Fuimos con muchas reservas por la regía de Christof Loy. No estuvo tan mal. El cambio de época pasa casi desapercibido y no afecta especialmente ni a la trama ni a la letra de lo que se está cantando.
Si nos sorprendieron unos decorados muy flojitos, de un estilo de fondo de pantalla en el Teams. La música y la acción pedían mucho más en algunos momentos.
Otro dato negativo fue la caracterización del Gato, más parecía un surfero perro-flauta que un bandolero. Quizá eso enlace con el sesgo que pretende dar a los personajes, añadiendo gestos que no parece que estén en el libreto. No merecen más comentarios.
Vocalmente le daría un notable, con Borja Quiza como gran triunfador. Efectivamente, lució un auténtico chorro vocal. Me gustaría verlo como protagonista en una opera importante del repertorio. Miren Urbieta-Vega bien, también con un volumen que sorprendió en algunos momentos. Rafael Humberto Rojas, lució buena planta y no pareció incómodo con la tesitura. Muy ben en sus papeles tanto Gerardo Bullón como Manel Esteve.
Este era en principio el segundo reparto. Nos quedamos con ganas de saber como fueron los restantes. Esperamos noticias.

Acabo de llegar a casa de ver el primer reparto. Me lo he pasado bien. El primer acto, siendo honestos, se me hizo un poco largo, entre otras razones por la nula química del trío protagonista, pero el segundo y tercero los he disfrutado.

A mi si me gustó la propuesta escénica de Loy y la escenografía diseñada por Manuel La Casta. Bastante minimalista, pero con detalles muy apropiados para identificar cada espacio incluida una bastante fiel réplica de la capilla de la Plaza de Toros de la Maestranza. Lo que no me gustó fue el mucho tiempo que se pierde en los cambios de escena. No tengo problema con el vestuario, aunque en la dictadura de los regisseur pueda sorprender que un torero salga vestido de torero y no de stormtrooper de Star Wars; a mi no me disgustó el atuendo de Juanillo, aunque parecía más Leyva que Curro Jimenez.

En cuanto a las voces, escribo mi opinión personalísima, pues aun no he leído ninguna opinión experta. En resumen, me han gustado mucho más los comprimarios que los "primarios". Mientras que Manel Esteve (Padre Antón), María Rodríguez (Frasquita) y no digamos Gerardo Bullón (Hormigón) cantan y dan caracter a sus personajes como dios manda, los tres protagonistas principales son incapaces de transmitir emoción alguna, como diría mi cuñada: "tres aburriciones". Un Juanillo sin gracia, ni pasión, ni nada, ¿está David Oller para ser el principal protagonista de esa obra? Yo creo que no. Algo parecido podría decir del Macareno de Rodrigo Garull, joven, apuesto, con voz tan potente como anodina. No sé si la armenia Mané Galoyan habla bien español, pero su dicción y fraseo son, cuando menos, peculiares. No canta mal y habrá ganado el premio Operalia de zarzuela, pero a mi no me convenció; cero pasión y emoción. Esto último aplica a los tres. Me llamó mucho más la atención la voz de Carol García como Gitana, pero con su cuerpo rotundo y redondo va a tener difícil que la llamen para muchas producciones en las que parece prima más el palmito de la cantante que su voz.

En la función de ayer (viernes 12), publico especialmente parlanchín, incluso para los estándares habituales de este teatro. Al punto, que antes de empezar la segunda escena del tercer acto, Pérez Sierra se volvió al público para decir "Señores, el precio que pagan ustedes por la entrada incluye también las partes orquestales, los intermezzos,... disfrútenlos y no hablen" (mas o menos literal).

Aviso a navegantes: NO se crean la duración de la opera que viene en el programa de mano: dos partes de 60 minutos y un entreacto de 25 minutos. Es mentira. El telon no baja a las 21:55 sino a las 22:20. En la página web si han aclarado que hay un segundo descanso entre los actos segundo y tercero: Duración aproximada. Acto primero: 60 minutos. Pausa: 25 minutos. Actos segundo y tercero: 60 minutos. Pausa tras acto segundo: 15 minutos (otra pequeña mentira, esta última pausa te dicen que es de 20 minutos y acaba siendo de 25).

Ese baritono que citáis, David Oller, fue protestado y o silbado en alguna representación del reciente Werther liceistico ( cantaba el rol de Albert ).

