Una vez vista La pasajera, mi opinión global es que es una ópera interesante, pero que no es una obra maestra.

En primer lugar, la música. Rusia ha sido siempre una gran potencia musical. Lo fue en la etapa zarista y también en la socialista. Weimberg, al que no conocía, no es un músico genial como lo fueron Shostakóvich o Prokófiev, pero es un compositor interesante. La partitura de La pasajera me pareció muy cinematográfica. Weimberg, por lo que leo, compuso muchas bandas sonoras para películas, al igual que su maestro Shostakóvich y otros compositores soviéticos, y ese estilo eficaz de música al servicio de la narración visual (estilo Ennio Morricone si me permiten la licencia) se nota en esta ópera. Música en todo caso muy interesante, con algunos pasajes espléndidos, en especial los corales. Me gustó mucho el canto a Auschwitz que entonan los prisioneros: magnífico de verdad.

El libreto. Se encuadra dentro del género narrativo del Holocausto, género que tiene sus propios códigos y estilemas. Es un género surgido inicialmente del cine (con algunas obras maestras como las firmadas por Spielberg o por Polanski), con proyección también sobre la literatura con muchas novelas de desigual calidad y que ahora vemos reflejado en una ópera.

Sin embargo, respecto del tratamiento clásico de la persecución de los judíos, en esta ocasión estamos ante una obra que pone el foco en la falta de desnazificación que se dio en la RFA. Realmente, La pasajera rezuma ideología soviética por todas partes en su ataque inmisericorde al “bloque occidental”, y su conclusión es que los responsables del exterminio de judíos gozaban de buena salud en la RFA a la altura de los años 60 del pasado siglo y no tenían ni pizca de remordimientos.

La exguardiana de Auschwitz afirma que cumplió con su deber, que ella es una alemana honorable y que lo único que desea es ser la más guapa en el baile que darán en el barco en el que viaja a Brasil. Tiene remordimientos cero, lo que quiere es que no aparezca ninguna superviviente del campo de concentración a amargarle la fiesta.
En cuanto a su marido, que es un diplomático de la RFA, es decir, un cargo oficial, al enterarse del pasado de su mujer lo único que le preocupa es que eso pueda afectar a su carrera, y se le ve muy capaz de arrojar por la borda del barco a la pasajera y fin del problema.

En definitiva, esta ópera muestra la brutalidad de Auschwitz pero no como un fin en sí mismo, sino para acusar al bloque occidental y en concreto a la RFA por no haber asumido ni depurado su responsabilidad en el exterminio de la población judía.

Finalmente, el Teatro Real estrena esta obra no sólo por su interés musical (que lo tiene) sino para que “no olvidemos el Holocausto”. No entiendo tanta preocupación, porque este género goza de una notable vitalidad. Una película sobre el exterminio de los judíos acaba de ganar el premio Óscar (La zona de interés) y se anuncia el inminente estreno de otra película sobre los judíos y los nazis (Los niños de Winton). De modo que la industria del cine sigue apostando por este tema.

A mí, personalmente, me satura y no estaría de más que nos hablaran de otros exterminios en la historia de la humanidad (la lista de ellos es larga), pero a fecha de hoy es lo que hay.

Saludos

Recién llegado del Real, poco añadiré a las extensas y loatorias crónicas de mis antecesores.
He salido del Teatro Real, como dirían los british, con “ butterflies “ en el estómago y espero relajarme esta noche que mañana tengo trabajo.
No solo la partitura de Weinberg, todo lo demás , lo visual con toda la crudeza del relato, las ideas, la concertación de la excelente directora lituana y la más que solidez labor del Cast vocal, ha hecho que quedara casi extasiado con esa PASAJERA. Gran especáctulo y más que completo, en el mejor de los sentidos.

