Hubo un tiempo, en la historia reciente del Teatro Real, en que Norma era una auténtica rareza. Y no es para menos, debido a que una ópera considerada como "catedral del bel canto" demanda unos artistas que son poco menos que animales operísticos, capaces de lidiar con la difícil partitura, especialmente los tres protagonistas del triángulo amoroso que presenta. Esa ausencia habitual terminó en 2010 con dos funciones en versión concierto, pero su consagración en el nuevo Real tuvo lugar en 2016 con una gran producción, procedente de Valencia, con muchos repartos, entre los que destacaban nombres como Gregory Kunde y Mariella Devia, quien cantó una única y gloriosa función. Cinco años después de esas gloriosas funciones, el Real vuelve a montar esta gloriosa ópera en una nueva producción propia.
Para acercar la obra a un público joven, la semana pasada, la prensa anunció el reparto de más de mil localidades para asistir al preestreno, es decir el último ensayo general, a menores de 35 años. Como resultado, el domingo había una alta concurrencia de jóvenes, y en algunas zonas, quizá más de la que me gustaría.

Y de esta función hablará esta crítica, si bien no puede equipararse a cualquiera que provenga de las verdaderas representaciones al público. Se espera que todo mejore según estas vayan transcurriendo, pues los repartos son de nivel.

La puesta en escena está dirigida por Justin Way, director de producción del teatro. La producción posiblemente guste a los amantes de las "escenografías clásicas", aunque si bien vuelve el cartón piedra al Real después de una larguísima ausencia, no es exactamente así. Way recurre a la idea de teatro dentro del teatro, llevando la acción a la época del propio Bellini, en plena ocupación austríaca de Italia; donde en un teatro decrépito se ensaya una producción de Norma. En esta ambientación, Pollione es un oficial austríaco, quien mantiene un idilio con Norma, la primadonna, y con Adalgisa, una joven cantante. En la primera escena se ve un bellísimo decorado (a cargo del escenógrafo Charles Edwards) de un bosque, con la luna llena de fondo, los árboles y un vestuario ambientado en la Galia del siglo I a.C. Uno se pregunta si así se representaría cuando la Grisi cantó esta ópera en el mismo Teatro Real allá por la década de 1860. En el segundo cuadro vemos los camerinos del mismo teatro, donde Clotilde atiende a los hijos de Norma mientas ésta canta en el escenario. Hay que decir que durante el cambio de escena se veía a los operarios del teatro cambiar los decorados a la vista de todos.

En el segundo acto, toda la acción, tanto la que pasa dentro, como fuera del teatro en esta visión que Way nos propone, transcurre en escena: El escenario y las candilejas están siempre presentes. La primera escena es una especie de cueva de cartón piedra, donde duermen los hijos de Norma. Sin embargo, aquí se confunden realidad y ficción, ya que Norma aparece vestida de sacerdotisa en todo el acto. La primera aparición del coro en este segundo acto tiene lugar en el ensayo, con Oroveso ahora vestido con un traje decimonónico, así como el personal del teatro. Cuando Norma toca el gong para invocar a la guerra, el coro enarbola una pancarta, con los colores de la bandera italiana y las palabras " Unione, Forza, Libertà". La última escena retoma la representación de la ópera, con el bosque, y todos (salvo Pollione) vestidos como galos, pero al final el decorado se levanta y muestra una calle ardiendo en llamas, hacia la que se dirigen Norma y Pollione, en lugar de a la hoguera. El vestuario de Sue Willmington para Norma es uno de los logros, con un precioso vestido azul en el primer acto, y otro rojo intenso en el segundo.

Marco Armiliato dirige a la orquesta del Real, en sustitución del previsto Maurizio Benini. La orquesta parecía estar agitando los tempi y el volumen en el primer acto, con una interpretación pasada de decibelios en el preludio, aunque iba a mejor con el transcurso de la obra, especialmente a partir del segundo acto, con una bella interpretación del preludio, y de las cuerdas en la escena final. El Coro (que llevaba mascarilla), sigue en su línea habitual, también reservándose para el segundo acto, con una pronunciación sobrecogedora de la línea "Squilla il bronzo del Dio", así como excelente su interpretación del Guerra, Guerra y de la escena final.

El tremendo rol de Norma, por el que muchas primadonnas han pasado, como Maria Callas, Joan Sutherland, Montserrat Caballé o Leyla Gencer, y que exige un temperamento musical y escénico para soportar la intensidad del personaje; recae en la soprano española Yolanda Auyanet. Tras su exitoso Pirata de 2019 en este escenario, regresa al Real en este titánico personaje. Posiblemente, al tratarse de un ensayo, y como harían varios de sus compañeros de reparto, la soprano se reservó para el segundo acto. En el Casta Diva empezó algo reservada, con un tono oscuro, solemne. En el dúo con Adalgisa sorprendió con unos agudos imponentes. En el segundo acto la voz indudablemente entró en calor, con un lirismo, un agudo esta vez bello y una gran interpretación en la escena en la que intenta matar a sus hijos, y en aumento desde entonces: el segundo dúo con Adalgisa fue muy emotivo. En la célebre línea "Guerra, strage, sterminio" transmitió la ira de Norma de manera sobrecogedora, de hecho los graves en este acto fueron en esa línea. La escena final Deh, non volerli vittime fue conmovedora, cantada con una ternura y un agudo exquisito, sensiblemente proyectada la voz.