Estuve en la función del domingo y aunque la trama y tema del toreo me interesa lo mismo que una patada en la boca, he de reconocer que el cuadro de la de Rafaelillo está muy conseguido. Me gustó mucho el trabajo de Loy, muy en su estilo blanquecino, luminoso, sencillo.

Al final de la función -que efectivamente termina media hora después de lo anunciado por el programa de mano- un señor dió unas voces pero fui incapaz de entender nada y creo que nadie le tomaba en serio.

Madrid, 14 de junio de 2026.

Noviembre de 2020. En un Madrid post-confinamiento, donde las mascarillas, los geles desinfectantes, la distancia social y los toques de queda son la nueva normalidad para la población; un director de escena alemán de fama internacional, Christof Loy, se encuentra dirigiendo la Rusalka de Dvorak en el Teatro Real de Madrid. Mientras tanto, la mayoría de grandes teatros de ópera estaban cerrados u ofreciendo streamings sin público. Era un milagro no solo que los teatros líricos españoles estuvieran abiertos, sino también que la capital española tuviera sus dos grandes coliseos musicales, el Real y la Zarzuela, ofreciendo funciones al público. En medio de ese panorama, el señor Loy asiste a una función de la clásica producción de La del Manojo de Rosas, de Sorozábal, en el teatro de la calle Jovellanos. El flechazo con nuestra lírica es inmediato. En 2024, Loy confirma en una entrevista a la revista Scherzo, que en la temporada 2025-2026 llevará a escena ¡tres! zarzuelas. Y así, al inicio de la presente temporada, y habiendo formado una compañía formada por cinco intérpretes españoles llamada Los Paladines, estrenó El Barberillo de Lavapiés en Basilea, con gran éxito, que luego recaló en Oviedo. Le siguió otra exitosa producción de Benamor en Viena, y en este mes de junio, una de las óperas españolas más importantes: El Gato Montés, de Manuel Penella, en el principal teatro de la lírica española: nuestro Teatro de la Zarzuela.

Esta famosa ópera se estrenó en 1917 en España y en 1921 se estrenó en Broadway con la participación de Concha Piquer, pero conoció en los años noventa un pequeño renacimiento de la mano de Plácido Domingo, que la grabó en disco y la representó en Estados Unidos. En 2012 y 2017, se vio en el Teatro de la Zarzuela, con la oscura producción de José Carlos Plaza. Ahora lo hace en la producción del señor Loy, conocido por sus trabajos de profundidad psicológica, en espacios tran grandes como minimalistas.

Loy no renuncia a su estilo antes mencionado, pero quizá consciente de la peculiaridad de nuestra lírica y de su público, tampoco despoja a esta obra de su carácter español. De hecho, se puede reconocer la historia sin llevarla estudiada de casa, ya que la habitual sobriedad de la obra de Loy, centrada en las emociones, la psicología de los personajes, sus conflictos; se adapta al mundo de la trama sin recurrir a decorados costumbristas. Dada la juventud de los personajes, y de sus intérpretes, la dirección de actores trabaja sus reacciones, siendo muy intensas en el primer acto, con el rencor de Juanillo, los celos y el mal genio de Rafael y la preocupación constante de Soleá. No obstante, la representación se alarga hasta casi media hora más de lo que indica el programa de mano, debido a los cambios de escena, que transcurren en pausas largas, especialmente en la segunda parte, descentrando un poco al espectador de la tensión de la obra.

El primer acto transcurre en un enorme y vacío salón, a cuya derecha hay un enorme portón que muestra un sencillo patio andaluz. El vestuario moderno, lleva a una época actual esta obra de la Sevilla decimonónica, pero su sobriedad no molesta, e incluso acentúa la sensación de estar en la España profunda. Como una premonición de su trágico destino, Soleá viste un llamativo vestido rojo. La danza de los gitanos al son de la canción de la gitana hace un bello juego de sombras gracias a la iluminación. El segundo acto muestra una habitación sobria, pero elegante, con la iluminación recreando el atardecer. Rafael viste su traje de luces y Soleá lleva un precioso vestido verde. Ambos personajes juegan amorosamente durante el famoso dúo. El segundo cuadro de dicho acto muestra el interior de la plaza de toros, con una letrero indicando la enfermería, y en la otra esquina del escenario, una enorme capilla, en cuyo interior hay una virgen. Los encargados de la enfermería bailan graciosamente durante el famoso pasodoble. Como en la obra, Soleá y Frasquita se quedan encerradas en la capilla, intentando salir como les es posible, solo para ver a un agonizante Rafael. El tercer acto, muestra en su primer cuadro de nuevo un enorme salón, totalmente blanco y vació, con unas sillas en las que Frasquita, el sacerdote, y la criada velan a Soleá, quien yace al fondo en una cámara mortuoria, vestida de blanco y totalmente cubierta. La iluminación logra aquí otro logro, ya que al ponerse tenue, acentúa la sensación de duelo por el fallecimiento de la protagonista. El último cuadro no muestra la cueva de Juanillo, sino un escenario oscurecido, con niebla y unos pocos arbustos, pero es igualmente efectivo.