Quiero tratar de hablar con mucha prudencia. Vi ayer LA PASAJERA. Es una ópera interesante, bien servida, no me arrepiento de haberla visto; pero en ningún momento siento estar ante el acontecimiento histórico que nos están remarcando casi todos. ¿Por encima de la media de lo que se ve hoy? Sin duda. ¿Volvería a verla? Lo dudo. ¿La recordaré en cinco años? Casi con toda seguridad, no.
Vamos por partes. El montaje hiperrealista de Poutney es muy vistoso, pero te enseña demasiado pronto todo su aparataje y entonces el primer impacto no resiste las tres horas de función. Se limita a contar la historia, sin ningún tipo de doblez ni reinterpretación, ni entrar en la psique de los personajes. Eso que lleva en la cabeza Marta en el barco (¿es un velo? ¿una bolsa?) me pareció un recurso muy cutre: si hay que taparle la cara, quizá hubiese bastado con una pamela. Además, en un mundo de mujeres, el montaje pierde ocasión de sugerir esas pulsiones homoeróticas que sin duda surgirían entre las reclusas; o incluso entre Marta y la protagonista: el lenguaje literal le resta fuerza dramática. Ah, otra cosa: floja la dirección de actores. Con la de mamporrazos que se reparten a diestro y siniestro; a varios metros de distancia se ve que no se da ni el más mínimo golpe... Un poquito más de realismo.
Más cosas. La obra es, bajo cualquier punto de vista, muy larga para lo que tiene que decir. Se hace morosa en las primeras escenas, reiterativa en las centrales y el epílogo moralizante no aporta gran cosa. Después, el libreto es muy flojo en plan Holocausto para Dummies. Imposible emocionarse cuando nos han contado la historia mil veces y nos la han contado mejor. Esta narración pone el foco en cosas que, como ya ha dicho otro forero...

Comparto cada idea: partimos de que el conflicto viene de que una neopija que se casa con un diplomático quiere guardar su mierda bajo la alfombra, y el marido le dice que por supuesto; que lo importante es que su carrera no se vaya al garete. Ni ella se arrepiente (porque hizo lo que tenía que hacer, porque los judíos eran muy malos y nos odiaban, tócate las narices: ¿cómo no te iban a odiar hija de la gran p^^a? Vaya ejercicio de blanqueamiento) ni hay ningún tipo de juicio crítico por parte del marido, para el que todo está bien con tal de que eso no se sepa: la historia está sustentada en dos personajes tremendamente hipócritas; y en un relato en que el tufillo soviético asoma constantemente: se nota quién y para quién la ha escrito. Y esto, en un tema del que se ha escrito tanto y tan bien, me parece imperdonable. ¿Que esto se escribió antes que todo lo que vino después? Seguramente; pero a fecha 2024 creo que el relato es caduco, tendencioso y ha envejecido mal.
Contra esto, tenemos las escenas en el campo de concentración: con buenos que son muy buenos y rezan a Dios para salir de ahí y alemanes muy malos que gritan mucho y ponen cara de llevar cinco años sin follar... Esto está muy visto. ¿Personajes con dudas, con recorrido, qué tal? No esperen encontrarlos aquí.
La partitura, interesante; aunque le sobre metraje. Cuida las líneas de canto (esto es un valor) y posee toda una serie de citas literales (a Schubert, a Britten, a Bach, a Tchaikovsky, a Shostakovich, a Piaf y a saber cuántas no habré localizado...). El tratamiento del coro masculino (que no entiendo por qué canta en castellano) es discutible; pero tiene momentos como la escritura exigente del personaje de Marta, el dúo con Tadeusz, las escenas corales de las presas (para mí, sin duda, lo mejor de la partitura) los intermezzi orquestales donde asoma el mejor Shostakovich, el estremecedor solo a capella de una de ellas: tiene narices que el número vocal de mayor interés le corresponda a una secundaria; pero así es. Pero hay varios momentos en los que la cosa se estanca, y ya digo que mi sensación es que de aquí y de allá se le podría cortar media hora y lo soportaríamos.
El elenco, francamente bueno en una ópera muy coral. Muy destacable Amanda Majeski como Marta, en una parte no larga pero sí muy exigente en la escritura que sacó sin sudar. También muestra muy buen instrumento el Tadeusz de Gyula Orendt, nuevamente en una parte breve pero exigente. A reseñar también todas las presas, en partes breves pero muy expuestas, donde no falló ni una: Anna Gorbachova, Lydia Vinyes-Curtis, Marta Fontanals-Simmons, Nadhezda Karyazina, Olivia Doray, Helen Field y Liuba Sokolova. Dentro de todo, la Lisa de Daveda Karanas tiene un papel más largo pero menos lucido; que la cantante defiende con una voz sana pero de menor impacto tímbrico. Nikolai Shukoff es un lujo en un papel que no tiene ni demasiado desarrollo ni demasiado interés musical.
Muy estimable labor de Mirga Grazynite-Tyla al frente de la orquesta del teatro: concierta bien una obra difícil y hace que esta orquesta que suele tener un rendimiento tan desigual mantenga un desempeño sólido. Directora a seguir.
Lo dicho: una obra interesante que no me arrepiento de haber visto, pero desigual pese a sus momentos de interés. Ni el relato conmueve ni mueve a la reflexión ni me quedan ganas de darle una nueva escucha. Y eso que todos los elementos puestos al servicio de la representación son de primer, primer nivel. Pero qué quieren que les diga: disfruté mucho más de Lear de Reimann hace un mes y medio: de la obra y del montaje.
Así y todo, qué espléndido tramo de temporada está regalando el Teatro Real: Lear, Pierrot Lunaire, La pasajera, La voix Humaine, Erwartung y Die Meistersinger todas seguidas. Ópera de la buena, de la intelectual; de la que quizá no sea accesible más que para los paladares más exigentes; sin rastro del sotacaballorey que prima las melodías por encima de la acción dramática y la fuerza de la palabra. Nunca pensé que algo así podría llegar a verse en Madrid. Estoy viniendo a todas (no creo que viniese por una Traviata, por un Elisir o por una Lucia) y estoy sumando títulos como un cabrón. Así da gusto

