Estos primeros días han sido de lo más barrocos (en Munich siempre hacen muchísima ópera barroca): el lunes Orlando de Händel, el martes Alcina también de Händel y el jueves La Calisto de Cavalli, con un intermedio mozartiano el miércoles: Le nozze. ¡Vaya atracón de ópera!

Primer día:

"Orlando"

La dirección escénica era de David Alden.

Me encantan los montajes tan divertidos que hace con Händel (en Munich hacían un Serse suyo que era de lo más hilarante que he visto en mi vida). Realmente convierte cualquier ópera de Händel en una farsa estrafalaria.

El decorado es muy kitsch: moteles horteras con paredes naranjas, lentejuelas, flamencos de pega, soldaditos musculosos, putas y talibanes, sexo a porrillo. Todo es delirantemente superficial, Zoroastro es un militar loco, una mezcla estravagante entre el Dr. Strangelove de Kubrick y Donald Rumsfeld, que manipula a Orlando y Angelica lavándoles el cerebro. Dorinda es una soldado-secretaria que se prostituye a tiempo parcial, Angelica una rubia pija que se pone un vestido distinto para cada aria. Las dos se enamoran de Medoro, que es un jeque árabe con todos los topicazos que se imaginen: viste de negro y lleva cartucheras y sable...

La escena de la locura de Orlando, antológica: las luces se encienden y se
apagan, los muros tiemblan y se oyen disparos y aparece Orlando montando una especie de tanque graciosísimo con unas patas largas que cada vez que se movía todos en el público nos tronchábamos (yo quiero un trasto como ese).

El Orlando lo cantó David Daniels y lo cierto es que apenas si se lo escuchaba, la mayor parte del tiempo lo tapaba la orquesta. Y eso que teníamos unas entradas estupendas, que yo ya me conozco el Nationaltheater de Munich (viví casi dos años en Munich) y sé qué sitios son los buenos. Y a Daniels ya lo tengo escuchado más veces, canta mucho en Munich también, y siempre ha sido igual: hay que esforzarse mucho para oirlo.

La otra estrella del reparto era Rosemary Joshua, que cantaba la Angelica. Esta cantante me gusta mucho, y a ella sí que se la oía. Tiene una voz cristalina, muy bella, y es una gran especialista del repertorio barroco.

Alastair Miles impresionante y muy seguro en las coloraturas como el mago.

Los otros cantantes cumplieron.

El director era Ivor Bolton, que es el especialista en ópera barroca de la Staatsoper, y me gusta mucho, sobre todo sabe dirigir a las voces muy bien y dirige con mucho dramatismo.


Segundo día:

"Alcina"

La Alcina se representaba en el Prinzregententheater, que es como una especie de Bayreuth en miniatura.

Aquí también salían soldados estadounidenses con ropas de camuflaje, que hasta hacen ejercicios de instrucción y todo. Al mando de todos estos soldados, el Ruggiero de Vesselina Kasarova, que estuvo muy bien en todas sus arias y muy bien dramáticamente.

El vestuario era un poco desconcertante, una mezcla de disfraces (ahora que no me oye Simon... ) de época y modernos.

Alcina tiene como fantasías y en ese momento aparecen figurantes vestidos como Ruggiero. Los decorados estaban bastante bien, el principal era una especie de salón del siglo XVIII y al fondo había una tela con un paisaje. A los lados había como unos pasillos con puertas a esa habitación y al exterior.

En la escena en que Alcina cantaba el "Ombre pallide" este decorado se cambiaba por una sala con espejos y compartimentos de cristal, llenos de los objetos mágicos de la bruja. Al final todo este decorado se derrumbaba y el escenario quedaba vacío, con lo que sugería muy bien la liberación de todos del poder de Alcina.

La Alcina de Anja Harteros ¡tremenda! ¡qué manera de hacer las coloraturas! ¡vaya gritos que pegué cada vez que cantaba algo! Además tiene las arias más bellas, Ombre pallide, Ah mio cor, Mi restano le lagrime...

La que menos me gustó del reparto fue Gabriele Rossmanith, que hizo Morgana (sustituyendo a Veronica Cangemi) y estuvo un poco insegura en sus arias.

Ivor Bolton dirigió con mucha energía.


Tercer día:

"Le nozze di Figaro"

Este es un montaje de Dieter Dorn que tiene ya casi diez años, todo un clásico, yo ya lo he visto varias veces.

Es una puesta en escena bastante tradicional, con decorados luminosos, con predominio del blanco, y los muebles (igual me mata Simon ¿qué palabra técnica se usa? ¿atrezzo?) ¡bah! las sillas y eso..., y el vestuario son del S. XVIII.

