Anoche llegó la inmensa y magnífica orquesta de Bayreuth al Palau de la Música de Barcelona, lleno a revisar: llegó, vio y triunfó. Nicolás Brownlee, muy bien, igualmente.
A ver qué tal por el resto del "Tour". En Sevilla quedan entradas.

KFV?

Junto a Foster; inadecuado para cantar los papeles de heldentenor; Foster le echó ganas, aunque la voz fuera temblorosa en algún momento.

Está por ver.
A mi no me han llegado comentarios tan entusiastas de algun conocido que estuvo anoche presente, salvo por el brillante sonido de orquesta y coros, así como por la deslumbrante voz de Brownlee.
Parece que KFV ( voz blanca , impropia de un Siegfried) y Foster ( voz ya bastante cascada ), decepcionantes para aquellos que “ no lo bravean todo “, es decir para wagnerianos exigentes.

¿Dónde están mis comentarios entusiastas por Vogt?

Breve. Un muy buen concierto dirigido con ganas y con más garra, cuerpo y cuidado de la que me esperaba. La orquesta estuvo sensacional. Solo la marcha de Sigfried bien ha valido la entrada.

Brownlee simplemente es otra liga, su despedida de wotan fue estratosférica. Lo he visto en tres ocasiones (y ninguna desdeñable) y aquí sencillamente fue sublime. Pelos de punta.

Hablando de pelos… a KFV no se le movía un pelo de la cantidad de laca que llevaba y a mi me provocó más o menos lo mismo: poco o ningún movimiento. Una voz elegante pero sin cuerpo.
Más o menos lo mismo podría decir de Foster, excesivamente nasal y chillada en no pocos pasajes, cuando no empujada sin piedad.

En resumen, un concierto muy disfrutable por calidad de la orquesta y por Brownlee.

Rutina Deluxe a nuestro parecer el bolo en Santander, con una orquesta en modo piloto automático, que impresiona por la calidad del sonido pero poco más. Quien puede lo más también debería poder lo menos. Tenor y soprano para el desdoro de la tradición wagneriana (¿o más bien deberíamos empezar a hablar de lejano recuerdo?).

Avisada (¡Gracias!) por el señor Tip y por un amigo de Santander, me enteré del apagón en el Maestranza durante la función, su suspensión y posterior devolución de entradas.
He leído que intentarán repetirlo en Sevilla.
Hoy, Madrid.

Palacio de Festivales de Santander. Lleno. Se notó que en la entrada de los dioses en el Walhalla se estaba en modo "prueba de la acústica". Heras-Casado le encontró la medida a la sala según avanzaba la velada, lo que provocó que los fragmentos de Sigfrido y el Ocaso tuvieran más presencia de conjunto. La orquesta impecable. Heras-Casado dirección muy atenta a la articulación y con gran impulso rítmico, menos dado a la metafísica, transparencia prístina o vuelo ensoñador. En todo caso, una buena lectura.

He leído que la Foster comenzó floja en Barcelona. En Santander comenzó el idilio de Sigfrido con una emisión segura. La vi en muy buena forma: voz tersa, nada de vibrato ni oscilación, agudos bien atacados y con seguridad, si bien en algún momento quedó tapada (en la escena de la inmolación), en una sala que no es el Festspielhaus y con un balance que, insisto, parece que se probaba sobre la marcha. En todo caso, sigo pensando que es la mejor Brunilda de la última década y lo sigue siendo. Por desgracia no tiene competencia real.

La lira era cedida a la orquesta, no era la propia de Bayreuth, y se encontraba mal afinada. Pero es un detalle menor. No sólo se usó, como prescribe la partitura, en el viaje de Sigfrido por el Rhin, sino también en los murmullos del bosque (se trataba de un arreglo que enlaza con el final del segundo acto) para hacer las intervenciones del pájaro.

Brownlee impresionante, sobre todo en unos adioses de Wotan estratosféricos. Klaus Florian Vogt en su línea, aunque muy bien actuado, caída al suelo tras lanzazo incluido en su monólogo previo a la muerte en Sigfrido. De los tres cantantes fue el más aplaudido (ojo). Al público al final lo que más le gustó fue la Cabalgata de las Valquirias, aunque personalmente creo que lo más logrado fueron los Murmullos del Bosque, donde la orquesta demostró por qué es la orquesta que es (si bien Heras-Casado es más bien prosaico y no tiene ese vuelo ensoñador y melancólico de un Thielemann, aunque los músicos se las saben todas y hacen mucho), y en una Marcha Fúnebre muy potente y con pathos.

