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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 10 Jun 2019 15:54 
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Despue de ocho dias imposibles por el trabajo he podido tener un par de horas para descubrir esta ópera del muy interesante Gottfried von Einem y cuyo titulo puede traducirse por La visita de la vieja dama. Habrá que darle alguna vuelta más pero la obra parece intereante. Eso sí, el reparto,desde la Ópera de Viena es deslumbrante: Christa Ludwig, Hans Beirer, Hans Hotter, Kurt Equiluz y los más conocidos secundarios de la casa. Por cierto, entre los papeles pequeños figura Ana Higueras-Aragón. ¿Fue componente de la Ópera de Viena? Yo le conocía de las grabaciones de zarzuela.


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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 10 Jun 2019 16:50 
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La obra de teatro en la que está basada es de Friedrich Dürrenmatt; me pareció fascinante (la obra teatral) en su día.

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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 11 Jun 2019 13:27 
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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 11 Jun 2019 21:36 
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Finalizamos nuestra andadura por el Anillo de Frank Castorf en Bayreuth con El Ocaso de los Dioses.

En el Oro y la Walkiria estuvimos en las dos superpotencias rivales, Estados Unidos y la Unión Soviética, respectivamente. En las dos jornadas restantes, vamos a la ciudad botín que ambas se repartieron Berlín. Tras ir al Este en la jornada anterior, en el Ocaso estamos en el Berlín Occidental ocupado por las tres potencias occidentales. Estamos, sin duda, ante la visualmente más espectacular de las cuatro óperas, con la impresionante plataforma escénica recreando hasta cuatro grandes decorados. El Berlín retratado en este ocaso está a caballo entre la época de juventud de Castorf ,con bolsas de pobreza y la ocupación, donde la inmigración empezaba a abrirse paso, y finalmente la globalización. Seguimos, sin embargo, en una lucha por el poder en un mundo de criminales zafios y de poca monta ¿se trataría de una alusión a los rivales geo y sociopolíticos de siempre que pugnan por el poder, siempre primarios bajo una capa de lujo y opulencia? Con estas sugerencias, el director de escena busca la perpetua meditación del espectador.

En el prólogo vemos un alto edificio, con la entrada al mismo totalmente descuidada, con carteles publicitarios de los años 70. Las Nornas entran cubiertas de plástico, debajo de los cuales tienen estrafalarios vestidos de fiesta, preparándose para un rito de santería. La roca de las Walkirias es ahora un panel enorme tapado, que servirá de pantalla mientras que la ya clásica furgoneta donde todos viven sigue presente. La primera escena del primer acto, el palacio de los Gibichung, es una especie de patio trasero de unos edificios pobres y ruinosos, donde se alzan una frutería abandonada y un food-truck de Döner Kebab, regentado por los hermanos, que es su centro encubierto de operaciones. Desde este puesto de comida venden comida, bebidas, rollo de carne y bandera turca incluidos, y verán la llegada de Sigfrido por televisión. El otro gran escenario son unas escaleras y una pared de ladrillos presidida por un enorme muro publicitario de neón de la marca de caucho Buna, con su famoso eslogan "Plaste und Elaste aus Schkopau", otro símbolo de la cultura popular en la RDA.

Los conflictos entre los personajes de la obra unidos a la visión de Castorf siguen presentes: Sigfrido es un auténtico gandul, machista, soberbio y rijoso, cuya reacción al ver por primera vez a Gutrune y las hijas del Rin es la de tener sexo duro con ellas. Brunilda es la gran heroína, como no puede ser de otro modo, la única que ama y tiene sentimientos nobles. Los Gibichung son representados como unos matones de barrio, Gunther un gallito cobarde que deja todo el trabajo sucio a Hagen y Gutrune como una lolita, que aunque sí está ilusionada por Sigfrido, también lo está por el coche que Hagen le promete a cambio de casarse con él. Hagen es un hombre siniestro y temible, siempre alentado por su malvado padre. Las hijas del Rin aparecen caracterizadas como unas seductoras y siempre coquetas ladronas, que aprovechan para rapiñar el puesto de Kebab antes de que Sigfrido aparezca.

