día se llevan, lo que indica que la obra ahora transcurre en nuestros días. Algo desconcertante es ver a aparecer a Sigfrido entrar cuando hablan de él, pero que se vuelve a esconder tras la puerta cuando tiene que responder a Hagen fuera de escena, como si no le hubieran visto todavía. En el acto segundo vuelve la famosa sala de proyecciones, donde Alberich aparece en paños menores y haciendo punto. Cuando Brunilda y Sigfrido se enfrentan, todos les enfocan y graban con sus smartphones. En el tercer acto, vuelven las enervantes hijas del Rin reconvertidas en científicas, que hablan con Sigfrido mientras éste descansa en una camilla. El siguiente cuadro es la gran sala donde antes estaba el fresno. Ahora en su lugar hay una canasta de baloncesto, en la que se ve que Hagen, Gunther y los Gibichungos han jugado a una partida. Tcherniakov en una entrevista dijo que de joven se fascinó con el Anillo de Chéreau y que lo vio muchas veces. Quizá el hecho de que Wotan, las hijas del Rin, Gunther, las Nornas y el personal de la empresa velen el cadáver de Sigfrido en el laboratorio, con expresión doliente, tal y como hicieron los obreros en el Anillo del francés, pero a telón bajado. Al final, Gunther no muere, y todos los personajes abandonan el escenario, quedando solo Brunilda y Wotan. Luego después de la Inmolación, Brunilda queda sola en el escenario, en un vacío total donde se proyectan frases descartadas por Wagner para este final, con Erda mostrándole el pajarillo que se le mostró a Sigfrido. Al final, cae el telón y la proyección del mapa del centro E.S.C.H.E desaparece. Sin ese centro de investigación-tortura, Brunilda queda sola, tiene una nueva oportunidad para vivir.


Christian Thielemann sustituyó de última hora a Barenboim, al frente de la Staatskapelle Berlin. Thielemann mantuvo un nivel oscilante. El Oro del Rin fue tan anodino e incluso tan aburrido como la dirección de escena. No noté esa majestuosidad wagneriana, esa consistencia que al mismo tiempo permite, por medio de sus tempi lentos, paladear la música. Mucho mejor fue en La Valquiria, donde sí se sintió la orquesta, donde en los preludios sí hubo intensidad, y donde el final fue tan mágico como su nombre. Sigfrido tuvo momentos inspirados con otros más anodinos. Lo mejor fue el segundo acto, con una memorable interpretación de los murmullos del bosque, o del interludio del tercer acto. En El Ocaso de los Dioses retomó el nivel, con una interpretación majestuosa, vibrante, con unos tempi lentos pero beneficiosos para una lectura tan trágica y solemne como la última ópera del ciclo. El Coro de la Ópera de Berlín cumple su cometido en el Ocaso, a nivel vocal como actoral.

El amplio elenco es liderado por Andreas Schager, hoy en día el heldentenor más importante del mundo. Su Sigfrido se caracteriza por su resistencia, su voz que llega poco fatigada al final, su timbre heroico que puede a veces pecar de monocorde, pero que puede llegar a sonar juvenil y vigoroso.

Anja Kampe interpreta a Brunilda. Kampe tiene una potente voz que a veces puede no sonar grata, especialmente en el agudo. Sin embargo parece estar comedida en este rol, con un interesante centro, pero con unos agudos que no duran o tienden al grito, y con un grave notable.

Michael Volle es un Wotan cuya voz tiene un bonito timbre, especialmente en el acto tres de La Valquiria, donde está espléndido, o en Sigfrido, pero parece no potenciarla para no quebrarse. Como si también fuera comedido.

Johannes Martin-Kränzle está mejor en Sigfrido y el Ocaso que en el Oro, siendo en estas óperas donde su canto parece acomodarse mejor al viejo y resentido nibelungo que en la juventud de éste en el prólogo, donde parece que le falta más volumen.

En cuanto a la pareja de welsungos, Robert Watson es un cumplidor Siegmund, mientras que Vida Miknevičiūtė es una Sieglinde maravillosa, tanto en lo vocal con una bella voz, como en lo actoral.

Mika Kares es un excelente bajo, aunque mejor como Fasolt y Hunding que como Hagen. Anna Kissjudit es una fabulosa Erda, especialmente en el Oro. Peter Rose es un notable Fafner, mejor en el Oro que en Sigfrido. Rolando Villazón, todo un lujo en este reparto, interpreta a un Loge en la tradición más caricaturesca, de tenor de carácter, donde sus tablas escénicas unidas a su ya muy madura voz, hacen una interesante y divertida creación. Siyabonga Maqungo es un Froh de voz lírica, muy bella. Annett Frisch es igualmente una bien cantada Freia. El veterano Stephan Rügamer es un Mime bien cantado, pero se echa de menos un poco de estridencia para el personaje. Claudia Mahnke es una Fricka que canta bien, pero se echa en falta un poco de cuerpo en la voz. Lauri Vasar es un mejor Donner que Gunther, aunque como ya le pasó en Madrid, esa voz ligera le viene bien a tan irrelevante y pusilánime personaje. Al menos se aprecia que físicamente es atractivo, lo que para este montaje es aún más conveniente: Gunther, guapo y tonto a la vez. Violeta Urmana es una imponente y espectacularmente cantada Waltraute, aunque vocalmente ya esté muy madura. Mandy Fredrich es una Gutrune muy buena, con una voz dulce y agradable. Victoria Randem es igualmente un buen Pajarillo del bosque, con una voz más gruesa que ligera. El resto de secundarios, valquirias, hijas del Rin y nornas son cumplidores. A destacar Anna Lapkovskaya como una notable Flosshilde y Anna Samuil como una muy aguda e interesante Tercera Norna.

No me cansaré de repetir que terminar de ver un Anillo es una aventura. En este caso empezó siendo una aventura aburrida hasta que le pude coger el tranquillo, sin llegar a ser una producción desulmbrante, en parte por los desatinos de Tcherniakov y el inesperado nivel de rutina de Thielemann con esta producción y esta orquesta. Pero sin duda hay que conocerlo porque es el único anillo del maestro alemán en vídeo.

¿Esta no es la del famoso grito de doña Renata tras lanzarse por las almenas?

En aquella época sería muy difícil reunir una pareja más adecuada para cantar esta ópera: Siegfried Jerusalem y, sobre todo, Waltraud Meier apenas tenían competencia. Además, Daniel Baremboin s un director magnífico de este título. El único punto gris es un soso Mathias Hölle, un Marke algo blandito.

La puesta en escena de Heiner Müller es poco homogénea. El acto II es el recinto lleno de estructuras que padecen bidones de gasolina, entre los que circulan los dos protagonistas sin llegar a tocarse casi. Sin embargo, me gusta el acto III, dominado por el gris de la tierra, en el que se mimetiza el personaje acompañado por su gabán color tierra hasta casi parecer un perfecto camuflaje.