Si es que tenía razón mi profesor de filosofía, todo se resume en la caverna platónica...

Bueno, por mi parte fin del diálogo por hoy, que ya casi es medianoche y, con todas las bromas, ya he llegado a los 5000 mensajes con los de este hilo...

ves ? no sé cómo lo pensó vivaldi, pero prefiero la belleza vocal de caballé a los amaneramientos de bartoli...... de LEJOS.






tranquilo, que te sigo llevando delantera

Señor almaviva! Si no las supera deberia buscarse otro trabajo! porque sus limitaciones técnicas limitan el resto de la producción, y sobretodo no permiten al director construir su idea de al obra.

Al igual que si a un regie le ponen a pavarotti que no se puede mover en al escena... Es uan carencia!

Un cantante que no puede cantar lo que hay en la partitura, no estaría preparado hoy en día para presentarse en un teatro a buscar empleo. Antiguamente sí, habían incluso cantantes que no sabían lo que eera un pentagrama. Hoy en día no es asi! Un director quiere a un cantante capaz de hacer lo escrito y que el que sea carente técnicamente no límite su concepto de la obra.

Como puse por ejemplo! Si un director quiere dirigir un concierto de rachmaminoff de piano, y el pianista no puede ahcer el tempo del autor, no se discute, o lo hace, o le echan y buscan a otro. Por mi experiencia profesional, un artísta debe priomero demostrar a su capo, "el director" que es capaz de ahcer lo que el director desea, una vez demostrado eso, empieza el dialogo y el intercambio de ideas. SI no se llega a ese punto, sencillamente se busca a un nuevo intérprete, y se hecha al no preparado. Eso cada vez es más común, sobre todo en teatros de primer Órden.

El mamoncito

Bueno, hombre, tranquilo...también puede no superar los escollos de una partitura y sí los de otra, ¿no?

Saludos.



Creo que el debate planteado originalmente no habla de las carencias de ciertos cantantes, si no de diferentes interpretaciones artísticas que se pueden hacer de una determinada partitura. Por que estamos hablando de artistas, ¿no?... O de artesanos, o de funcionarios.

El sujeto A tiene una información que quiere trasmitir a los sujetos X,Y,Z.... En literatura le basta con escribir y ser leído *. En la ópera en cambio se tiene que servirse de una serie de sujetos B, C, se supone que ARTISTAS, para que interpreten su mensaje, lo traduzcan y lo pongan ha disposición de X, Y, Z. Naturalmente que tiene que haber variaciones, versiones, y demás zarandajas, es que si no las hubiera nos ahorraríamos más del 80% de los hilos de este foro,¿ para que discutir si este, B, es mejor que aquel, C ? solo habría cantantes válido y cantantes no válidos, directores válido y directores no válidos, escenográfos válidos ….

@lm@viv@. A la cuestión que me planteas más arriba, no tengo la respuesta. Quizás los dos planteamientos sean validos, según y como.

* Siendo estricto, en el idioma original

Yo estoy con "el fantasma". Los cantantes, los bailarines, los actores son intérpretes y eso supone que hacen de medio para transmitirnos un mensaje que se inventó el señor compositor / coréagrafo / dramaturgo...

El encanto del arte está precisamente en que ese intérprete puede aportar más riqueza al mensaje inicial: léase vivencias personales, sensibilidad, capacidad actorial, acervo cultural, presencia física y, desde luego, calidad vocal. Además, es bueno recordar que este arte que tanto nos apasiona es esencialmente efímero. A diferencia de un cuadro o una novela, las artes escénicas renacen y mueren en cada representación, con lo cual es sumamente difícil, si no imposible, que se respeten siempre a rajatabla las indicaciones del autor original (si es que se conocen, o se entienden del mismo modo que cuando se concibieron). Por otra parte, sería bastante aburrido estar escuchando la misma ópera desde el s. XVII, por ejemplo, no?

Indudablemente, como se ha dicho anteriormente, el interpréte ideal es aquel que tiene la voz, la técnica y las tablas para transmitir al máximo la idea del autor. Pero a partir de ahí ha de poder hacer una aportación personal (no me refiero a cantar lo que le dé la gana) sin traicionar el original.

Por otro lado, recordad que muchos de nuestros admiradísimos cantantes, a los que se les llena la boca del respeto al compositor y dicen que la partitura lo es todo, etc, etc en ocasiones se olvidan de esas bonitas palabras en el "fragor de la batalla" y sueltan sus buenos calderones y sus sobreagudos para quedar como señores y salir en todas las crónicas (para nuestro regocijo). Sin ir más lejos, acordaos de Callas y su agudo final en el acto II de Aida en México, o de Caballé haciendo algo similar en unas Vespri Siciliani en el Liceo (con el consiguiente cabreo de Domingo).