Entre los momentos más destacados o llamativos del montaje está la aparición de Wotan en la enorme pantalla viendo el diálogo de sus hijas, la aparición del coro portando banderas de las potencias ocupantes, aunque también las hilarantes apariciones del extra-asistente de dirección, que en el segundo acto deja caer una carretilla de patatas en toda la escalera. Muere al final del segundo acto, porque vemos su cadáver ensangrentado en el tercero, librándonos por fin de tan molesto personaje. Mención especial merece el tercer acto: vemos a Sigfrido en la pantalla, mientras las hijas del Rin le maldicen tras rechazarle, ver cómo va al rincón donde las Nornas hicieron santería, ahora con actuales carteles antisistema donde viven un mendigo al que le roba el vodka y una prostituta negra a la que intenta cortejar. Al llegar los Gibichung y su cortijo, cae el telón que envolvía el decorado tapado, para revelarnos que es ni más ni menos que Wall Street. Hagen mata a Sigfrido con un bate de béisbol, y este muere totalmente solo a la luz de un barril, frente al puesto de Kebab, con un fuego constante. Al final, Brunilda, tras cantar parte de su escena final frente a Wall Street, al que incendiará con ayuda de las hijas del Rin, entrega a estas el anillo, tras dar un tierno abrazo a Woglinde. Las ondinas destruyen el anillo tirándolo al barril ardiendo, ante la desesperación de Hagen. Mientras todos ven como se destruye en el fuego, una pantalla arriba del todo nos muestra a las hijas del Rin viendo cómo el cadáver de Hagen se abre paso navegando río abierto en una embarcación funeraria de madera, y con estas imágenes cae el telón.

La orquesta del Festival sigue en estado de gracia, con su espectacular sonido; y aunque Marek Janowski sigue tan inspirado como en la jornada precedente, no termina de llegar a cotas sublimes como se espera en un Anillo en Bayreuth. Los interludios musicales son bastante rápidos, algo conveniente al viaje por el Rin pero no para la marcha fúnebre. De hecho el pobre Janowski se lleva algunos abucheos en los saludos finales.

Stefan Vinke interpreta un Sigfrido más maduro como le pide la obra, aunque la voz no entre en calor hasta bien el primer acto. A partir de aquí no hará más que subir, con un agudo espectacular al final del segundo acto. Pero es en la narración de la infancia del héroe donde consigue una interpretación memorable, con la voz en todo su esplendor y con un estupendo timbre heróico.

Catherine Foster, en cambio, aparece cansada, aunque se guarda para la inmolación, de la que sale más o menos airosa. Los agudos siguen siendo buenos, pero no muy prolongados en el tiempo.

Albert Pesendorfer es un temible Hagen, con una voz de bajo profundo que electriza con su registro grave de ultratumba. Markus Eiche es un correcto Gunther, que como actor cumple con lo cobarde y engreído de su personaje y Allison Oakes una Gutrune estupenda, con una voz muy agradable.

Marina Prudenskaya es quizá la mayor sorpresa de la noche, con una Waltraute maravillosamente cantada, con unos graves muy bellos y una voz seductora. Y también es una buena actriz, consiguiendo transmitir la preocupación del personaje. Albert Dohmen consigue aquí su mejor interpretación como Alberich en su breve escena. Como actor transmite las intrigas y lo siniestro de su personaje, y como cantante su voz es proyectada desde el susurro con el que musita a su perverso hijo sus planes.

De las nornas, Wiebke Lehmkuhl destaca como primera norna con su buena voz de mezzosoprano. Las hijas del Rin están también a un buen nivel, con Lehmkuhl repitiendo como Flosshilde y Stephanie Houtzeel como Segunda Norna y Wellgunde. Christiane Kohl es igualmente una destacable tercera norna, con sus impactantes agudos. La bella Alexandra Steiner cumple como Woglinde, aunque su participación aquí no sea tan relevante como en el Oro.

Y así termina está andadura por el último Anillo de Bayreuth. Todo Anillo visto aquí es una aventura. Aunque la concepción de Castorf no sea demasiado lineal (una práctica de todos modos ya habitual en varios Anillos alemanes en la actualidad), ha conseguido llevar brillantemente a escena lo que siempre se ha debatido entre público y crítica: que la historia del Anillo, así como la de Bayreuth, está ligada a la de Alemania. Sumado a su impactante puesta en escena, esta producción será recordada, para bien o para mal, durante mucho tiempo. Esperamos que el Anillo de 2020 nos ofrezca una visión alternativa tanto o más interesante que la de este histórico enfant terrible del teatro berlinés.