Se te ha olvidado otro de los puntos fuertes de la temporada: el entremés monologuista almodovariano Silencio.

Salvo por lo de "cabrón", yo creo que la crónica de Gruberoviano la ha escrito, realmente, Zacarías...

Lo que necesita el talludito aficionado galaico es una lectura comprensiva de Opera para dummies.

Salí maravillado de la función de anoche, y eso que mis amigos me habían advertido de que iba a ser una gran noche de ópera. No quise escuchar nada más ni leer nada, así que lo siento si me repito.

La ópera en sí es magnífica con una música que incluye desde Bach al siglo XX. Lo que más me impactó fue la abrumadora puesta en escena e inmensa dirección de actores. Una propuesta que opone lo onírico (todo el momento del barco, que ni siquiera sabemos si es real o un mal sueño de una mala conciencia a destiempo) y el por desgracia demasiado real mundo del campo de concentración. El libreto tiene alguna morosidad en este último, alargándose quizás más de la cuenta en detalles emotivos, pero que no añaden más drama, porque esas escenas de raccontos varios subrayadas solo por el sottovoce de las cuerdas serían más que suficientes para sumirnos en meditación en intentar entender en la medida en que podamos el sufrimimiento que se nos está narrando.

Los cantantes que más me impresionaron fueron, en este orden, Daveda Karanas, Gyula Orendt, y Amanda Majeski.

De la primera solo puedo decir que bordó un personaje lleno de ángulos, que consigue casi confundirte en el vano intento de ocultar su maldad (definitivamente perdido cuando, se alivia con la autorreflexión “nadie salió jamás con vida del pabellón de la muerte”). Espectacular su crescendo dramático en la confesión a Walter, hasta su parodia lavamanos de Lady Macbeth. Por cierto que en el momento en que canta “Fort, Gespenster der Vergangenheit!!” (Fuera, fantasmas del pasado), la orquesta toca un acorde fuera de lugar, que viene de otro sitio, casi verdiano, y al menos en mi cabeza se presentó sin invitarlo el Macbeth de Verdi. Espléndida de voz, redonda con algún pase de vibrato que otro, proyectada y de bello timbre, quizás incluso demasiado para el personaje. Su gestualidad subraya continuamente de las formas más sutiles su su doblez moral, su incapacidad de empatizar (son los presos los que no empatizaban con ella!!!).Grandísima actuación.

Gyula Orendt, magnífico igualmente de voz, me gustó por el aplomo y la serenidad que imprime a su personaje, alguien que es totalmente consciente de lo que le espera, y sin embargo, acepta con naturalidad y sin renunciar a los ínfimos momentos de felicidad que se le presentan, lo que el futuro inmediato le depara. Y nos lo hace ver, y casi somos felices con él esos pocos instantes. A mi eso me transmitió.

Estupenda en toda su actuación Majeski, pero me transmitió un poco menos un personaje de verdad. Quizás es así en el libreto, quizás ella es el cordero degollado que no ofrece ninguna resistencia y que redime. Me hubiera gustado una gestualidad algo más animosa, al menos en esa bella balada en la que describe su propia muerte de forma luminosa, o en la escena de cumpleaños. De voz se quedó algo corta en diversos momentos y tuvo alguna tirantez en la zona aguda. Cantó muy bien esa plegaria final, ya metida en la piel de la libretista y ex-presa Zofia Posmysz, colofón dramáticamente muy bello para terminar la ópera pero poco inspirado musicalmente.