El escenario consiste en una habitación con telas blancas como pared, y tres puertas, y el suelo está cubierto de distintas telas pintadas que simulan alfombras, en el último acto es blanca. Todo muy correcto y siguiendo las indicaciones del libreto, salvo en el acto 4, en que se supone que debería ser de noche y estar oscuro, pero aquí ya digo que todo es luz.

El Figaro lo cantó Jonathan Lemalu que es un cantante joven bastante interesante, con un timbre muy redondo, que recuerda un poco a Bryn Terfel.

Rebecca Evans hace una Susanna encantadora. La condesa fue Krassimira Stoyanova. No me gustó demasiado, no consiguió reflejar la fragilidad, el orgullo y la emoción del personaje.

El conde de Peter Mattei fue bastante normalito, hizo un papel muy lineal, sin mucho colorido (aunque da muy bien el papel, otro barítono guapetón).

Sophie Koch hizo el Cherubino. Esta cantante me enamora, sobre todo estos papeles travestidos los borda. Tiene una voz rotunda y cálida, estuvo perfecta como el paje.

Dirigió Zubin Mehta, con intensidad y con ritmos bastante contrastados, pero no tanto como se estila en las interpretaciones historicistas.


Cuarto día:

"La Calisto"

Esta ópera es una comedia muy divertida, en la que Júpiter desea a la ninfa Calisto (¡estos dioses!) y al final Juno (la más legendaria celosa) la convierte en oso.

Aquí los decorados representan el vestíbulo de un hotel (L'Empireo, según
anuncian unos neones), con las paredes pintadas de rojo y negro y paneles iluminados. Un sitio hortera en plan Las Vegas.

El vestuario es un puro delirio, y muy diverso. Hay de todo, desde trajes elegantes a vestidos en plan cómico, por ejemplo Mercurio va con traje; Pan vestido con pieles; Calisto en traje de baño, o con vestidos de noche, rodeada de rubias impresionantes; Juno muy elegante con un abrigo rojo y un sombrero negro con plumas; el Satirino lleva un traje que representa su cuerpo desnudo...

Dije que esto era una comedia, pero el final en realidad es bastante deprimente y pesimista, la escena en que Júpiter se despide de Calisto es muy conmovedora, aunque en este montaje de (no lo he dicho todavía) David Alden, esta escena le quedó un poco floja, para que conmueva, tiene que hacer que Júpiter sienta algo de afecto por Calisto, y aquí eso no se vio.

Los cantantes muy buenos todos, y muy buenos actores también, sobre todo Sally Matthews como Calisto, Umberto Chiummo como Júpiter, Veronique Gens como Juno (su aria Da le gelose mie cure incessanti, fue de lo mejor de la función)...

El director fue de nuevo Ivor Bolton, excelente y la orquesta sonó estupenda, esta vez tocaban con instrumentos originales.

Esta fue la ópera en que mejor lo pasamos hasta ahora.

El lunes fuimos a ver Ariodante. El martes una Elektra electrizante.

Lunes

Ariodante

El director de este Ariodante es ¡sorpresa! David Alden.

La escena consiste en una habitación barroca con un escenario en la parte de atrás. Encima hay una bóveda con pinturas mitológicas, que desciende en el segundo acto y por la que se desliza Ariodante cantando el Scherza Infida después de haber visto lo que él cree que es la traición de su amada, con lo que se representa bastante gráficamente el descenso a la desesperación del personaje.

En el escenario (me refiero al que está dentro del decorado) se recrea un mundo barroco de fantasía, con montañas, con un mar... La impresión de todo esto es la de un escenario dentro de un escenario, en el que se muestra tanto lo elegante como lo sórdido: por ejemplo, hay un baile con personajes con pelucas y vestidos maravillosos, y a una mujer le quitan la peluca con lo que se ve que es un travestido, entonces lo empiezan a empujar y lo echan del escenario al suelo de delante. Y también hay un énfasis en mostrar imágenes de violencia contra mujeres: Polinesso arresta a Ginevra y unos soldados la maltratan brutalmente y luego aparece vestida con harapos y con una lanza atada sobre los hombros como si estuviese crucificada.

Lo cierto es que la producción es muy interesante, me gustó mucho la manera en que representan el estado mental de Ginevra cuando piensa que todo lo que siempre ha deseado ha sido destruido por el engaño y la lujuria, con una coreografía que representa sus sueños y sus pesadillas.

Christopher Robson interpretó a Polinesso, no sé si esto es a propósito, porque es un contratenor con un timbre ingratísimo, con lo que se aumenta la impresión desagradable que produce el personaje. Y además tiene bastantes dificultades al cantar: desafina, no tiene legato y es muy inseguro. Pero como es un habitual del teatro, al final la gente lo jalea muchísimo.