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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 12 Jun 2019 14:07 
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En mi opinión la versión de esta ópera más redonda.


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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 13 Jun 2019 18:21 
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Opereta presentada en plena guerra mundial (1942), cuando las cosas comenzaban a torcerse para los nazis. En ese contexto, una obra que bebe del pasado y que persigue el hacer pasar un buen rato con una música amable "en exceso". Es, por ejemplo, contemporánea de Capriccio, de Strauss.


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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 14 Jun 2019 16:33 
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MarttiT escribió:
................ Por cierto, entre los papeles pequeños figura Ana Higueras-Aragón. ¿Fue componente de la Ópera de Viena? Yo le conocía de las grabaciones de zarzuela.


En 1970 la contrató la Ópera de Viena para cantar un nutrido repertorio de títulos para soprano lírico-coloratura, tanto en la Staatsoper como en la Volksoper. En 1973, cumplidos sus últimos compromisos con la Volksoper de Viena, optó por retirarse de la ópera

Por cierto, las audiciones en Austria se las financió el compositor Pablo Sorozabal.

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La temporada era tan mala que una noche forzaron la taquilla para devolver cuatro abonos.


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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 14 Jun 2019 18:55 
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Muchas gracias semyonkotko por la aclaración.

Ahora, descubriendo dos óperas para radio (Ein Landarzt/El médico rural y Das Ende einer Welt/El fín del mundo) del prolífico Hans Werner Henze. Son breves, de apenas 26 y 38 minutos y de escucha interesante, tebiendo así la oportunidad de descubrir un Henze distinto, más radical que el disfrutado en óperas contemporáneas a estas como por ejemplo Der junge Lord o Boulevard Solitude.

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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 16 Jun 2019 18:21 
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E. D’Albert – Tiefland (Philips, 1957)

Hans Hopf (Pedro), Paul Schöffler (Sebastián), Gré Brouwenstijn (Marta), Oskar Czerwenka (Tomás), Dodi Protero (Nuri), Eberhard Wächter (Morucho), Waldemar Kmentt (Nando).
Orquesta Sinfónica de Viena. Dir. Rudolf Moralt.


Aunque nadie la haya incluido, si no me equivoco, en el hilo de ópera abyecta, esta ópera es probablemente la más representativa aportación germana al verismo. De hecho, las conexiones de la obra son de lo más variopinto: su origen literario –bastante respetado en el libreto- es Tierra baja, el exitoso drama catalán de Ángel Guimerá, que llegó a inspirar hasta una película de Leni Riefenstahl terminada después de la guerra, mientras que sus referencias musicales van desde el más tradicional romanticismo alemán hasta la ópera italiana finisecular, con la larga sombra de Wagner apareciendo aquí y allí. Toda esta indefinición contribuye a que Tiefland sea una ópera de valor desigual, con un colorido pero tópico tratamiento instrumental y una línea vocal que dibuja bien a los personajes, pero que descansa demasiado en pasajes semideclamados con escaso atractivo melódico.

De cualquier modo, la obra debe de ser haber sido bastante apreciada, porque cuenta con importantes interpretaciones tanto en teatro como en disco. Es el caso de esta grabación mono con reparto muy a tener en cuenta, en el que destacan Hans Hopf y Paul Schöffler. El tenor compone un Pedro efusivo, tan sincero en su ingenuidad como en sus arrebatos brutales y cuyos ataques algo toscos van en esta ocasión a favor del personaje, mientras que Schöffler canta y declama con un fraseo de alta escuela algo ajeno al estilo verista, pero que también viene que ni pintado para definir la distancia entre el maquiavelismo del amo y la simplicidad de los aldeanos. Junto a ellos, Gré Brouwenstijn demuestra una vez más que era una cantante sobresaliente, pero a mi juicio no acierta tanto con el tono, y en algunos pasajes parece metida en alguno de sus personajes wagnerianos, aparte de abusar de vibrato y de ir un pelín tirante en algún agudo. El resto de los intérpretes no desmerece en absoluto: Wächter es un lujo en su breve papel y Czerwenka, Kmentt y Protero, sin ser artistas de primera fila, completan lo que en términos cinematográficos calificaríamos como un completo acierto de casting.

Rudolf Moralt era un batutero competente. Ni la calidad de la orquesta ni las posibilidades de la partitura dan mucho más de sí.