José Miguel Pérez-Sierra, colaborador de Loy y director musical de su compañía Los Paladines, dirige a la Orquesta de la Comunidad de Madrid con su habitual agilidad, haciendo destacar especialmente a la cuerda, que brilló en los interludios orquestales ,los cuales no pude disfrutar del todo debido a la ausencia de educación de algunas personas a mi alrededor, especialmente una señora a la que mi amiga tuvo que recordarle que había empezado, porque seguía hablando con otra mujer, aún siendo consciente de que el teatro estaba a oscuras ya. Lástima que al final de uno de ellos, un señor bostezó de manera ruidosa, entiendo que involuntariamente. Hay que hacer una especial mención al violonchelo en el tercer acto, que estuvo magnífico. El Coro del Teatro de la Zarzuela sonó genial, adaptándose bien a la dirección actoral de Loy.

Rodrigo Garull fue un varonil y vigoroso Rafael, el torero. Su voz se deja oír y tiene un timbre dramático interesante. A nivel actoral transmite lo temperamental del personaje.

La soprano armenia Mané Galoyan cantó bien a Soleá, una voz joven y agradable, con buenos agudos e interpretación entregada, aunque estando uno sentado en una butaca donde no se podía ver los subtítulos, era a la que menos le entendía, pero esto no es su culpa.

El barítono David Oller interpretó a Juanillo, el Gato Montés, y es también habitual colaborador del señor Loy y miembro de Los Paladines. La producción convierte a su personaje en un bandido desaliñado, atormentado, peligroso y vulnerable al mismo tiempo, debido a no poder estar con Soleá. Oller logra que a nivel actoral su interpretación sea muy convincente. A nivel vocal su voz tiene un timbre ligero, al que se le echa en falta más grave teniendo en cuenta el personaje, pero por otro lado esta circunstancia le beneficia en su creación del mismo; además de tener la dicción tan clara que cuando cantaba, los subtítulos no se echan en falta.

Notables Carol García, con una deliciosa voz como la Gitana, la veterana María Rodríguez como Frasquita, la madre de Rafael, también Gerardo Bullón como un destacable Hormigón y Manel Esteve como un divertido padre Antón.

No podía dejar de preguntarme si pese al entusiasmo inicial por la aparición repentina de un nuevo embajador internacional de nuestra lírica, este resistiría el riguroso examen del público más purista, aquél que desea ver las zarzuelas y óperas españolas como las "imaginaron" los autores; y que lleva encadenando decepción tras decepción esta temporada. Pero a juzgar por los aplausos al final del público parece que no solo lo ha resistido sino que ha tenido un considerable éxito. Y eso a pesar de los constantes cuchicheos en las partes orquestales por parte del sector más maleducado del público, que se resiste a aceptar que ya no se habla en los interludios orquestales, como quizá en su época de juventud. Buen trabajo el de esta producción.

Por cierto, Plácido Domingo, gran artífice de la vuelta a los escenarios de El Gato Montés, presenció la función de ayer desde un palco y la "dirigió" con gestos de las manos según avanzaba la música.

EL Gato es una estupenda ópera y Manuel Penella un magnífico compositor, seguramente mejor que lo que él mismo se consideraba en su sencilla busca de la popularidad. La incansable estulticia filosnobista le tendrá siempre en el punto de mira. Una delicatessen como Don GIl de ALcalá y una obra con la orquestación del Gato -ese interludio previo al último cuadro, el pasodoble, los motivos de recuerdo, el colorido...y la inspiración melódica de tantos pasajes de la escritura para la voz- no pueden ser fruto de un tuercebotas.

Excelente función de El Gato Montés la del viernes 19 de junio.

