Siguiendo con las últimas producciones del Festival de Bayreuth, le toca el turno a la última de Tristan und Isolde, que se estrenó en 2015 y que sigue en cartel; en el montaje de Katharina Wagner, bisnieta del compositor.

Tras el escándalo de sus Maestros Cantores, la señora Wagner realiza una producción de la gran ópera de su bisabuelo totalmente austera; con un ambiente de opresión y oscuridad de la que sus personajes son víctimas. Isolda está prometida a un esposo maltratador, del que se presume que tiene a su reino en un régimen de terror. Parece ser consciente de ese destino, con lo que toma mayor sentido la toma del filtro de la muerte. Los demás personajes no escapan tampoco a ese destino, ya que Tristan en el segundo acto inspira tanta compasión como su amada; algo que nos hace pensar en el terror que le aguardará a ella una vez que Tristan ya no esté. Marke ya no es ese venerable rey anciano dolido por la traición de su amigo, sino un sádico que se regodea con el sufrimiento de los demás personajes.

Nada más abrirse el telón se ve a lo largo del escenario un laberinto de escaleras. Al principio, los cantantes están sentados en diferentes puntos de la plataforma, con escasa iluminación. Luego esta aumentará para mostrar el laberinto en el que los personajes se moverán constantemente. El puente central se levanta y desciende según conviene a la acción. Los personajes no beben el filtro del amor, sino que lo derraman en sus manos. En el segundo acto se ve una jaula de rejas circulares, en posición primero horizontal y luego en vertical. Los esbirros de Marke arrojarán primero a Isolda y a Brangäne, para posteriormente hacerlo también con Tristan y Kurwenal. En lo alto del escenario Marke, Melot y su guardia enfocan todo el rato con la luz a los sufridos personajes, para su diversión. En la primera parte del dúo de amor, tras encontrarse, Isolda y Tristán consiguen escapar de la luz opresora y bajo una capa se refugian mientras colocan estrellitas. Posteriormente, cuando empieza la parte más conocida del dúo, llega uno de los momentos más bellos del montaje: los amantes se acercan al centro del escenario, y se proyectan unas imágenes de las sombras una pareja acercándose primero y alejándose después del ojo del espectador. Luego desaparecen las imágenes para mostrar una de las jaulas en la que los amantes entrarán y saldrán, para luego infligirse una herida con cuya sangre sellarán su amor. Después aparecerá Marke con su séquito y torturará a los personajes.

En el tercer acto, el escenario está casi desnudo, con el séquito escaso del protagonista sentado en coro, como si estuviesen en una vigilia por su señor ya agonizando. Tristán verá visiones de su amada a las que intenta acercarse, pero al tocarlas desaparecen, o en uno de los momentos más duros, la visión de Isolda sangrará por la cabeza. Este es otro de los momentos más destacados, ya que las apariciones tienen lugar en un aura triangular azul, y luego aparecerán dos más arriba, creando un espectáculo sombrío y aterrador. Finalmente llegará la verdadera Isolda para encontrar a su Tristán yaciendo en el suelo. Tras la terrible matanza, Isolda cantará el Liebestod sujetando la mano de su amado que yace ahora en una camilla. Tras terminar es separada bruscamente por Marke y arrastrada por éste hacia la oscuridad, como presagio de un futuro de maltratos, aunque a esta Isolda no parecerá importarle porque aunque su cuerpo esté presente, su mente ya está junto a Tristán. Mientas ella y su malvado esposo desaparecen, Brangäne se queda sola con el cadaver del héroe mientras cae el telón.

Christian Thielemann dirige la orquesta con la maestría habitual en él, excelente en los preludios y yendo a mejor a partir del segundo acto. El coro del festival dirigido por Eberhard Friedrich bordó su breve intervención.

Evelyn Herlitzius capitanea un sólido reparto, con una Isolda que si bien no tiene una plenitud vocal tiene un temperamento escénico impresionante. Aborda el personaje con estilo y autoridad que pone al servicio de su enorme voz, aunque el agudo a veces le pasa factura.

Stephen Gould le da réplica cantando un Tristán casi al mismo nivel, con una voz (que en 2015) aún no está desgastada, tiene un timbre de auténtico heldentenor y consigue salir airoso del tercer acto. Aunque en años recientes la voz parece ya aquejar un poco de desgaste, en el momento de esta grabación aún resiste cómodamente la desafiante partitura.

Christa Mayer es una excelente Brangäne, con un atractivo registro grave. En cambio Iain Paterson está un poco flojo como Kurwenal. Georg Zeppenfeld es otro de los atractivos del reparto, con un Marke que actoralmente borda el retrato psicopático que le atribuye Doña Katharina y a un buen nivel vocal.