Muy bien el Walter de Nikolai Shukoff, aunque su indignación tras la confesión de Lisa no me acabó de convencer. La voz está, la proyección también, yo hubiera deseado un poco más de convicción. Pero ciertamente, y hay que decirlo a su favor, el único momento del libreto que a mi me rechinó fue precisamente ése: poco creíble que tras 15 años de matrimonio no hayas sospechado, ni te hayas olido nada, ni haya habido ningún evento que provocase la caída del velo. Difícil hacerse con esa dramaturgia.

Espléndidas las prisioneras, reflejando cada una una personalidad diversa, estupendas de voz y de actuación, incluido el momento electrizante en que cantan de espaldas. Asimismo el coro, en sus pocas pero tremendas intervenciones, siempre en una emisión mezzavoce tenuta de gran dramatismo y maravillosamente ejecutada.

Un diez para la jovencísima directora polaca Mirga Grazinyte-Tyla. Hacerse con esa infinidad de músicas de todo tipo, desde congas a valses infernales, canciones infantiles, Bach, pasando por momentos de profundísima reflexión que requieren un control absoluto del ritmo, de que los planos musicales no caigan uno sobre otro ocasionado un cataclismo sonoro inaudible, es ya un gran mérito. Era magnético ver cómo daba las entradas a Lisa (hasta 3 veces en un compás endiablado) sin quitar la vista de la orquesta.

Definitivamente esta orquesta se está especializando en ópera mal llamada “contemporánea”, puesto que ya no lo es. No puede ser casual que lo mejor que hayamos escuchado en estos últimos años sea precisamente, música del siglo XX. Y estoy descubriendo que la sección de percusión es un activo que ya quisieran para sí muchos grandes teatros.

El montaje de Pountney me pareció nada menos que sensacional. Todo funciona a la perfección, empezando por una iluminación asombrosa, más irreal en el crucero, para mi subrayando su carácter onírico, y mucho más cruda y descarnada en el campo, con unos detalles casi cinematográficos, como la entrada de Lisa por una puerta al fondo cuando los amantes están reunidos, o esa escena prodigiosa, iluminada con focos como si fuera realmente un plató de filmación, en la que las dos protagonistas unen los dos mundos bajando la escalera del barco hasta el concierto en el infierno. Teatro del bueno.

El movimiento de las plataformas, tan pensado y donde por fin he visto una ópera que saque partido del suelo giratorio sin que llegue a resultar cansino), el coro, presente pero discreto. No me gustaron las patadas en el suelo que dan las presas cuando se retiran hacia atrás después del concierto. Exageradas y mal ejecutadas, te sacan por un momento del dramatismo del momento; a mi me vinieron a la cabeza por unos segundos aquellas convulsionas horrorosas de las “prisioneras del amor” del Rigoletto. Detestable coincidencia. Y por cierto que , en la versión original, me parece que dan pasos más discretos y no patadas.

Habrá quien piense que es una tontería, pero el uso de materiales de primera calidad es parte del éxito de una producción. Los ropajes de las presas, las mantas , los herrajes que sujetaban el armazón de las literas, las zancas de la escalera del barco, el ensamblaje con tornillos de las secciones elipsoidales de la chimenea, el pasamanos de la barandilla donde hasta los tensores de los cables eran de verdad, o lo parecían….Todo pensado al detalle y subrayado, como ya he dicho, por una iluminación magistral.

El bellísimo epílogo donde la autora nos pide que no nos olvidemos, porque entonces non existiremos como humanos, se queda un poco cojitranco por la poca inspiración de la música.

Peccata minuta. Una de las mejores producciones nunca vistas en el TR.
Nunca he visto tantos alemanes asistiendo a una función en Madrid, parecía el mundo al revés.

Ojalá sigamos así, pasito a pasito.

Una corrección mínima al amigo Zerbinetto.
La concertadora Mirga, no es polaca, sino lituana.

Pues gracias por la corrección, no lo sabía

¿Y su crónica, señor Tucker? La fetén, no los titulares que nos ha dejado.

Ya comenté mi adhesión a la gran mayoría de comentarios loatorios . En este caso, no he querido ser reitarativo.
Simplemente destacar en mi opinión y en la parte musical, la excelente concertación y el dominio de esta difícil partitura, por parte de la directora lituana Mirga Grazinyte - Tyla

En Youtube se puede encontrar la Sinfonía nº21 de Weinberg, llamada Kaddish, dirigida por Mirga Gražinytė-Tyla, quien al parecer es una experta en la obra de este autor. En el movimiento final se la puede oír en el solo de soprano que solo vocaliza.