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Para saber mucho: vivir muchos años, caminar muchas tierras, leer buenos libros o conversar con amigos sabios y discretos. (Baltasar Gracián)


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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 17 Jun 2019 18:02 
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Ópera de 1764, El borracho burlado es la primera obra lírica conocida en la que se utiliza el euskera. Recientemente, en 2014, se celebró el 250º aniversario del estreno con las pertinentes representaciones en la Bergara natal del compositor, Xabier María de Munibe, Conde de Peñaflorida, además de en otras cuantas localidades vascas e incluso Madrid, en la denominada parroquia de los vascos.

La grabación está tomada por la casa aus_Art_Records (nunca les agradeceremos lo suficiente su trabajo en la recuperación del patrimonio musical vasco) de una representación radiofónica celebrada en 1981. Interpretación modesta pero ópera que es simbólica. La dirección es de Javier Bello Portu.


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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 18 Jun 2019 18:36 
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Obra típica del nacionalismo de finales del XIX (la ópera s eestrenó en 1899), incluye uno de los fragmentos más conocidos del mundo lírico vasco, que se interpreta por todos los coros vasco, el Euskal Herriko semeak gera! (¡Somos hijos de Euskal Herria!), pieza con la que termina la obra, de apenas hora y cuarto. Hay que er benevolentes con la interpretación; lo importante e el documento.


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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 19 Jun 2019 0:20 
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Hoy, “Mazeppa”. Función del Marinsky. Grabación de Mezzo. Las óperas de Tchaikovsky se encuentran en lugar destacado entre mis innumerables debilidades operísticas. Por ello no podía dejar pasar la oportunidad de grabar esta ópera, que está eclipsada por “Onegin” y “La dama de picas”, siendo mucho menos conocida de lo que, a mi juicio, merece. En efecto: Cuenta con un eficacísimo libreto basado en Puchkin, con formato cercano a la “Gand Opera”, escenas espectaculares y un muy conseguido desarrollo dramático, al que Tchaikovsky puso una música que no decae nunca, con fragmentos sinfónicos espléndidos como los preludios de los actos primero y tercero, y cinco personajes principales (soprano, mezzo, tenor, barítono y bajo) a los que da todas las posibilidades clásicas de lucimiento: Todos tienen aria, y se suceden los dúos y escenas de conjunto. También tiene intervenciones importantes el coro e incluso el ballet. Por encima de todo hay que destacar el final, una escena de locura muy alejada de los estereotipos donizettianos e italianos en general: aquí una enloquecida María acuna cantando una escalofriante nana a un agonizante Andrei, que muere en sus brazos. La ópera termina en un “piano” que parece preludiar el final de la Sinfonía Patética.

La versión del Marinsky es totalmente “idiomática” como se dice ahora con un magnífico quinteto de voces eslavas. Lamento no tener a mano el nombre del tenor que incorpora a Andrei con una voz bien timbrada y un adecuado estilo. Ekaterina Semenchuck es Liubov, la madre de la protagonista, a la que interpreta ajustadamente con una buena voz de mezzo de potentes agudos y buen desempeño escénico. Stanislav Trofimov, en el cometido de Koschiubei, con una voz no especialmente bella, pero sí eficaz, destaca en la escena de la prisión y en la plegaria. María Bayankina se encarga de María, un personaje complejo que debe pasar por estados de ánimo cambiantes, desde la ¿admiración confundida con amor? por un hombre mucho mayor que ella hasta la locura provocada por la ejecución de su padre. Es un personaje antológico, que tiene puntos de contacto con Lisa y Tatiana (en lo que ambas tienen de entrega irreflexiva por amor), Aida (I sacri nomi di padre, d’amante), e incluso Adina (afecto hacia su incondicional adorador). La Bayankina entiende muy bien todos estos matices, realiza un precioso trabajo escénico y en lo vocal luce una amplia y timbrada voz de lírica. Muy bien en conjunto. Vladislav Sulimsky, en el papel protagonista muestra una bella voz de barítono destacando en su gran escena con el aria en la que expresa su amor por María y sus dudas ante la condena de Koschiubei, seguida del duo con su esposa. También en la escena final. Cumple en todo momento con las exigencias del personaje, emparentado directamente con Gremin y mucho más lejanamente con Marke e incluso con ¿Sachs? Muy bien el resto de los intérpretes.