Ann Murray cantó un Ariodante heroico y noble, con un fraseo magnífico y ornamentando las arias estupendamente, aunque tuvo problemas en algún aria (no el Scherza Infida que lo cantó maravillosamente) y en algunas frases parecía como si tuviera el sonido un poco mal apoyado y a veces aparecía un vibrato un poco descontrolado.

Ginevra fue Joan Rodgers, no me gustó, muy insulsa y monótona y desafinó muchísimo y teniendo en cuenta que la ópera comienza con un aria suya, figúrate la cara que pusimos, aunque a medida que avanzaba la ópera mejoró un poco. La otra pareja, Dalinda y Lurciano fue interpretada por Olga Pasichnyk y Paul Nilon, mejor ella.

El rey de Escocia lo cantó Umberto Chiummo, que no tiene la voz grave y poderosa que necesita el papel y las coloraturas muy flojas. El director fue otra vez Ivor Bolton, muy atento con todos los cantantes y con una interpretación llena de vitalidad y nervio.


Martes

Elektra

Después de tanta ópera barroca, estaba deseando ver esta Elektra, y no me decepcionó en absoluto.

La dirección es de Herbert Wernicke. La producción es magnífica, nada es superficial, todo tiene un sentido, está dirigido a potenciar el drama, al servicio de la tragedia y de la música.

Los decorados, la iluminación son sobrios pero muy expresivos. Al principio hay un panel negro en la parte delantera de la escena, obstruyéndola. El escenario es sombrío, oscuro. Las sirvientes, vestidas de negro, entran arrastrándose. Entonces el panel se eleva y deja ver una escalera bajo una luz roja.

El vestuario es austero: Chrysothemis viste de blanco, Klytämnestra de rojo, Elektra de negro, está aislada en una plataforma de madera, de la que sólo se liberará tras la muerte de su madre.

El vestuario de las mujeres inspirado en vestidos clásicos, los de los hombres más modernos también son negros, grises o blancos.

La entrada de Klytämnestra, en lo alto de la escalera, rodeada de sirvientes, es espectacular. Todo es rojo: los muros, su ropa, sus joyas... También es tremenda la aparición de Orest, viste una chaqueta gris y está acompañado por un tipo con aspecto sospechoso, parecen dos asesinos, vestidos de cuero, tienen una presencia siniestra. Orest parece un psicópata frío y en cambio Elektra exterioriza toda su cólera a través de su grito exigiendo venganza.

Todos se mueven lentamente, parecen congelados, petrificados, y así cada gesto que hacen tiene una mayor importancia. Cuando mueren Klytämnestra y su amante, Chrysothemis aparece bailando triunfalmente, con las joyas de la muerta, como una falsa inocente que deja ver sus debilidades.

Lo último que se ve en el escenario es a Orestes bajo la escalera, vestido del manto real de su madre y haciendo un gesto que recuerda el saludo nazi. A sus pies, Elektra, muerta.

El reparto muy homogéneo, Gabriele Schnaut impresionante como Elektra (esta mujer da miedo) a pesar de que sus agudos son bastante estridentes y tiene un vibrato desagradable, todavía me dan escalofríos al recordar cómo cantó el Allein! Weh, ganz allein...

Dussmann hace una Chrysothemis muy expresiva y Jane Henschel una Klytämnestra genial, Sten Byriel bien como Orest. La dirección de Peter Schneider llena de dramatismo y tensión. En resumen, una experiencia impresionante, increíble, abrumadora...


Y esto es todo por ahora. Lo siguiente será un Parsifal, el sábado.

Estoy verde, verde, verdeeeeeeeeeeeeeee

Sábado

Parsifal

Esta producción de Konwitschny ya la había visto, pero Wagner siempre apetece.

El otro día hubo un Tannhäuser, pero es un montaje que también vi y que no me gusta (lo hay en dvd, es un montaje de David Alden). Así que sólo compré entradas para el Parsifal.

La escenografía, muy sencilla, se podría decir que es tradicional, salvo por la aparición de Kundry en un extraño vehículo y por la indumentaria de los caballeros: abrigos tipo nazi ¡pfui! ¡qué original!.

Antes de que se levante el telón, se pueden leer garabateadas como un graffiti las palabras finales de la ópera, escritas en varios idiomas: "Erlösung dem Erlöser".

El escenario representa un paisaje desolador y austero, en una mezcla de blanco, gris y negro. Hay un árbol muerto, que al principio está caído y con la maravillosa Verwandlungsmusik se va elevando lentamente hasta quedar vertical, como un pilar.

No aparece ni rastro de la parafernalia asociada normalmente a la ópera (el grial, el santuario, espadas...) Hay algún toque religioso que produce un efecto un poco kitsch, o incluso cómico, como cuando al final desciende una paloma bruscamente.