Pues yo he disfrutado enormemente el bolo madrileño.

Estuve ayer en el Teatro Real y coincido en líneas generales con Ghiaurov. Un bolo de semilujo. Rutina de cierta calidad, pero rutina al fin y al cabo, lo cual nunca será arte.

En primer lugar hay que destacar que, lógicamente, la genuina dimensión de la orquesta del Festival de Bayreuth se aprecia en el Festpielhaus con su foso cubierto, ese sonido envolvente y esa acústica tan especial que procura un equilibrio y fusión unicos con las voces. En el Teatro Real los cantantes situados en la corbata del escenario con una enorme masa orquestal detrás penaros y se les escuchó con dificultad, particularmente al Heldencastrato.

Evidentemente, la orquesta de Bayreuth ha ofrecido un lectura "standard" de una obra que conoce como nadie asentada en una grandiosa y genuina tradición. En el podio Heras Casado, un rutinier impersonal que les exige poco o nada, que no ha tenido ensayos y que ahora dirige con batuta, la cual agita con gesto ampuloso y enérgico. Cierto que ese "standard" reúne un suelo de calidad indudable, pero sólo con sonido, sonido y sonido si matices, ni contrastes, ni detalles no se hace gran música Tampoco el sonido orquestal fue deslumbrante (Falto de aquilatamiento y transparenciia), más allá de magníficas intervenciones solistas como las maderas y la trompa (espléndidos todos en los murmullos del bosque). Y no faltaron desajustes y hasta un entrada a destiempo de la Foster en la Inmolación.
Entrada de los Dioses en el Walhalla de trazo muy grueso y sin las seis arpas exigidas. Mucho mejor los adioses de Wotan con el mejor solista y un fuego mágico en que la orquesta brilló. Brownlee deberá ir perfilando personaje, fraseo y acentos, pero será el Wotan de los próximos años. La marcha fúnebre aparatosa y enérgica atesoró cierto efecto y la inmolación rutinaria, con una coda final con el sublime tema de la redención por el amor, sin trascendencia alguna. Si escucho este pasaje y no me duele la tripa, ni se me ponen los pelos de punta. malo. No se podía dejar a la mayoría del público sin el único fragmento que conocen, por lo que regalaron la cabalgata de las Valquirias en tono "me entusiasma el olor a napalm por las mañanas".

No me voy a extender mucho sobre el Sr. Vogt que me fastidió los tres fragmentos en que apareció. Si alguien me dice hace años, que iba a escuchar a un señor con voz de seminarista y expresión de evirado como Heldentenor, no lo hubiera creido ni en una fiesta de Nochevieja bien entrada la noche.
Noté a la Foster erosionada respecto a la Isolda con Bychkov de hace dos o tres años. El repertorio que ha afrontado en su carrera es temible y, por tanto, resulta lógico. Y, desde luego, en el Real comenzó pésima, desafinada y con la voz agria y sin colocar. Fue calentando y sin poder evitar desgaste tímbrico, fue a los agudos con seguridad, alguno algo desabrido, y puso los acentos en un dúo de Sigfrido sin Sigfrido.

Coincido plenamente; estuve tanto en la función de Santander del lunes como en la de ayer en el Real, y Foster parecía ayer otra cantante. En Santander fue sorprendente la emisión casi aterciopelada, con una voz efectivamente tersa, y desde luego el do al final del dúo con Sigfrido sonó redondo, seguro y pleno. Hizo una interpretación más intimista, menos agresiva que la de Madrid. Sí que me pareció, en Santander, que en algunos momentos se reservó para poder llegar mejor a la parte final de la inmolación. Ayer en Madrid era como si la voz estuviera rebelde, un punto estridente, y quizás por ello quiso compensarlo con una mayor agresividad en los ataques, nada que ver con lo ofrecido en Santander, tan solo 3 días antes, y eso que al no cantar la función de Sevilla, la voz tendría que estar más descansada.

Concierto del 3 de septiembre de 2026.

