Reescucha adulta, pausada y con partitura (qué maravilla esto de las Tablet, aunque uno piensa en los dispendios juveniles en partituras y comprende que ahora mismo Giulio Ricordi se parte el ojete de mí en su tumba) de una obra a la que nunca tuve excesivo cariño, pero que, tomada en serio, tiene muchísimo que ofrecer.

En primer lugar, porque aún funciona muy bien la idea del descreído que se entrega al diablo en busca de algo por lo que merezca la pena haber vivido, y que (tras abusar de Margarita hasta quebrar su propia humanidad, y tras zumbarse hasta a Helena de Troya) en su último momento comprende que lo único que de verdad lo vale es desear el bien al prójimo, y muere en Cristo. Fausto, en ese sentido, me parece un personaje cuya modernidad no resulta inferior a la de la poderosa figura de Mefistófeles.

En cuyo retrato musical, sin embargo, está la cara y la cruz de esta ópera. La obra no se llama Fausto, como la de Goethe (o la de Gounod) y ello es significativo, porque Boito fía toda su obra a la construcción de un diablo torvo, carismático, sardónico, cáustico, oscuro y magnético, y en mi opinión, ello solo se logra relativamente (y lo alcanza más el texto que la música). El impacto de momentos como Ave, Signor, Son lo spirito che nega o Ecco il mondo es innegable, pero toda esa música apuntando al efecto más que al canto, pensada para el impacto de los abruptos intervalos y los esquivos cromatismos, hace que la sostenibilidad de la obra dependa en exclusiva del talento del bajo y su capacidad para mantener la tensión y no trivializarla, asustando sobre el sentido de la muerte y el poder sobre el mundo y sobre los hombres sin caer en grandilocuencias superficiales (personalmente, opino que la música más inquietante asociada a Mefistófeles es la visión del fraile oscuro, donde él no canta).

Más allá de eso, tenemos música que quizá globalmente sea irregular, de acuerdo, pero mucha de la cual está espléndidamente escrita. El Prólogo y el Epílogo som excepcionales (y qué extenuante demanda del coro), el acto I tiene un peculiar equilibrio musical, y el acto IV (sin duda, el peor) es, con todo, útil para el equilibrio dramático de la obra, además de breve. Pero en particular, todo lo que canta Margarita me parece magnífico. Tengo una afinidad muy especial con "Lontano, lontano, lontano" y me da algo de pena que la excepcional calidad de la nenia (donde está todo: el crimen, la locura y la piedad) haya eclipsado en fama al Spunta l'aurora pallida, a mi modo de ver el mayor momento de teatro musical de la ópera. En suma, una obra muy propensa a que se destaquen sus defectos, pero que, oída con calma, sigue emocionando.

En cuanto a la versión, es advertible el cariño y esmero de De Fabritiis por la obra, al mando de unos medios musicales de lujo inusitado. Ghiaurov está demasiado mayor y su encarnación tampoco es muy profunda, pero de alguna forma, "es" Ghiaurov y no podía haber sido otro. Mucho mejor Mirella Freni (lejos de la punzante verdad de un Callas, pero avasalladora en su sanísimo lirismo) que Montserrat Caballé, delicada en los melismas del dúo con la mezzo, pero perdida en el Notte cupa, truce y con el agudo endurecido en el concertante de su seducción.

De modo que lo verdaderamente revelador de este disco es el excepcional Fausto de Luciano Pavarotti. No en todo, entiéndase: el cuarteto del jardín es demasiado difícil si no se tiene una absoluta, casi obsesiva precisión en la medida, y el tenor modenés claramente no la tenía, por lo que terlina cantando al tiempo de Freni cuando deberían alternarse las partes, y la (notoria) postproducción no consigue arreglar el desaguisado (uno tiembla al pensar lo que tuvieron que ser las sesiones de grabación del pasaje). Pero en la lozanía vocal, sentido inmediato del melodismo (con las posibilidades que un papel como Fausto ofrece en ese sentido) y retrato musical de las ansias vitales del personaje que busca saciarse que en su momento no tuvo, Pavarotti ofrece uno de sus retratos más completos y convincentes.

Que yo recuerde, hay por ahí una 4ª de Schumann que DGG publicó junto con el concierto para piano no.3 de Bartok (con Géza Anda de solista), ambos "lives" de Salzburgo.

Hay también una 10ª de Shostakovich, también de Salzburgo en el 76. según se, el quería trabajar mas con la orquesta, pero por cuestiones políticas de entonces no fue posible. Ídem con la Filarmónica de Leningrado: a Mravinsky lo tenia en alta estima, pero si con la orquesta de Dresde no pudo, con esa iba a estar mas cañón todavía.

Yo tenía entendido que fue al revés: Karajan tenía el empeño de grabar con la orquesta pero le impusieron a Adam y Schreier en el reparto.