La escena es una reposición restaurada o rehecha de otra de 1950 basada totalmente en el empleo de papeles pintados. Naturalmente, no aporta nada nuevo, sigue los caminos trillados, no da lugar a meditación alguna, es absolutamente convencional y se limita a subrayar la acción. Vamos que sólo se la puede describir con una palabra: Magnífica. Gergiev dirige a sus huestes con su habitual buen pulso y la necesaria intensidad.


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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 19 Jun 2019 14:40 
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Tras la intensidad del Anillo de Castorf en Bayreuth, necesitaba volver a los clásicos para refrescarme un poco. Hacía tiempo que tenía ganas de ver el Tannhäuser del Met de 1982. El Met ha realizado una invaluable labor pedagógica al grabar sus producciones tradicionales, pues se encuentran entre las escasas opciones de este estilo en videografía wagneriana.

La clásica puesta en escena es del legendario Otto Schenk, con su no menos legendario escenógrafo Gunther Schneider-Siemssen. En este trabajo, esta pareja artística recrea una visión romántica y pictórica de la obra. La belleza de los decorados de Schneider-Siemssen son venerados por la ortodoxia wagneriana, por su recreación idílica y pretendidamente fiel a los ambientes que Wagner ideó para sus obras, aunque también conciliándose con el gusto del público de la época, aún bastante conservador. El vestuario de Patricia Zipprodt no escatima en lujos, aunque el de Venus sea demasiado brillante y demasiado colorido para algunos peregrinos. En cambio el de los protagonistas en el concurso de canto es tan fastuoso como los decorados, recargado en Elisabeth, el Landgrave y los caballeros (especialmente Wolfram). El vestuario para el coro intenta ser una fashion week germanomedieval. La evolución de Tannhäuser es curiosa, ya que viste con el mismo traje, si bien en el tercer acto aparece totalmente andrajoso, para mayor impacto visual. Esta visión, pese a sus limitaciones, sí permite reflexionar pese a todo sobre los personajes y su historia. Tannhäuser es en cierto modo un alter ego de Wagner, en el sentido de que es un revolucionario, adelantado a su tiempo que no halla más que incomprensión al principio. Por trascender los límites de la moral religiosa y su visión del amor casto, y adentrarse en el hedonismo del amor carnal pagano y muchas veces más real, el trovador encuentra el anatema y el rechazo. Nuestro héroe es un adelantado, un outsider, con más experiencia que sus compañeros, centrados en el honor. Esto le reporta una arrogancia propia de algunos que se saben incomprendidos por su sociedad debido a su genio.

El Venusberg es representado por una profunda cueva con un liso suelo, lo que mezcla decorado con iluminación, para dar sensación de lejanía y profundidad, especialmente a las sirenas que cantan a lo lejos. El ballet del Metropolitan Opera realiza una versión clásica de la bacanal. El valle del Wartburg está fielmente representado, viendose una estatua de la virgen y un bosque que se percibe al fondo, con un cielo color azul marino en el que se adivinan las siluetas de los árboles. Sin duda alguna, el hito de la producción es el castillo de Wartburg, representado por un fastuoso salón románico cuya entrada tiene los arcos típicos de esta arquitectura. Las paredes están lujosamente decoradas con pinturas. El problema de estas producciones, para el espectador moderno es la ausencia en algunos casos de una profunda dirección de actores que explore las aristas de los personajes. Ciñéndose a las acotaciones del maestro, y con unas mínimas pautas destinadas a hacerles la vida más fácil a los cantantes, éstos tienen la libertad de con sus expresiones y habilidad actoral, de hacer creíbles a sus personajes. Aun con todo, podemos ver momentos emocionantes como Tannhäuser llorar amargamente por su pecado al escuchar al coro de peregrinos viejos, a Venus realmente preocupada por perder a su amado, o uno de los momentos más bellos, el ver a Elisabeth atravesar el escenario después de su oración, frágil pero firme en su camino hacia el cielo, y ver a Wolfram derrumbarse por la conmoción tras su canto a las estrellas, o el final cuando Tannhäuser muere cerca del cadáver de su amada y Wolfram bendice la escena con el báculo florecido.