Cada año, al terminar la temporada correspondiente del Festival de Bayreuth, su coro y su orquesta, formados con los mejores músicos de Alemania y Austria, se disuelven para que sus miembros vuelvan a sus formaciones de origen. Sus producciones tampoco suelen verse en otros teatros. Forma parte de la magia de la colina verde, el que su excelencia artística se limite entre las cuatro paredes del teatro ideado por Richard Wagner, y que gente de todo el mundo vaya año tras año a experimentarlo allí. Dadas esas circunstancias, una gira de la temporal compañía del festival podría parecer imposible. Sin embargo, ha habido ocasiones en que ello ha ocurrido. Y de esas ocasiones excepcionales, dos han tenido lugar en España.

En abril de 1955, las producciones de Parsifal, Tristán e Isolda y La Valquiria del Festival de Bayreuth y dirigidas por el nieto del maestro, Wieland Wagner, visitaron el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la capital wagneriana de nuestro país. Junto a ellas, participaron el mítico director de orquesta Joseph Keilberth (quien dirigió a la Orquesta Sinfónica de Bamberg, al no haber aún orquesta del festival en abril), el Coro del Festival dirigido por Wilhelm Pitz, y los no menos míticos artistas habituales del festival como Hans Hotter, Ramón Vinay, Martha Mödl, Ludwig Weber, Wolfgang Windgassen, Gustav Neidlinger, Gerhard Stolze, Hermann Uhde, Georgine von Milinkovic, y Gré Brouwenstijn, además de los excelentes secundarios. Cincuenta y siete años después, en septiembre de 2012, la orquesta, el coro y los elencos completos del festival de ese año, volvieron al mismo coliseo barcelonés, para interpretar El Holandés Errante, Tristán e Isolda y Lohengrin en versión concierto.

Si algo se le debe reconocer a la directora artística del festival y bisnieta del compositor, Katharina Wagner, es el intentar que la institución entre en el siglo XXI. Y entre esas reformas está, el sacar a la orquesta de gira a otras ciudades, con más frecuencia que antes. En 2021, la orquesta estuvo de gira en París, Colonia y Riga; y en los últimos años en Grafenegg, Austria. Doña Katharina ha manifestado en alguna ocasión su admiración por España: aquí escenificó Tannhäuser y Lohengrin. A finales de 2025, los wagnerianos españoles nos encontramos con una gran sorpresa: con motivo de su 150 aniversario, la Orquesta del Festival de Bayreuth haría una gira por cinco ciudades españolas: Barcelona, Santander, Sevilla, Madrid y Valencia, para interpretar una selección de El Anillo del Nibelungo una vez terminado el festival. Para el recuerdo, la fotografía de la señora Wagner y los directores artísticos de esos cinco teatros, en el castillo de Peralada.

Como no podía ser de otro modo, el Teatro Real ha albergado el concierto madrileño, fechado para el 3 de septiembre. Por primera, y esperamos que no única vez, la orquesta del festival visita la capital. Aunque, no fue el primer intento: en 1899, el empresario del teatro de entonces, el mítico Luis París, intentó traer al Festival al Real para interpretar seis ciclos del Anillo, lo que habría convertido a Madrid en la primera ciudad fuera de Bayreuth en representarlo completo y además en lengua alemana, algo raro en una época donde en España todas las óperas se cantaban en italiano. Sin saber si se lograría, la prensa se hizo eco de esta empresa, y hasta abonos sin entrada se vendieron. Wagner estaba de moda en los más refinados círculos intelectuales de la ciudad y se pensó que podría ser posible. Pero la falta de liquidez del Real y la falta de entendimiento con los agentes artísticos alemanes, dieron con el intento al traste.

Con las entradas agotadas desde hace meses (salieron a la venta en noviembre del año pasado), el evento era una cita ineludible, para wagnerianos y operófilos de la ciudad. Como ya se ha dicho antes, el programa ha constado de los fragmentos más célebres de la tetralogía. Para toda la gira, la orquesta cuenta con la dirección orquestal de Pablo Heras-Casado, habitual del repertorio wagneriano en el Real (habiéndonos dirigido el Anillo, el Holandés Errante y Los Maestros Cantores), y muy valorado en Bayreuth desde que dirigiera con éxito la producción de Parsifal que allí se ha visto entre 2023 y 2026. En 2028, Heras-Casado dirigirá la nueva producción del Anillo en el festival. Tres cantantes, muy conocidos y aplaudidos en la colina verde, interpretan algunos de los fragmentos: el tenor Klaus Florian Vogt, la soprano Catherine Foster, y el bajo-barítono Nicholas Brownlee. El programa ha sido el siguiente:

El Oro del Rin :

Entrada de los dioses al Walhalla, con el aria «Abendlich strahlt der Sonne Auge», cantado por Nicholas Brownlee.