Amfortas y Klingsor son iguales, hasta Klingsor tiene una herida (¿?). Parsifal hace una entrada bastante cómica, atraviesa el escenario en plan Tarzán. Lo que más me gustó fue que el grial está representado por una mujer (¿Kundry?) con una paloma en la mano, que aparece detrás del árbol; los caballeros están bajo el árbol, en las raíces, y sólo Amfortas sube para ver el grial/mujer.

Lo mejor del reparto la Kundry de Violeta Urmana, tanto vocal como dramáticamente. El Parsifal lo cantó Christopher Ventris, que tiene una voz bella, pero su interpretación fue bastante aburrida. Amfortas fue Juha Uusitalo, que tiene un timbre noble, aunque le falta un poco de profundización en el personaje. Gurnemanz lo cantó Matti Salminen, que está ya bastante mayorcete, pero su voz sigue siendo bella y cantó el papel con mucha sabiduría. Klingsor fue Egins Silins, tiene una voz oscurísima y profunda, me gustaría oírlo en un Verdi.

La orquesta, dirigida por Adam Fischer, sonó horrible, las maderas y las trompas espantosas. Esta orquesta no parece la misma del otro día ¿qué ha pasado aquí?


Domingo

Don Carlo

Esta obra me encanta, tiene de todo, es un drama de amor frustrado, un conflicto entre padre e hijo, un drama político con un levantamiento popular y un héroe apasionado que defiende a los oprimidos...

La versión que hacen es la italiana con cinco actos, en la que se incluye la escena de Fontainebleau (no entiendo cómo se podía cortar esta escena, porque es esencial para mostrar el conflicto dramático).

La dirección y la escenografía son de Jürgen Rose.

La escena muy sencilla y estilizada consiste en un habitáculo negro con aberturas en tres lados que hacen de ventanas o puertas, y que se mueve hacia delante o hacia atrás. Hay un gran crucifijo apoyado en un lado, que simboliza el fanatismo religioso del rey. La atmósfera es muy oscura y claustrofóbica. En cada cambio de escena cae un telón negro con un crucifijo blanco y proyectan la imagen de un monje con una calavera en sus manos.

En el primer acto, cuando dicen "regina siete", una plataforma con todo el coro y los figurantes se mueve hacia delante. El efecto es muy impresionante.

En la escena en que Eboli canta "Nei giardin del bello", las damas de la corte bailan una especie de flamenco con sus chales y sus abanicos.

En la procesión del Acto III recrean varias escenas de la Pasión, con figurantes vestidos de Jesús y María (incluso algunos de los que luego van a ser quemados).

La escena del Auto de Fe es tremenda, con una hoguera enorme (con fuego de verdad o por lo menos lo parece) en la que queman a figurantes desnudos en crucifijos ¡espectacular!.

En el acto IV hay una gran cama en el escenario para la escena de Filippo II. Al final aparece el monje, que se quita su ropa y resulta que es el Emperador y se lleva al infante.

Me gustó la manera de dirigir a los cantantes, que crean personajes apasionados y vivos. Aunque Don Carlo no para de tirarse al suelo una y otra vez.

El vestuario me gustó, parecía sacado de un cuadro de Velázquez o de Coello.

Los cantantes, sin ser perfectos, son todos bastante buenos (menos Burchuladze horroroso, que hizo el Inquisidor). De los cantantes, el que más me gustó fue Gavanelli como Rodrigo. Su muerte fue muy conmovedora, y su primer dúo con Don Carlo de lo mejor de la representación. Como Eboli, Nadja Michael sustituyó a Luciana d'Intino, empezó con una voz un poco nasal, pero luego se calentó y lo hizo bastante bien. Salminen como Filippo cantó bien su aria del acto IV. Mescheriakova bien como Elisabetta, pero su voz es bastante impersonal y no me llegó a conmover en su aria final (¡a mí quien me gusta en este papel es Karita Mattila!). Gipali cantó un Don Carlo bastante justito.

El director fue Zubin Mehta, y la orquesta esta vez sonó bien, no entiendo qué fue lo que pasó el día de Parsifal.



Y con esto se acabó el festival. Bueno, hoy hay unos Meistersinger, pero no tenemos entradas.

Es una pena que este año no fuésemos a ninguna premiere, que siempre es divertido porque van los famosetes de por aquí y también las autoridades, y hay un montón de papparazzi que le sacan fotos a todos (incluso a los no famosos), y curiosos que miran a ver quien pasa y aplauden y gritan... Vamos, glamour bávaro a porrillo...

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Es una pena que este año no fuésemos a ninguna premiere, que siempre es divertido porque van los famosetes de por aquí y también las autoridades, y hay un montón de papparazzi que le sacan fotos a todos (incluso a los no famosos), y curiosos que miran a ver quien pasa y aplauden y gritan... Vamos, glamour bávaro a porrillo...

Gracias ... a Wozzeck por tomarse el trabajo de publicarlo