Quería destacar un momento de esta producción que me emociona cada vez que la veo. Se trata del coro de invitados al concurso de canto. Los nobles invitados, los solistas, los niños pajes hacen su aparición de forma tan solemne, señorial que impacta y no resulta acartonado ni kitsch. La interpretación del coro, la orquesta y de las insuperables trompetas de la orquesta del Met, magníficamente reforzadas, consiguen la mejor versión escénica que jamás se haya hecho de este fragmento. Cada vez que lo veo tengo un nudo en la garganta.

James Levine dirige a la Orquesta del Met con su habitual maestría, con unas oberturas opulentas, aunque el sonido de grabación perjudica a veces a las cuerdas, y con el cénit alcanzado en el coro del acto segundo. Y no aburre ni se percibe demasiado lento, ya que está al mismo tiempo al servicio del drama y los cantantes.

Richard Cassilly es un tenor de voz poco grata, y de hecho en el primer acto sus loas a Venus no son fáciles de oír con una zona alta tendente al cacareo en algunas ocasiones. Pero a partir del segundo acto la interpretación mejora y sale un tono heroico apreciable, especialmente en el concurso de canto. En el tercer acto la narración de Roma, debido a su caracterización y los límites de su voz, consigue ser un momento aterrador y efectista. No obstante, a veces pierde el texto, como poco antes de la llegada de Venus, donde se ve a Wolfram interpelarle sin respuesta.

Eva Marton es la gran estrella de la noche, aún en plenitud de sus facultades, convenciendo musicalmente con su aún bella y dramática voz, y sus grandes agudos, aunque faltase pocos años para empezar a aquejar desgaste. Al final de la función se escuchan unos gritos de un espectador que no deja de repetir: "Brava, Eva!"

Bernd Weikl es un estupendo Wolfram, aunque en esta ocasión no esté del todo expresivo como actor. Su bella voz y su habilidad como liederista consiguen una canción de la estrella para el recuerdo.

Tatiana Troyanos es la mejor voz del reparto. Una Venus sensual, capaz de transmitir las emociones de la diosa, y con una voz de timbre seductor y rico en armónicos nos dejan una memorable actuación.

John Macurdy cumple como el Landgrave. Tiene la voz, pero no siempre la hace destacar, aunque sus intervenciones en el torneo de canto sí son apreciables. Richard J. Clark es un correcto Biterolf, y muy entusiasmado, por cierto: basta con ver sus sonrisas de oreja a oreja en los saludos finales. El niño Bill Blaber es un excelente pastorcillo, y el resto de cantantes comprimarios cumple correctamente.

Una actuación memorable y disfrutable, aun sin ser la mejor versión en vídeo pese a contar con una producción poderosa y un nivel vocal alto, que ya querríamos tener hoy en día.

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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 19 Jun 2019 17:13 
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La primera obra lírica del prematuramente fallecido José María de Usandizaga, donostiarra. Ópera de argumento algo naif y maniqueo pero que vamos a poder ver de nuevo esta semana en el Teatro Arriaga, con puesta en escena de Calixto Bieito.


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 Asunto: Re: ¿Qué está usté escuchando en este momento? (XII)
NotaPublicado: 20 Jun 2019 23:39 
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Hoy, el disco de Michael Fabiano dedicado a Verdi y Donizetti. Los personajes son: Rodolfo, Duca, Poliuto, Riccardo (Ballo), Edgardo, Don Alvaro, Chalais, Ernani, Jacopo, Riccardo (Oberto), Corrado, sin intervención de ningún otro cantante pero sí del coro. El tenor norteamericano, que la temporada pasada hizo un estupendo Corrado en Les Arts, debuta con este disco en el que muestra las cualidades que le han llevado a ocupar un puesto relevante entre los de su cuerda que hoy actúan en teatros importantes: una voz tenoril lírica, clara y potente (de las que a mí me gustan, sin resabios baritonales) con el defectillo de cierta opacidad en los agudos. El fraseo, sobre todo en Verdi, es incisivo y variado. El disco contiene algunas arias muy conocidas, pero hay abundante espacio para las “rarezas”, como el aria y cabaletta alternativas de “Ernani”, el final del tercer acto de la “Forza” en la versión de San Petersburgo, el aria de “Maria di Rohan” o la de “Oberto” (creo que es la primera vez que se ha grabado en un recital). A destacar el final del aria de “Lucia”, que se aparta de lo tradicional. En conjunto, un muy interesante disco.


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