La Valquiria:

«Ein Schwert verhieß mir der Vater», cantado por Klaus Florian Vogt.

«Leb’ wohl du kühnes herrliches Kind!», cantado por Nicholas Brownlee.

Sigfrido:

Los Murmullos del Bosque, orquestal.

«Ewig war ich…» y resto del dúo final, cantado por Catherine Foster y Klaus Florian Vogt.

El Ocaso de los dioses:

Amanecer y viaje de Siegfried por el Rin, orquestal

«Brünnhilde, heilige Braut!», cantado por Klaus Florian Vogt, y Marcha Fúnebre

«Starke Scheite schichtet mir dort…», cantado por Catherine Foster.

Bis: La Cabalgata de las Valquirias, orquestal, de La Valquiria.

Tras dejar en la calle un sol abrasador, la sala del Teatro Real recibía al espectador con los atriles vacíos, con el decorado de versión concierto iluminado con una luz cálida de tonos dorados. Al apagarse las luces, algo cada vez más común en las versiones de concierto, entraron los músicos de la orquesta, recibidos con un fuerte aplauso, y a continuación, el maestro Heras-Casado dio inicio al concierto.

Las expectativas con el concierto eran altas no solo por la singularidad del evento, sino porque esta es la mejor orquesta posible para Wagner, y acostumbrados los que no solemos viajar por razones líricas, a ver a este compositor interpretado por competentes orquestas nacionales, por fin podíamos ver esta excelencia en vivo, sin tener que viajar a Bayreuth. Ya solo por la calidad de sus instrumentos, y el desempeño de sus músicos, dichas expectativas estaban más que cumplidas. Sin embargo, en mi asiento en la séptima planta, no llega el sonido como en zonas más bajas. De hecho, cuando tuve la oportunidad de cambiar de asiento a la tribuna en la cuarta planta, la diferencia fue brutal.

La orquesta empezó con el final de el Oro del Rin, con las cuerdas iniciando la pieza con un sonido en piano, siendo respondidas por el poderosísimo metal, que interpretaba la invocación de Donner. El viento en general, es espectacular, así como la percusión. Las cuerdas dieron cuenta de su poderoso trémolo en la primera intervención del tenor. Durante los largos adioses de Wotan, las cuerdas sonaron melancólicas, íntimas, y el metal impactante como siempre. Sin embargo, en la música del fuego mágico que cierra la pieza, hay que destacar el excelente glockenspiel. Me arriesgo a decir que el mejor momento orquestal de la primera parte fueron los murmullos del bosque de Sigfrido. Las cuerdas empezaron como un susurro, ideal para esta música tan descriptiva. Aquí el lucimiento fue para la madera, tanto clarinetes como flautas fueron excelentes, y de nuevo el glockenspiel volvió a sonar maravillosamente, así como las cálidas trompas.

La segunda parte fue la que más disfruté debido a que el sonido llegaba mejor a la zona donde me había cambiado. Y fue aquí, donde por fin pude apreciar, saborear esa sonoridad tan espectacular, tan superior a lo que habitualmente escuchamos, y que era tal y como lo recordaba cuando estuve en el Festspielhaus hace dos años, viendo Tannhäuser. Esta parte estaba dedicada a El Ocaso de los Dioses. Los violonchelos en el inicio de la primera pieza sonaron aterciopelados, y la orquesta fue creciendo hasta dar una lectura juguetona, del viaje de Sigfrido por el Rin. A nivel orquestal, lo mejor estaría por llegar. Porque la interpretación de la Marcha Fúnebre fue quizá el mejor momento del concierto, la orquesta atacando con unos tutti que se metían en los huesos del espectador. Fue una interpretación memorable debido a su impactante percusión, junto al poderoso metal, precedido por unas cuerdas intensas, las cuales brillaron intensamente durante la muerte de Sigfrido, el número previo. La Inmolación de Brunilda fue también poderosa. Aun así, el segundo mejor momento de la noche vino con la única propina: la cabalgata de las valquirias, con una interpretación elecrizante de todos y cada uno de sus miembros, ovacionados con fuerza al terminar la pieza.