El Gato Montés es un obrón. Pertenece a ese interesantísimo momento para la composición española que fue el principio del siglo XX, en el que se trató de aunar filiación popular del carácter melódico (y de la temática de las obras) con la vanguardia de la música que se hacía entonces en Europa (así Turina, Granados, Albéniz, Falla, el propio Penella). Si bien en el campo operístico ello no llegó a generar una auténtica escuela con tradición propia (por el contrario, la zarzuela siguió reinventándose y conectando con el sentir popular, al menos, hasta la guerra civil), dejó por el camino hermosísimas partituras como esta obra, riquísima en inventiva melódica, audaz en construcción armónica y capaz de dar la mayor altura a un argumento tan trágico.

Y Christoph Loy ha entendido enteramente El Gato Montés. Desde un minimalismo en el que en escena solo está lo vital, lo importante, lo que emociona, el alemán conecta El Gato Montés con la España rural de La Casa de Bernarda Alba o La Malquerida, con sus secretos ocultos tras tapias blancas y mujeres de negro. Y si en el clásico de Lorca el secreto era la mujer deshonrada por el novio de su hermana, y en el de Benavente los abusos de un padrastro sobre su hija, El Gato Montés de Loy, detalle a detalle, símbolo a símbolo (portentosa la discreta presencia de mujer que representa al destino) dota a la obra de una modernidad desconcertante alzando, como auténtica protagonista del drama, a la mujer dividida entre el amor por gratitud hacia el torero y el amor desesperado pero irrenunciable por el bandido.

El "segundo reparto" de la producción en curso en la Zarzuela traduce excelentemente el concepto. Borja Quiza, cuyo instrumento ha adquirido una gran rotundidad, es, ante todo, un actor de raza que consigue, efectivamente, que el espectador se apiade del bandolero renegado que se rebela contra su destino y su desamor. Es cierto que el exceso de entusiasmo compromete puntualmente la línea vocal, pero una función no es un disco, y el barítono gallego suda, pega, sufre, duele y emociona con su desdichado personaje. El carácter spinto del rol de Soleá "s'addice" especialmente a la fabulosa vocalidad de Miren Urbieta-Vega (vocalmente, la gran triunfadora de la noche) en este momento de su carrera, y, como he comentado, la vasca "comprende" y traduce muy bien a la gitana que desafía el ideal del amor romántico monógamo y se confiesa incapaz de resolver un triángulo amoroso llamado a la tragedia, casi una Jennifer Jones en Duelo al sol llevada a Andalucía (sensacional, en especial, su breve romanza del primer acto).

Un escalón por debajo el resto del reparto. Rafael Humberto Rojas pone intención, musicalidad y una técnica correctísima, pero su instrumento es muy ligero para el tremendo papel de Rafaelillo el Macareno. Bien los estimadísimos Manel Esteve, Gerardo Bullón y Milagros Martín en sus papeles, pero menos bien María Luisa Corbacho, que pone su mejor disposición y canta de forma muy profesional, pero un defecto muy notorio (el exagerado vibrato en el forte) compromete casi constantemente sus intervenciones. José Miguel Pérez-Sierra es capaz de activar la faceta emocional de la partitura sin perder elegancia, y muy bien el coro.

Coincido en casi todo lo expresado por Mr. Quint en su estupendo escrito. Hay que subrayar, que Penella puso música también a La Malquerida de Benavente, que fue su última Zarzuela. La pude ver hace unos años en los teatros del Canal.

Estuve ayer en la ultima función y disfruté de lo lindo.

Me animé al ver la fotos de la escenografía del segundo cuadro del segundo acto, que es con diferencia el mejor, pero en su globalidad se puede habar de una notable producción, de efectiva y bella escenografía, apropiado y detallista vestuario y bien trabajada la dirección escénica.

De música muy famosa, no la había visto nunca representada ni vista en vídeo. Tengo que decir que me parece una obra muy notable, bella y emocionante en lo musical, y con una conjunción musico teatral de alto nivel, destacando además la música meramente instrumental que ocupa buenos tramos de la obra, aunque para mí pierde algo de coherencia en su resolución final, donde, tras un liebestod a lo taurino, hay todo un acto tercero que es como un epílogo. También quizás lastrado en estas funciones por el tiempo transcurrido entre escenas, sobre todo habría que haber evitado el transcurrido entre el primer y segundo cuadro del tercero porque se pierde completamente la tensión teatral que necesariamente habría que mantener como una llama para guardar un poco de coherencia. El supuesto "liebestod" también sorprende un poco dramáticamente, ya que Soleá duda y transita entre dos amores, no parece el perfil adecuado de otras heroínas operísticas de tal fatal e inexplicable desenlace.