Tengo ese espléndido libro desde hace más de 20 años. No es broma: es un libro espléndido.

Función del 24 de marzo de 2024.

Mieczysław Weinberg fue un compositor polaco que desarrolló su carrera en la Unión Soviética, y hasta hace no mucho, era poco conocido, frente a su gran colega y amigo Shostakóvich. Weinberg era judío, y tuvo que huir de su Polonia natal cuando los nazis invadieron su país, y tuvo que ir a la Unión Soviética. Pero cuando los nazis entraron en Bielorrusia, tuvo que exiliarse a Tashkent, Uzbekistán, donde se casó y conoció a Shostakóvich. Una gran parte de su familia pereció en el Holocausto. Sin embargo, su mala suerte no acabó allí. En 1953, puesto que fue detenido por ser un "burgués judío", encarcelado en la terrible prisión de Lubiánka, y su tío fue víctima del complot de los médicos, una de las persecuciones contra los judíos que tuvo lugar en la dictadura de Stalin en los años despúes de la Segunda Guerra Mundial. Al poco de morir el tirano, la intervención de Shostakovich le salvó. La amistad de ambos compositores influyó en el interés que este último mostró por temas judíos en su obra, además de que admiraba la primera sinfonía de Weinberg. Los años 60 fueron sus años de mayor gloria, en los cuales su actividad incrementó, recibiendo la condecoración de Artista del Pueblo de la RSFSR en 1971. Durante estos años, compuso una ópera llamada "La Pasajera", sobre el encuentro de una guardiana nazi y una prisionera en un crucero, basada en la novela de Zofia Posmysz, periodista que fue prisionera en Auschwitz. Estaba programada para su estreno en el Teatro Bolshoi de Moscú en 1968, pero no pudo ser estrenada hasta 2006, cuando el compositor llevaba ya diez años muerto. Sin embargo, la presentación internacional de esta obra, en su primer estreno escénico, fue en el Festival de Bregenz en 2010, bajo la dirección de Teodor Currentzis y con la puesta en escena de David Pountney, un montaje que fue inmortalizado en DVD y se ha visto en muchos teatros, y que ahora recala en el Teatro Real. En 2020, estaba previsto su estreno en la capital, pero la pandemia del Covid-19 pospuso este estreno.

No cabe duda de que estamos ante una obra maestra, una de las óperas más interesantes de la segunda mitad del siglo XX. Por un lado, el tema que trata golpea aún a las sociedades occidentales, por otro, la dura y descriptiva música que no puede disfrutarse separada de lo que ocurre en escena, que en la segunda parte es más lírica y musicalmente más bella. Esta ópera tiene la peculiaridad de estar cantada en varios idiomas. Incluso, en una rara práctica en estos días, el coro canta su parte en español. Dado que los presos de Auschwitz procedían de todo el continente europeo, no deja de tener sentido que canten sus partes en varios idiomas, así escuchamos además del alemán, el yidis, el ruso, el polaco, el francés y el inglés en las escenas en la cubierta del barco. En los años 60, los alemanes no habían enfrentado todavía su pasado nazi. Es más, nadie hablaba de él, y si comenzaron a hacerlo en esta misma época fue debido a eventos como el juicio de Adolf Eichmann, los juicios de Auschwitz celebrados en Frankfurt, la deportación de Estados Unidos de Hermine Braunsteiner o la publicación de las memorias de la ex joven hitleriana Melita Maschmann. Mucha gente con las manos manchadas de sangre vivía perfectamente integrada en la sociedad, siendo los menos interesados en remover en el pasado, y eso es algo que la URSS usaba para criticar a Alemania Occidental, y el tema principal de esta ópera.

De ahí que el personaje de Lisa, la guardiana de las SS, quizá sea más interesante que el de Marta, la prisionera. Lise representa a una sociedad a la que los nazis habían despojado de cualquier atisbo de alma y en la que habían educado en el más absoluto odio. Y tras la derrota del régimen, hicieron borrón y cuenta nueva, excusándose en que no lo sabían, o que cumplían órdenes, o incluso algunos sostenían que se defendían de los muchos "enemigos" que Alemania tenía. No eran monstruos por si mismos, sino que terminaron haciendo cosas monstruosas que les facilitó el régimen. Marta en cambio significa la resistencia, la resiliencia, y la suficiente fuerza para mirar a la cara a la cruel Lisa. Se ha señalado la lentitud de la obra, al perderse la trama en los personajes, desde los tres oficiales de las SS que llenan de odio todo el escenario hasta las pobres prisioneras, procedentes de toda Europa, que rezan, hacen planes de futuro, cuando el público sabe que no van a sobrevivir, y que finalmente, son enviadas a la cámara de gas.