En cuanto a los tres solistas, hubo un claro vencedor: el bajo-barítono estadounidense Nicholas Brownlee, a quien esta gira le está reportando un triunfo personal. Su poderosa voz, que se deja oír en toda la sala, debido a su generoso volumen, superó incluso a la potente orquesta. Es una voz en su mejor momento, con un grave estupendo, unos agudos poderosos como en "so grüss ich die burg" en el final del Oro del Rin, o en las famosas palabras finales los famosos adioses en La Valquiria, y una entonación por momentos dramática, como en "der freier als ich der gott" poco antes en la misma pieza. Brownlee ha debutado el rol hace unos pocos años, y no queda duda, es el Wotan de nuestros días.

Klaus Florian Vogt, el indispensable lírico tenor del Bayreuth actual, ha tenido tres intervenciones. La primera es la potente aria "Ein schwert verhiess mir der Vater", de La Valquiria, en la que descubre la espada Nothung. Este tenor tiene una voz peculiar, con un bello timbre lírico, aunque ligero para los roles de heldentenor que canta habitualmente, sin tener esa tesitura. En vivo su voz tiene un caudal generoso, y trata de representar todos los matices que puede, dentro de lo que le permite su instrumento. Aun así, en roles como Siegmund o Siegfried, el señor Vogt da una de cal y otra de arena, porque momentos notables se alternan con otros en los que la voz suena floja. En su primera intervención le pasó, porque tras unos esforzados "Wälse, Wälse", le siguió un flojo "Wo ist dein schwert?", que dejó claro este contraste. Más juvenil y más lírico sonó en el dúo con Brunilda, especialmente con unos notables (porque me sigue faltando intensidad) "Sei mein, sei mein". Sin embargo, mejoró su intervención en la muerte de Sigfrido en la segunda parte, con una interpretación más dramática y entregada, en una aproximación más lírica de este número.

Como anécdota, las versiones de concierto muestran cada vez más ademanes de representación por parte de los solistas. Así, en el dúo de amor de Sigfrido y Brunilda, los cantantes se movían, se miraban. se abrazaban como si fuera en una función. En la muerte de Sigfrido, fue lo mismo, pero empezó de una forma que me pareció divertida: cuando la orquesta empieza atacando, y dado que representa el ataque de Hagen con su lanza a Sigfrido por la espalda, el señor Vogt lo interpretó igualmente. Y así, visto desde arriba, parecía que al pobre le había dado un repentino ataque de lumbalgia, antes de caer al suelo y representar su número.

Entre 2013 y 2025, Catherine Foster ha sido la Brunilda principal en el Festival de Bayreuth, con su voz más bien lírica (como su antecesora en Bayreuth, la también británica Anne Evans, hace más de treinta años), con un profundo conocimiento del personaje y una gran entrega. Sin embargo, aunque aún tiene esas cualidades, la voz ya presenta signos de cansancio. En su famosa aria "Ewig war ich" y en el siguiente dúo con Sigfrido, la voz por momentos parecía zozobrar, así como los agudos suenan ahora un poco más gritados. Sin embargo, en su gran momento, la Inmolación de Brunilda, estuvo mucho mejor. Su timbre lírico y su centro sonaron muy bien, y además supo transmitir el lado solemne, así como el introspectivo, de su largo monólogo. Incluso los agudos en la parte final del mismo fueron mejores.

La gira está siendo un éxito rotundo en todas sus paradas: el entusiasmo del público se une al de las críticas entusiastas de la prensa, de estos ya históricos conciertos; especialmente para la orquesta y para Brownlee. Así ha sido en Barcelona y Santander. En Sevilla habría sucedido lo mismo, de no haber sido porque un apagón en la zona del teatro, obligó a suspender el concierto a la mitad. Y en la capital no ha sido diferente de las dos primeras ciudades: después de cada número, y muy especialmente tras los adioses de Wotan, el dúo de Brunilda y Sigfrido, y la propina final, las ovaciones fueron atronadoras. Aun así, no deja de sorprenderme el hecho de que, aun colgando el cartel de no hay entradas desde hace tiempo, en la segunda mitad podían verse numerosos asientos vacíos en el patio de butacas y en la primera planta, todo un contraste con la tribuna y el paraíso, que estaban a rebosar.