Michael Spyres es Pollione. Un rol difícil, sin duda alguna, si bien este tenor es una primera figura. Al igual que Auyanet, en el primer acto estuvo reservado, especialmente en el Meco all'altar, aunque ya desde el Va, Crudele al dio spietato mejoró. Lo sorprendente en este cantante es su registro grave, muchas veces rayano en lo baritonal, como el baritenor que también es.

La Adalgisa de Clementine Margaine impresionó a todos los presentes, siendo una agradabilísima sorpresa. Con un volumen tan grande que corría por toda la sala, una proyección firme y un aterciopelado timbre contraltado, la mezzosoprano francesa se impuso a sus compañeros, con una voz que se sobrepasaba a las de sus compañeros y a la orquesta, metiéndose al público en el bolsillo. En el Mira, o Norma cantó exquisita y conmovedoramente. Al final se llevó una gran ovación.

Roberto Tagliavini vuelve al Real con un Oroveso, que igual que sus otros compañeros, se reservó para el segundo acto, si bien estando un tanto destemplado en el Ite sul colle, en el Ah, del tebro del segundo acto volvió a su habitual gran nivel, con un canto noble y su genial grave. Igualmente estuvo convincente en la gran escena final.

Fabián Lara tiene una buena voz para Flavio, a veces más sonora que la de Spyres. Berna Perles fue una correcta Clotilde, aunque en el segundo acto se apreció mejor su timbre más bien oscuro.

La presencia de los más jóvenes, hacía palpable una atmósfera de entusiasmo, que resultó en una ovación para los intérpretes. Los silbidos y las úes de los conciertos de pop sustituyeron a los bravos tradicionales de las funciones de ópera. Esperemos que las representaciones sigan recibiendo calurosamente a la sacerdotisa.

No me extraña lo de Fabián Lara (procedente del Centro de Perfeccionamiento Plácido Domingo).
En Les Arts hizo un Mensajero de "Aida" con mejor voz que el Radamés de turno.

Clementine Margaine, es de las mezzos más solventes de la actualidad. Voz poderosa y homogénea, exhibe la francesa

Norma del día 18 de marzo, con mezcla de los dos repartos.

Debe ser porque andamos cerca de San José, que lo que vimos ayer fue una Norma bastante fallera: Fuego y mucho ruido.
Sólo faltó la mascletá y la banda de muro de Alcoy.

Porque al señor Armiliato le dio por meter decibelios y mucha bulla. Y claro, los cantantes se contagiaron y aquello fue un estruendo.
Que muy bien, que mejor eso que tener un cast de los de sacar la trompetilla para poder oírlos, pero vamos, que el primer acto fue excesivamente atronador desde la obertura. Afortunadamente en los pasajes menos guerreros la orquesta se tranquilizó y salió la capacidad concertante del director, acompañando muy bien a los solistas.

Sorprendente Yolanda Auyanet en su última función de estas Normas. Mucho mejor que en la Luisa Fernanda de hace un mes, donde me dejó algo frío. Comenzó prudente, buscando los huecos para respirar en el Casta diva, resolvió sin problema las agilidades posteriores y en cuanto se metió en faena sacó lo mejor de sí. Potente, timbrada y valiente. Una buena Norma que si la sigue trabajando la hará totalmente suya. Muy bien.

Spyres es un Pollione tosco. A su favor, un centro notable y registro grave. En el otro extremo, agudo adelgazado. Cumplidor, y siempre en forte, todo en forte.

Annalisa Stroppa sustituyó a Clémentine Margaine en esta función. A causa de positivo en Covid, según dicen las víboras habituales de twitter. Adalgisa de voz suntuosa, envolvente, ágil y bien manejada. Un gustazo. Un par de agudos en los que le costó llegar a la afinación precisa es el único pero que le veo. Excelente, de todas formas. Braveada en los aplausos finales.

Fernando Radó también sustituyó a Roberto Tagliavini como Oroveso. Nada que objetar, muy bien también.

En su sitio Berna Perlés en las cuatro frases que tiene Clotilde y a tener en cuenta el excelente Flavio de Fabián Lara, luciéndose en su breve papel.

Sobre el coro no voy a hacer comentarios hasta que no les quiten la mascarilla.