En la ópera el peso de la tradición también es muy importante y cuando se oyen algunas versiones críticas, respetuosas con la partitura original, la verdad es que decepcionan bastante. A mi, por lo menos, me sucedió al oir la grabación de Lucia de Caballé dirigida por López Cobos o al oir alguna versión dirigida por el estricto Muti.

Bueno no os aburro más, que para eso ya está Wagner! (noooooo, que es broooooma! lo digo por pincharos )

A ver, hay algo que no me cuadra. En el hilo de Don Carlos has realizado una muy inteligente y bien argumentada defensa de la labor del director escénico en esa obra en Barcelona. Allí has manifestado que aplaudes a esos directores que reinterpretan el libreto, que hacen que cada representación sea una obra diferente, que logran mantener la atención del público. Entonces ¿ qué ocurre? ¿ el libreto se puede tocar pero la partitura es la Biblia ? ¿ no estarás diciendo eso porque eres músico y no dramaturgo? ¿ no estás minusvalorando la parte teatral de la ópera frente a la musical? ¿ nadie puede mejorar a Mozart pero sí a Da Ponte ? .
Que conste que yo me siento más cercano al mamoncito del hilo de Don Carlos que al de éste.

No sé si este comentario tendría que ir aquí o en el Don Carlo.

Creo que el planteamiento teórico de Mamoncito es totalmente coherente y yo lo suscribo al 100%. Por cierto mamoncito aunque yo creo que esa producción del Don Carlo del Liceu que no he visto no me iba a gustar, aplaudo y comparto contigo esa defensa que has hecho en el hilo del Don Carlo desde el punto de vista “filosófico”, y que me parece tan excelente como la prodigiosa carta de Mario del Mónaco y demás aportaciones de foreros en contra de esa producción.

Yo abogo por el respeto a la partitura al máximo en casi todas las ocasiones, quizás no tan escrupuloso como mamoncito porque sí creo que algunas tradiciones son efectivas o porque en algún repertorio creo que la partitura está más abierta.

En cambio, sí creo que es beneficioso para la ópera algunas innovaciones en planteamientos escénicos. Por supuesto que hay casos que son inaceptables por ser meros insultos chabacanos al espectador como el Don Carlos de Bieito.

Pienso en este planteamiento por una cuestión sencilla y básica. Lo visual sufre un desgaste en la repetición mucho más evidente que lo auditivo. Un aria por un mismo intérprete que me maraville la puedo escuchar 100 veces y me sigue gustando. La misma producción verla varias veces me cansa.

Yo mismo cuando repito en el Real me doy cuenta de esta circunstancia. Si la producción ha sido pasable en lo escénico y excelente en lo musical puedo verla varias veces sin fatiga. Si me ha gustado mucho porque es la producción lo que ha sido excelente, en la repetición salgo muy cansado.

Wagner por ejemplo dejó muchas indicaciones de escenografía y de dirección escénica para el Parsifal. Pero si hubiese vivido 200 años no podría continuar con la misma escenografía, sería absurdo, el mismo la hubiese cambiado en muchas ocasiones y la partitura continuaría inalterable.

Un ejemplo moderno y muy intransigente con los cambios de escena es Lloyd Webber. Permitirme que me salga de lo estrictamente operístico. Este compositor exige que sus producciones sean siempre las mismas y no admite cambios. Sin embargo para Jesucristo Superstar ha tenido que encargar una nueva producción porque ya no se podía mantener la antigua. Estos musicales están pensados para que la gente los vea en alguna ocasión, pero no es como otras óperas que en pocos años de aficionado ya las ves más de 10 veces. El fantasma de la ópera la he visto varias veces en Londres y Madrid y la segunda vez de Madrid me agotó mucho la escenografía que en un principio me había gustado mucho.

Lo que más me gustó del planteamiento de Mamoncito es que es precisamente esa posibilidad de ver innovaciones escénicas lo que nos da la posibilidad de disfrutar más lo tradicional.

Lo que sí pienso es que no puede ser que de 20 producciones, 18 sean innovadoras, lo coherente sería un mayor equilibrio. Incluso este equilibrio entre tradición e innovación se puede buscar en una misma producción. Un excelente ejemplo es la nueva apuesta escénica de la Fille del Covent Garden que se convertirá en un referente, un primoroso ejercicio de lo que puede ser la dirección escénica en el siglo XXI.