En cuanto a los comprimarios, Raimund Nolte es una sorpresa en el breve papel de Melot: su interpretación refleja la vileza y el servilismo de su personaje, aunque su voz sea la de un bajo demasiado ligero pero definitivamente un cantante a seguir. Tansel Akzeybek hace doblete como el joven marinero del primer acto y como el pastor del tercer acto; siendo éste un mejor papel para su voz. Kay Stiefermann cumplió también en el rol del Timonel, además de tener una apariencia atractiva.

La producción ha sido un éxito a juzgar por los aplausos recibidos, gracias a un gran equipo musical. Aunque su trabajo genera división y al parecer no siempre acierta, esta vez Katharina Wagner ha realizado un trabajo muy apreciable con momentos de gran belleza.

Ópera de 1965, de accesible escucha y acompañada por un ciclo de camciones del mismo compositor, el hoy nonagenario Ned Rorem.

ay mis amores, quiero escuchar un par de versiones de MANON LESCAUT de puccini. leí que verdi la alabó como grande obra.

no tengo muy claro qué versiones son fieles al espíritu de la obra

A mí las que más me gustan son:
Tebaldi-Del Monaco. Mi pareja favorita. Muy fiel a Puccini. Menos a Prevost. Pero es que Puccini le hizo muy poco caso a Prevost.
Callas-Di Stefano. La pareja rival de la anterior.
Freni-Pavarotti. Otra pareja insuperable.

A mí, la de Bartoletti con Caballé, Domingo y Sardinero.

No deja de tener su interés esta ópera (1966) danesa basada en el conocido tema lorquiano. Obra de apenas hora y cuarto se escucha con interés.

A mi me gusta la de Tulio Serafin, pero es muy personal, creo que, a pesar de todo, Di Stefano tiene unos puntazos... Sobre todo al principio.

A parte de las nombradas por joseluis y hizan, también hay un famoso Manon de Sinopoli con Domingo y Freni.

La versión de Sinopoli es excesivamente analítica, psicológica, cuando sabemos que Puccini era directo en sus propuestas.

La versión dirigida por Ionel Perlea del año 1954, con Licia Albanese, Jussi Björling y Robert Merrill, también tiene sus cositas, como también la dirigida por Federico Del Cupolo del año 1953, con Clara Petrella, Vasco Campagnano y Saturno Meletti.

Hay dónde escoger.

Haciendo homenaje al desaparecido maestro Claudio Scimone, estoy con el grandioso Maometto II, con un reparto de lo mejorcito en esa época para grabaciones en estudio: Samuel Ramey, June Anderson, Margarita Zimmermann y Ernesto Palacio y la atenta dirección del fallecido.

A mo entender, Ramey y Palacio los mejores del reparto.

Totalmente de acuerdo. La señora Zimmermann era de esos caprichos propios de los directores y a la June siempre correcta en lo técnico, le faltaba enchufarse en lo dramático.

Estoy escuchando Tristán de Karajan -Vickers

Esas versiones de Manon que salieron a relucir por allí me despiertan el deseo de volver a Puccini.

Además de las versiones que se han citado, en cuanto a Manon Lescaut es ineludible buscar algunas de las grabaciones en vivo de Magda Olivero. En imagen tampoco deberían perderse la creación de la Scotto en el MET junto al Des Grieux de Domingo o el video de la RAI con la gran Clara Petrella, otra Manon de absoluta referencia.

A mí me gusta muchísimo la dirección de Sinopoli en el registro DG. Puccini era directo teatralmente, pero sus exuberantes, depuradísimas y esplendorosas orquestaciones se avienen a ese "desbroce" de la partitura, no reñido con la tensión, que realiza el romano, que ofrece algo distinto y con muchísimo interés como correspondía a un músico tan talentoso cuya prematura desaparición a los 54 años y con tantas cosas aún por decir, fue una tragedia.

Respecto a Maometto Secondo, me uno a los halagos hacia la grabación de Scimone y quiero romper una lanza en favor de June Anderson, porque le ví el papel de Anna Erisso en Bilbao y estuvo espléndida. Con los años fue ganando, dentro de lo que cabe, en expresividad y compromiso dramático. En lo vocal, sólo añadir que ya quisiéramos que las actuales Peretiatkos, Damraus, Yendes, Gimadievas y demás .... tuvieran el 30% de técnica que esta señora.

Voy últimamente de nostalgia. Mi primera grabación, antes de conocer las de Callas; la DECCA saca esta en 1967 con la greco-argentina en su breve apogeo vocal, que fuera tan sensacional como cruel por las carencias técnicas y el exceso al que sometió sus medios. Espléndida la dirección de Varviso, que se atiene a la más pura tradición belcantista. De Monaco, ya con 52 años, sigue siendo un exponente del aguerrido romano; el metal está casi intacto, aunque su legato se resienta. Cossotto haría de la novicia una de sus protagonistas más conspicuas y aquí nos da una muestra tan notable como en subsiguientes grabaciones. Cava cumple en su soso papel.