La puesta en escena de teatro dentro del teatro funciona en el primer acto. En el segundo puede resultar un poco confusa pero tampoco es de las de rasgarse las vestiduras. Dentro de lo que cabe, es coherente, vistosa y dinámica. Y, para alivio de los caspapuristas, hay hoz, arbolito, puñalito, gong y hoguera. Que no se me quejen.
Punto negativo: el vestuario, especialmente Adalgisa. ¿De qué va? Bueno, y el primer modelito que saca Norma. Meeeeec.

Buena velada de ópera, con cantantes solventes y una orquesta bullanguera y escandalosa.
De las de salir abanicándose con ímpetu el pecho mientras le comentas a tu vecina de palco "qué bien ha estado, qué bien ha estado".

Curiosidades:
¡Con esto del Covid y las mascarillas casi no hay toses entre el público!
Sonó un teléfono móvil (cómo no), con la peculiaridad de que el timbre era el toque de corneta del séptimo de caballería de las pelis del oeste. ¡Para que luego me llamen hortera cuando en el mío suena una banda sonora dabadaba de Antón García Abril (qepd)!
Seguiremos atentos (yo y yo, no sé por qué hablo en plural) a los maledicentes twitter-haters, que dicen que hay un brote de coronavirus en el teatro con parte del equipo de Peter Grimes afectado.

Gracias por la crónica.

Sumadas éstas y a la oficial del amigo Tunner, como que los asiduos del foro no visitaron a esta Norma.

Se echan de menos comentarios del hacer de John Osborn, el otro Pollione.

Estuve en la representación del día 4 (segundo reparto) y coincido con lo de la orquesta. En algunos momentos (es un decir) parecía una opera verista, con los cantantes luchando para no ser tapados por la orquesta. Curiosamente, también el segundo fue mucho más comedido, con un preludio que me pareció magnífico.
Lo malo de una orquesta tan sonora, es que algunos momentos suenas muy "chunta-chunta".

Y sin gabardinas. No se puede pedir más.

Representar hoy en día una "Norma" sin gabardinas, no tiene sentido.

Este diciembre se cumplen 190 años del estreno de Norma. Casi dos siglos en los que las representaciones de cartón piedra, con muérdago y todo, han sufrido una natural descomposición a nivel dramático. Tan natural para que los registas, si son serios y fieles a la historia, se atrevan a contarla desde diferentes ángulos. Eso no tiene por qué justificar el regieteather o el koncept cuando pretenden darnos gato por liebre.

Casi telegráficamente, porque de nuevo estoy sin portátil y con el móvil es muy pesado. Y además era la última de las representaciones.

Buena función de Norma, en términos generales. Agradable sorpresa con Hibla Gerzmava, a la que no conocía. Empezó un poco cacareante, con un vibrato de los que ya no se usan. La más perjudicada fue la escala descendente de “Casta diva”. Luego mejoró notablemente. Voz poderosa, bien manejada, algo oscura, no lo canta todo en forte.

Casi lo mismo podría decirse de Annalisa Stroppa, voz de notable presencia, buen canto y en este caso, como manda el papel, más aguda de lo habitual. Curiosamente, en los dúos se distinguía menos de lo que cabría esperar. Lástima que la italiana cantase casi todo el tiempo en la esquina que me venía mal para escucharla bien.

A su lado John Osborn fue el gran perjudicado. Sobre todo por el volumen, porque me gusta cómo canta, no elude los agudos y se le ve suelto en belcanto. Pero este papel tiene ya unos derroteros casi de heldentenor que no le favorecen. Eso sí, da gusto escuchar a tres cantantes que no fuerzan muscularmente la voz. Incluso cinco, si añadimos a Fernando Radó y Juan Antonio Sanabria, contundentes ambos.

La orquesta, a veces pasada de decibelios. Cierto es que desde mi pupitre se escuchaban atronadoras las cuerdas y en lontananza los vientos. Y me sigue pareciendo demasiado frenético el “Guerra, guerra!”, debe de ser que es así.

Gracias por la crónica, que pareciera intuir que hay más equilibrio en este reparto.

No lo sé pero sí que era bastante homogéneo.
Stroppa, aplaudidísima.

A ver si no se me olvida preguntar para la temporada que viene, por si he de cambiar la localidad de abono, en qué lado del escenario pretenden situarse los cantantes. Ayer tenían una hermosa mesa con su silla pero se empeñaron en cantar cerca de la cama.

Eso me recuerda a mis tiempos del Liceo (siglo pasado, pasado), cuando la leyenda urbana decía que uno de los rincones del escenario (creo que el izquierdo desde la sala) era el sitio que mejor sonaba. Muchos cantantes, al llegar su aria, corrian despavoridos hacia ese lugar. Entonces los directores de escena no pintaban mucho.

Qué maravilla. Yo quiero una máquina del tiempo para volver a eso.