Ya solo queda el concierto en Valencia, pero todos los que hemos asistido a estos conciertos, los recordaremos para siempre. Aun con sus altibajos, porque en la primera parte por momentos tenía sensación de estar frente a un bolo de lujo, pero en la segunda fue un éxtasis total. Ojalá volvieran a deleitarnos, aunque no será ni a medio plazo. Escuchar ese nivel orquestal, el mejor para Wagner, es todo un regalo; que además confirma a España en un lugar importante en el mapa wagneriano mundial.

Por cierto, debido a la enorme concurrencia wagneriana, además de forera (saludé al señor Tunner, a mi amigo Aletheia, estaba mi amigo Don Magnífico y me dijeron que Siddharta estaba por ahí), nada más entrar al teatro no dejé de saludar a gente. Y el descanso no fue tal, recorriéndome el teatro porque había mucha gente con la que comentar, y estuve pasando de una persona a otra. Se siente uno una celebridad

¿Alguien más que haya ido?

https://www.youtube.com/watch?v=3uHvRThH8Qs&t=15s

Aquí pueden escuchar el concierto completo, en Barcelona.

Bueno, pues debo decir que lo que empezó siendo un bolillo post-veraniego (con esas dos primeras intervenciones, casi testimoniales, de Brownlee y Vogt en Abendlich strahlt der Sonne Auge, de Das Rheingold, y Ein Schwert verhiess mir der Vater, de Die Walküre, respectivamente, acabó levantando el vuelo gracias a la soberbia, maravillosa, inimitable e irrepetible música de ese tiparraco llamado Richard Wagner. Principalmente porque al haber confeccionado un programa-popurrí en el que no se escucharon escenas completas, sino únicamente fragmentos concretos de las mismas, así como algún que otro dúo, ello permitió —al no intervenir las voces en tales pasajes, sino sólo la música— que disfrutásemos de la apabullante teatralidad y riqueza de la orquestación que Wagner compuso para la que, en mi opinión, es su mayor creación. Y también que apreciásemos, con mayor facilidad, la maestría, el talento y la eficacia dramática con que combinó los diferentes leitmotive creados para cada una de las situaciones, objetos y personajes. Una experiencia realmente excitante al poder escuchar esta gran obra de un modo que no suele ser el habitual (por cierto: ¿alguien sabe si existe una versión íntegra de sólo la musica del Anillo, sin voz alguna? Íntegra, repito, no me valdría la dirigida por Maazel, ni la que pergeñó Friedmann Dressler].

En cuanto a la dirección de Pablo Heras Casado, he de confesar que a mí no me pareció tan insalvable como se ha hecho ver, pues fue capaz de extraer momentos de gran intensidad musical y considerable belleza (la escena de los "murmullos del bosque", y la del "descenso por el Rin" las mejores). Mucho mejor en el último tercio de la primera parte (Siegfried) y en toda la segunda (con los números de Götterdämmerung). No obstante, creo que se le fue la mano con los decibelios más de una vez, lo cual no ayudó precisamente a los tres solistas. Ello se echó de ver, sobre todo, en parte del acompañamiento a los "adioses de Wotan" y el final de la "marcha fúnebre", en la que optó más por el estruendo que por la grandeza épica. Pero, en términos generales, y teniendo siempre en cuenta que dirigía una orquesta ganadora, que conoce este repertorio como nadie, creo que fue una labor directorial más que aseada. Y lo digo a pesar de estar recién llegado de Bayreuth, por lo que aún resuena en mi memoria tanto la extraordinaria (y sorprendente) acústica del Festspielhaus, como la excelente dirección de Thielemann, que estuvo soberbio en sus funciones de este último festival. Y algo de lo que me arrepiento: al ser un concierto, pensé que sería bueno ahorrar algo de dinerillo, de modo que saqué entradas de las más baratas (silla de anfiteatro sin visibilidad). Y resultó ser una pésima elección, pues el sonido llegaba demasiado amortiguado y con notable sequedad, muy pobre de armónicos. En fin, no había probado nunca esas localidades y, desde luego, procuraré no volver a repetir en ellas (si puedo evitarlo).

