Me equivoco o Alexandra Rivas (que hasta donde yo se solo cantaba papeles muuuy secundarios) es esposa de algún alto cargo de la ópera de Oviedo...?

«Las bodas de Fígaro» («Le nozze di Figaro»), estrenada en el Burgtheater de Viena el 1 de mayo de 1786, primera ópera de Mozart perteneciente a la llamada trilogía Da Ponte, formada aparte de por las Bodas, por «Don Giovanni» y «Cosi fan tutte», trío de obras que con «La flauta mágica» conforman la cima del arte como compositor operístico de Mozart, es quizás la ópera más humana y a la vez divertida de toda su producción.

Mucho que ver en esto tiene el libreto de Lorenzo da Ponte, basado en la segunda parte (La folle journée ou le marriage de Figaro) de las tres obras que Beaumarchais escribió sobre el personaje del universal barbero sevillano. Da Ponte supo plasmar con fluidez una complicada trama llena de enredos y golpes de efecto, a la que por otra parte aligeró de la abundante carga de crítica política y social que la pieza en que se basaba contenía. Esto le permitió, tras el rechazo inicial, lograr el consentimiento del emperador José II de Austria, que prácticamente acababa de prohibir la representación teatral de la comedia de Beaumarchais, para su transposición a la ópera.

A muchos aficionados les extrañará que siendo Mozart anterior a Rossini, el de Salzburgo no acometiera la primera parte de la obra de Beaumarchais, es decir, «El barbero de Sevilla», en vez de la segunda. La razón es que esto ya lo había hecho pocos años antes, en 1782, el compositor Giovanni Paisiello, coetáneo de Mozart. Y, por cierto, con gran éxito e influencia en los compositores de la época, hasta el punto de que algunos críticos creen ver cierta continuidad musical entre ambas obras. Con posterioridad, el genio de Rossini hizo que su «Barbero» eclipsara para siempre al de Paisiello.

Musicalmente, Mozart en las Bodas emplea recursos de la ópera bufa, como el recitativo secco que da paso a los distintos números, junto a pasajes con un dramatismo y hondura musical más propios de la ópera seria, (arias de la Condesa, por ejemplo), sin que por ello podamos encasillar la obra ni mucho menos en ninguno de los dos géneros. En cualquier caso, es notable la concepción global de la composición y estructura musical, de una modernidad que superaba lo conocido hasta entonces. La música engrandece en todo momento los sentimientos de los personajes, que así dejan de ser caricaturescos, al estilo de los de la commedia dell'arte, para convertirse en humanos.

Otro rasgo notable es la abundancia de números de conjunto, la mitad de los de la obra (14 de 28), que tienen su punto culminante en la escena final del segundo acto, un prodigio de inventiva en el que «las entradas sucesivas de personajes nuevos, así como de secciones musicales nuevas, caracterizan las situaciones dramáticas» (R. Leibowitz). Por otra parte, la obra está llena de bellas y pegadizas melodías, unas más afortunadas que otras, a las que recurren constantemente maestros y alumnos de canto de todo el mundo; y tiene también momentos mágicos, de una sutileza especial, como son la «cavatina» de Barbarina al comienzo del cuarto acto, que no por breve deja de ser bellísima, y dentro de la escena final, el también breve pero emotivo fragmento «Contessa, perdono».

Una obra tan complicada de argumento y con tantas situaciones propias casi de un «vodevil», es propicia para el lucimiento del director de escena. En Oviedo veremos hoy, y los días 13 y 15 de este mes, la producción de la AO estrenada en el año 1997, debida al malogrado Julio Galán, sencilla y elegante, dirigida por Emilio Sagi, que repite siete años después siendo ya una figura consagrada internacionalmente dentro del mundillo de la dirección escénica.

Repite también el barítono Manuel Lanza en el papel del conde de Almaviva, acompañado al igual que entonces por un reparto íntegramente español, en el que destaca el bajo menorquín Simón Orfila en el papel protagonista. Este jovencísimo valor, ya con amplio reconocimiento a nivel internacional y cuyas apariciones en el Campoamor se cuentan por éxitos, posee en estos momentos la voz justa para el papel, que requiere o bien un bajo cantante con buen registro agudo, o un barítono con cuerpo en el centro y facilidad en los graves. El debut en la temporada de Oviedo de las también jóvenes sopranos Ana Ibarra y Ofelia Sala, en clara progresión ascendente, son otros dos alicientes del reparto y garantía de éxito.

En cuanto a la discografía existente, muy numerosa, DECCA en 1955 graba la que pasa por ser la mejor versión de la obra y en opinión de varios críticos uno de los hitos discográficos de todos los tiempos, bajo la batuta genial de Erich Kleiber. Si bien nadie discute la labor del director al frente de los afamados y extraordinarios conjuntos de Viena (Coro de la Ópera y Orquesta Filarmónica), ciertos defectos en alguno de los protagonistas, que afectan sólo a la belleza tímbrica de sus voces (casos de Hilde Güden y de Alfred Poell) o a un excesivo vibrato (caso de Susanne Danco), que no a la interpretación y al canto, impiden que sea unánime la opinión antes expresada. La verdad es que en el caso de la Güden, por ejemplo, al principio molesta un tanto su ingrato timbre, aunque una vez que el oído se acostumbra a él, lo que permanece es la adecuación del canto y la excelencia interpretativa. Por otra parte, Cesare Siepi y Lisa della Casa son unos extraordinarios Fígaro y Condesa respectivamente.

Para otra gran parte de la crítica, la versión comandada por Carlo María Giulini, EMI 1960, es tan buena como la anterior, destacándose su colorido más meridional y su canto más latino, más cercano todo ello a la ópera bufa italiana, que, no lo olvidemos, es el idioma en que la quiso Mozart. La grabación está servida por excelentes voces, entre las que destaca Giuseppe Taddei, uno de los mejores Fígaros en disco tanto vocal como interpretativamente; Elisabeth Schwarzkopf como la condesa, y una joven y sensual Anna Moffo como Susana. Eberhard Wächter, aunque ni su italiano es perfecto ni su timbre es el más hermoso, es un excelente Conde, y Fiorenza Cossotto, en un repertorio un poco alejado del que posteriormente frecuentó con gran éxito, no hace un mal Cherubino. No falta quien dice que la versión perfecta de las Bodas sería una adecuada mezcla de estas dos grabaciones, es decir, la de Kleiber y la de Giulini, y puestos a pedir imposibles, con Teresa Berganza en el papel de Cherubino exigiría yo, pero eso son otras historias. En fin, como detalle curioso añadiré que esta grabación es la banda sonora de la versión de las famosas Marionetas de Salzburgo, que ha salido al mercado en formato DVD bajo el sello Cascade GmbH.

Para los aficionados a la imagen les recomendaremos una grabación en DVD (ORF-TDK) de una representación en vivo del Festival de Salzburgo del año 1966, dirigida por Karl Bhöm, concretamente el 11 de agosto. La producción es muy interesante pues nos permite ver las escenografías de aquella época, tan distintas de las actuales. En lo musical destaca vocalmente el Fígaro de Walter Berry y el reparto femenino.