El segundo acto me parece una obra maestra en su totalidad, además en la representación de ayer hubo una interpretación de nivel. Creo que por sí solo merecería esta obra ser mucho más representada. Quizás está perjudicada por ser ópera y se representa menos en la Zarzuela y no se representa nunca en el Real. Debería representarse mucho más, tanto en España, como en el extranjero que seguramente tendría éxito con una producción de nivel como la de ayer. Este próximo sábado en Berlín Loy organiza una gala de Zarzuela, donde cantan algunos de los intérpretes de estos días en la Zarzuela. Espero que tenga éxito y se pueda programar próximamente por ejemplo esta ópera, que estoy convencido que sería de mucho éxito en Alemania.

La dirección musical fue de Rafael Sánchez Araña y me gustó mucho, estuvo todo perfectamente acoplado y destacó en el preludio bellísimo del tercer acto, y en el paso doble del segundo, con conjunción total con la escena. Aquí además la memoria musical no te compara con la filarmónica de Berlín, sino con las bandas de las plazas de toros, así que me sonó a gloria divina y creo más allá del chiste, que estuvo verdaderamente brillante. También el coro me pareció a gran altura.

Los cantantes en general me gustaron, aquí a veces quedan expuestos mayores defectos, pero a la buena labor ya comentada de Gerardo Bullón y Manel Esteve, me pareció muy sólido y emocionante el Rafael, el macareno de Rodrigo Garull, especialmente en ese segundo acto.

Vamos, que disfruté mucho!

Dicen que los niños y los borrachos nunca mienten. Yo habia estado el 19 de junio. Y fuimos, como a veces habiamos hecho en otras obras en la Zarzuela, con mi hija de 10 años. Cuando ha tocado aburrirse cual mono, en su sinceridad e inocencia no pueden disimularlo, y y hasta se le han cerrado los ojos. Pero el 19 ante una ópera que no es la mas conocida del mundo, estuvo todo el rato con ojos como platos, y por momentos se asustaba cuando llegaba la maxima tensión, o sacaba sonrisa cuando la escena era de corte mas comico. Y el canto, musica, y escena en todo momento ayudaba a tal positiva y como digo sincera reacción. Esto significa automaticamente que lo que han propuesto en el Teatro de la Zarzuela ha sido un trabajo estupendamente hecho, comprensible y de agrado para todos los publicos. Por supuesto, a mi tambien me gustó, y yo no estaba borracho, aclaro. Así, sí. Y esto, así, es como se conquistaría al publico joven, familiar, y novel. Luego hay quien piensa que la manera de hacerlo es justo la opuesta con proyectos como el Zarza, a base de tios y tias en pelotas, soltando groserías, palabras mal sonantes a granel, recreandose en el pis y la mierda, excusas de tinte sexual baratas y de gusto cero, y esto la gente que ya no es niña y sin haber bebido ni media cerveza, lo califican de educativo. Sí, la gente va creciendo, haciendose madura, y el abandono de su infancia, les abandona tambien de su sinceridad, y pasan al bando del enterao venido a menos, o a comprar un vuelo directo a EMAR. En EMAR no hay niños, se les considera un estorbo. En el mundo real son una bendición. Proyecto Zarza = EMAR ; Gato Montes, mundo real. Son faciles las cosas, solo hay que quitarse las gafas de pasta, ponerse zapatos en vez de chanclas, e ir a los teatros copn ganas de disfrutar en vez de aleccionar desde el atril del que copia-pega libros de instrucciones para hacerse el listillo. Yo los libros de instrucciones, me interesan para montar muebles de Ikea. El resto, van al correo de la gente de EMAR. Que libro de instrucciones se necesitó pàra el Gato Montes?. Simplemente, mostrar la entrada y pasar al aforo. Suficiente. Así lo pensaban tambien Penella y todos los grandes creadores de la lirica... bueno salvo los que tengan 17 "a-es" en su apellido, o este no sea Vaso. Tambien hay desctructores residentes en EMAR, los que en tal planeta son, obviamente, sus creadores.
Vivan las cosas bien hechas y con gusto!.