Ahora bien, lo mejor de la noche fue escuchar a Nicholas Brownlee cantando Wotan, pues esta experiencia madrileña no ha hecho más que reafirmarme en lo que ya escribí sobre el joven bajo-barítono estadounidense, tras verlo como Holandés en Bayreuth, el pasado 6 de agosto: nos hallamos ante un auténtico Heldenbariton wagneriano, de muchos quilates y con un instrumento privilegiado, por timbre, extensión, volumen y color. Una realidad que no se debía sólo (y deseaba comprobarlo aprovechando este concierto) a la ayuda que la especial acústica del teatro de la Verde Colina presta a todos los cantantes —acústica que, desde luego, no posee nuestro Teatro Real—, sino a cualidades del propio intérprete. Es cierto que el personaje de Wotan —uno de los más fascinantes de toda la literatura vocal decimonónica—, resulta complejísimo, tanto desde el punto de vista musical, como del psicológico, pues cualquiera que desee darle vida debe ser capaz de matizar y transmitir la nobleza, autoridad, astucia y resignación con que lo dotó Wagner. Y parece evidente, por lo que escuché el pasado miércoles, que Brownlee aún no termina de comunicar toda esa variedad de sentimientos, pues aunque hubo momentos bastante interesantes en su lectura de los "adioses de Wotan" (con un fraseo nitidísimo, empleo de dinámicas, etc.), aún necesita algo de rodaje y una maduración del rol que el joven estadounidense parece no poseer todavía. Pero lo que puede escucharse ahora mismo ya resulta de lo más prometedor, cuando no directamente espectacular (porque vaya cierre que se marcó, en esa misma escena, con un das Feuer nie! timbrado, voluminoso y mantenido hasta lo impensable). ¡La verdad es que se me hace la boca agua pensando en el Festival de Bayreuth de 2028! Para mí, evidentemente, como para la mayoría de los foreros que me han precedido comentando, fue el verdadero triunfador de la velada.

Klaus Florian Vogt no es, ni de lejos, el tenor adecuado para interpretar los dos héroes —padre e hijo— imaginados por Wagner en esta maravillosa epopeya: la blancura y melosidad de su voz, lo blando de la articulación y del fraseo, la falta de bruñidura en la emisión... Nada de ello invita, en principio, a disfrutar de sus prestaciones en ambos roles. Sin embargo, no cabe dudar de su inteligencia, y de que sabe explotar al máximo todo aquello que puede beneficiarle, así como de ser un intérprete que aguanta lo que le echen encima. Y no me refiero, precisamente, a este concierto —que, a la postre, fue como un paseíllo para un tenor tan experimentado como él—, pero el haber salido indemne de sus funciones en Bayreuth este verano, asumiendo el rol de todos los tenores protagonistas de la Tetralogía —acabó la parte de Siegfried más fresco que una lechuga, y dando todas las notas, aunque fuera con esa voz suya tan aniñada— a mí me sorprendió bastante, y es ejemplo más que suficiente para demostrar lo que digo. Y algo parecido —salvando las distancias—, ocurrió en este concierto madrileño: lecturas sin la energía, el vigor, la bravura y la densidad tímbrica que requieren las partes, pero bien expuestas y, sobre todo, proyectadas, de manera que no tuvo problema alguno para hacerse escuchar por encima de la densa orquestación wagneriana, incluso en el dúo cantado junto a su partener femenina.

Y es, precisamente, con Catherine Foster, que ha sido una de las más importantes sopranos wagnerianas del último decenio, con quien concluyo esta reseña: empezó el concierto con un vibrato excesivo y algo descontrolado, aunque fue mejorando a medida que avanzaba el concierto. Esperaba encontrar serias dificultades en la zona superior de la tesitura —dado el exigente repertorio que ha frecuentado Foster durante todo ese tiempo, así como algunas críticas realizadas en comentarios previos al mío—, pero lo cierto es que, una vez que el instrumento calentó y se fue asentando, la británica nos entregó pasajes de gran interés, especialmente en el extraordinario momento de la "inmolación", donde los ascensos al agudo brillaron y su implicación dramática fue grande.

Concluir la velada con una propina en forma de Walkürenritt —pieza que está bien lejos de ser una de mis preferidas de la Tetralogía— parecía algo inevitable. Y, desde luego, fue una concesión clarísima hacia el público asistente.

Y una última observación: me sorprendió bastante la excesiva frialdad por parte del concertino (Juraj Cizmarovic) hacia Heras-Casado, dado el afecto con que el director español se dirigió a él en varias ocasiones.