Esa grabación tiene un agujero negro que es el árido dúo entre Sachs y beckmesser. Si ya es durito, con esos dos me resultó insufrible.

Ya se lo llevaba diciendo años, oiga.

Mi primer Mefistofele, lo tenía en vinilo. Me encanta. Pavarotti glorioso.

Meistersinger es una ópera llena de bellezas, pero su desaforada, desmesurada y exagerada duración tienen como consecuencia que me acerque a ella en sus justas dosis, tanto en vivo (en el último acto ya no sé como colocarme en la butaca... me duele todo) como en grabación. Por tanto, de Karajan tengo el registro de 1951, del otro he leído, he visto las fotos en la Lukas kirche, pero, a pesar de mi adorada Staatskapelle Dresden, nunca lo he escuchado. Sólo la obertura (fabulosa). El reparto me echa para atrás.

Totalmente de acuerdo con vd.

El primero y el segundo (con ese final en crescendo a modo de fuga) son deluciosos. Lo malo es el tercero, donde creo que sobra música. Se hace pesado, no tanto pir la duracion, sino por las redundancias, reiteraciones.

En una opera conversacional con demasiado dialogo prescindible, que alarga, alarga la acción ...prefiero a Benvenuto Cellini. ¿Se puede apreciar influencias del Cellini en Maestros?

Habrá que comprobarlo. Son 30 años de diferencia en las composiciones de Berlioz y de Wagner. Y Wagner muy probablemente de su época de París, viera representada dicha Ópera.

La escena que arranca con el dúo entre Eva y Sachs y se cierra con el quinteto está entre lo mejor de Maestros. El tercer acto no se hace largo porque sea inferior, sino porque va después de los dos primeros

Entre las dos versiones de Karajan, me quedaría con la del 51, pero el reparto de Dresde funciona mejor de lo que me temía a priori. También es verdad que si la cuota de don Heriberto fueron Evans y Donath, se volvió a cubrir de gloria.

Puede que tenga razón, pero las largas parrafadas de Wotan en La Walkiria; la intervencion de Siegfried narrando su aventura con el pájaro del bosque en el acto III del Ocaso; la mayoria del acto III de Parsifal (perfectamente podria haberse resumido) o el acto III de los Maestros - con la repeticion de la cancion del premio enterita - me resultan pesadas.
Puede que sea cosa mía, pero es algo recurrente....y lo dice uno que a Wagner -y Berlioz- lo considera como uno de los más geniales, sino el que más, de los compositores de ópera del XIX.La estela wagnermania llegó hasta Le Roncole. Eso ya dice mucho.

Donath fue apuesta personal, sí.

Otra opereta de Franz Léhar de 1929, con tono triste y que Elisabeth Schwarzkopf y Nicolai Gedda elevan hasta lo sublime.

Perdonen mi irrupción, pero en época de jilguerillos, donde si alguna destaca es por cotorra, yo estoy disfrutando aquella Sonnambula con Sutherland, Pavarotti, y Ghiaurov, dirigidos por quien mejor entendió a la australiana, y no puedo evitar compartirles esto:

https://open.spotify.com/track/1QMJ7Jm5 ... apSzbIIC0Q

Ha sido la más grande en lo suyo. Y lo suyo era el Bel Canto. Todo el Bel Canto. Pero escuchen y vean que reparto acompañó aquí a la australiana. Boquiabierto me hallo. Jamás había oído hablar de la Isobel esta. Buchanan de apellido. Caray...

Por cierto, que Sutherland, Ghiaurov y Pavarotti la acompañan de forma sobresaliente.



¡Que bonita es la ópera en la mesa camilla!

No seré yo quien le lleve la contraria, pero si disfruta de esta ópera le recomiendo una grabación de 1952 grabada por CETRA de una retransmisión de la RAI de Turín bajo la batuta de Franco Capuana y que fue mi primer encuentro con la obra de Bellini; Lina Pagliughi, Ferruccio Tagliavini y Cesare Siepi. Es una forma distinta y más tradicional de concebir la partitura y los cantantes que la de Bonynge, pero los tres principales mencionados están que se salen y regalan interpretaciones que a mí aún me siguen subyugando.

Aunque el maestro Tagliavini pasaba de puntillas con la partitura de Elvino y algunos pasajes les debía colocar una raya para soslayarlos.

Por lo demás, lo azucarado era lo suyo.

Bueno, en 1952 Tagliavini estaba todavía en plena forma y no se había metido en camisas de once varas en cuanto a repertorio. También decir que la grabación procede de una representación en directo y con público, lo que no es equiparable a una de estudio. Y, por último, no todos los tenores, por muy líricos o di grazia que sean tienen a su alcance la posibilidad del sobreagudo. Si le parece "azucarado", supongo que pensará lo mismo de Schipa o Valletti, pero le aseguro que voces como esas se echan muchísimo en falta.