El montaje de Pountney es convencional, clásico para esta obra y el tema que trata. Hay una única plataforma escénica que en la parte superior muestra la cubierta de un barco, mientras que en el nivel inferior se ven las instalaciones de un campo de concentración nazi, en este caso Auschwitz. Las vías del tren rodean en círculo toda la parte inferior del escenario. Unos vagones de mercancías, en los que transportaban a los presos allí, hacen de cambio de escena. Sobre una de ellas, el coro masculino se sitúa, vestido de negro. Sobre otra, está la habitación de Lisa en el crucero. En el interior de ese mismo vagón se ven las barracas donde duermen las presas, y en sucesivos cambios de escena se ven los talleres de trabajo y los hornos crematorios.

La maestra lituana Mirga Gražinytè-Tyla, especializada en la música de Weinberg, dirige a la Orquesta del Teatro Real, en una interpretación de alto nivel. Llama la atención la destacada presencia de la percusión en esta obra, con tres xilófonos, y una celesta, además de los tambores que abren la obra. El viento tiene también una importante presencia. Aún así, dado que la música es más bella en la segunda parte, la orquesta se luce más en ella que en la primera. Los interludios son dirigidos con mucha fuerza y son lo más espectacular. El Coro del Teatro Real canta en español, como ya se dijo antes, erigiéndose en la voz de la conciencia que no tiene idiomas. El coro masculino suena la mayor parte del tiempo apianando, sonando ominoso, como si estuviese en la mente de Lisa, y en la del público. En la escena final es cuando, los coros masculino y femenino cantan con su habitual vigor, en un momento de mucha fuerza.

La soprano Amanda Majeski interpretó a Marta, la prisionera. La voz es bella, aunque el agudo a veces es estridente, pero está entregada a la interpretación y resulta conmovedora en su monólogo final.

Daveda Karanas interpretó a Lisa, la nazi que lucha ocultar su sangriento pasado y disfrutar de la vida. Esta mezzosoprano está igualmente entregada a la interpretación y al montaje, pero aún teniendo una bella voz, sentí que le faltaba algo de presencia.

El tenor Nikolai Schukoff como el embajador alemán en Brasil y marido de Lisa fue una de las sorpresas de la noche, con una voz aún en forma y que se hizo oír en toda la sala.

Gyula Orendt fue Tadeusz, el prometido de Marta. Este barítono húngaro también estuvo a un buen nivel vocal y actoral. En la escena en la que interpreta el violín antes de ser asesinado, fue doblado por el violinista Stephen Waarts.

De las prisoneras, todas estuvieron entregadas, pero podríamos destacar a la soprano Anna Gorbachyova-Ogilvie, en el rol de la prisionera Katja, protagonizó uno de los momentos más emotivos, cantando una canción a cappella. Igualmente destacó Olivia Doray, la pobre Yvette, que hace planes para volver a Dijon pero acaba seleccionada a la cámara de gas, con una dulce voz de soprano de coloratura. El tenor y los dos barítonos que interpretaron a los perversos oficiales de las SS, también cumplieron muy bien con su cometido.

Muchos de los que han asistido al Teatro Real han hablado de esta ópera en redes sociales. De su excelente mezcla de música y drama, y han salido sobrecogidos por su historia. La prensa igualmente se ha hecho eco de sus virtudes. Pero independientemente de todo ello, esta obra es más necesaria que nunca. Este mensaje nunca estará manido ni aburrirá a nadie.

Se edita para no alterar la convivencia en el foro, pero el autor de este post mantiene las mismas ideas anteriormente mencionadas, y que siguen manifiestas en su blog.

Las ovaciones otorgadas al elenco y los comentarios en las redes sociales del Teatro Real sugieren que estamos posiblemente ante el gran éxito de esta temporada.

Don Angel Parsifal, aquí venimos a hablar de música, no de política, pero usted insiste en que las redes sociales están infestadas de antisemitismo.

Mire, hoy mismo el Consejo de Seguridad de la ONU ha pedido un alto el fuego en Gaza, y el Gobierno de Israel ha dicho que no, que nada de alto el fuego.

Esto ni quita ni pone méritos o deméritos artísticos a La pasajera, pero ya vale de sacar a los malvados antisemitas a pasear para defender a un título operístico.