Empezaré con la producción escénica, que parece que es lo que más cola ha traído estos últimos días.

Todos temíamos al señor Villalobos por sus posibles ocurrencias de modificar la historia, más aún cuando él mismo dijo que se centraría mucho es Oscar como personaje en transición, convertido en hijo de Renato y Amelia.

Al final, simplemente Oscar sale en la obertura poniéndose un traje masculino, que disgusta a Renato, algún gesto de enfado entre ambos, un aria final vestido de hombre en el baile y hasta ahí llegó todo. Alguna cosilla más pero nada que merezca mención.

Bastante descafeinado todo, si tenemos en cuenta las expectativas creadas. Y lo mismo va para la escena de Ulrica, que quiere mostrar cómo ella habla y hace las adivinaciones pero es una mujer negra quien está frente a la cámara de televisión en un show televisivo, con mujeres pegadas a televisores por la habitación viendo este show y venerando a la falsa pitonisa. Realmente la escena podría funcionar, pero está tan mal configurada la escena, con la pitonisa falsa al fondo de perfil de manera que apenas se ve la cámara de televisión, que mucha gente andaba perdida. Una pena.

La escenografía como tal no es que fuese mala, pero quizá exceso de oscuro que acaba por cansar. Algún cambio de luces interesante no habría venido mal.
En el baile hay que decir que el vestuario a cargo de Caprile estuvo estupendo. Nada exagerado, pero bonito y elegante.

Musicalmente de la orquesta no quiero opinar mucho porque no me considero un entendido en música instrumental. Solo decir que a mí me sonó de maravilla, si bien quizá poco detallista comparando con algunas versiones que había oído.

Vocalmente estuvo bien. Anna Pirozzi siempre es garantía de una actuación como mínimo buena. Bien es cierto que se lució mucho más en "Morrò ma prima in grazia" que en "Ma dall'arido", donde no parecía haber despegado del todo. Habría querido más énfasis en la zona grave, como en otras actuaciones, pero cumplió de sobra en un papel tan tan complicado como Amelia.

Meli da una de cal y una de arena. La voz se proyecta bien en el centro y tuvo el detalle de no evitar los graves que a veces se omiten. Fue de más a menos. Brilló en su aria de presentación y se lució mucho en el final al estilo opereta de la priemra escena. Sin embargo, sus continuos portamentos a la zona agua me parecen terroríficos y pierde mucho fuelle. También se empeña en hacer pianos a base de cerrar garganta que suenan estrangulados y acaban por agotarle, como pasó en su aria del último acto, que se la cargó en mi opinión.

Vasallo pasó muy desapercibido al principio. En el Eri tu obviamente se llevó la ovación como siempre pasa. No creo que estuviese especialmente brillante. El grave no es lo suyo y eso le penaliza bastante y la voz suena áspera, pero cumple.

Marina Monzó tuvo una enorme ovación bien merecida. Es una muy buena actriz y canta con mucho gusto. La he escuchado varias veces y le falta volumen y trabajar centro y grave, donde la orquesta se la come.

Sinceramente esperaba más en todos los sentidos, pero creo que merece la pena la función, sinceramente. Vuelvo el 5 de mayo, de hecho.

Gracias por su crónica sr. Guille que coincide bastante con las publicadas por los profesionales -no se preocupe demasiado- sobre todo en cuanto a la producción de piel de oveja.

Muy de acuerdo con la crónica de Guille. La puesta en escena inconexa y confusa. La transexualidad de Óscar un pegote metido con calzador que nada aporta y que queda como subtrama desligada del resto de la puesta en escena. Por otro lado, tanta "innovación" para acabar con un final clásico, un baile de máscaras como cualquier otro. Del reparto, me gustaron especialmente Pirozzi y Monzó (muy bien cantando el Óscar). El timbre de Pirozzi es peculiar; no es una voz redonda, ni de color pleno, pero proyecta bien y tiene un centro dúctil. Los agudos un poco tensos, pero mejor aquí que como Lady Macbeth. Meli es un tenor que me aburre. Tiene emisión generosa en forte, pero poco imaginativo en el fraseo y no conoce las medias voces. Cuando lo intenta, el timbre desaparece. Vasallo, como en el Ernani, sin pena ni gloria, bastante monótono buscando el aplauso alargando agudos, y sin la italianità de Meli.

Pregunta a los directores de teatros españoles, ¿seguirán contratando a Villalobos solo para demostrar que el público que acude a la ópera es un público aburguesado que necesita ser educado después de años y años de genialidades, y que protesta ante puestas en escena tan "rompedoras" como esta?

Otra reflexión al aire. ¿De verdad alguien piensa que el teatro es importante en la ópera cuando no dejan de maltratarse y adulterarse la historia y los personajes en cada nueva puesta en escena? Si se puede trasladar todo a cualquier estética y en todas las obras caben subtramas peregrinas, ¿no es en realidad que los directores de escena consideran que las obras originales no tienen suficiente entidad dramática y deben de modificarla para "extraer" algo valioso dramáticamente de la obra en cuestión? Tantas y tantas puestas en escena fallidas demuestran que al final, lo único que verdaderamente sustenta a la ópera es la música y, por ende, la calidad de músicos y cantantes. Ojo, digo sustenta. Pues cuando puesta en escena e interpretaciones son redondas, el disfrute es máximo.

Sí: Gruberoviano, por ejemplo. Ya se pasará por aquí para explicarlo.

Absolutamente sí, lo creo. Y creo que el teatro lírico (que, en su mayoría y hasta el siglo XX cuenta con libretos encorsetados, mal escritos y que no cuentan nada que sea de verdadero interés) es un campo de experimentación perfecto para la dirección escénica: lo que en teatro de texto me puede molestar, en ópera me suma; porque a la ópera yo no voy esperando que se me cuente nada relevante, ni que se me emocione. En cambio, si me manosean el mensaje (ojo: el mensaje) de un Chéjov, de un Tennesse Williams o de un Shakespeare, me puedo cabrear.
Luego está esa patraña de que se va a la ópera por las voces. Eso sería hace 60 años, cuando había voces que lo justificasen. Hoy hay lo que hay, y las voces de verdadero relumbrón son las que son. Por eso yo esencialmente voy a la ópera a vivir experiencias escénicas que me muevan, me provoquen y me puedan hacer pensar. ¿Por las voces? Pues lo dicho: lo que hay es lo que hay. No hay más que comparar los repartos del Real y el Liceu: en muchas óperas de repertorio, directamente cantan los mismos cantantes en unos y otros títulos. Y son los TOPS, supuestamente. Bueno, normal, es lo que hay.

Yo le aseguro que no he ido a este Ballo in Maschera por Villalobos.

Pues teniendo en cuenta que todo este reparto está en toda España con mucha frecuencia (Meli, Pirozzi, Monzó, Vassallo...) no sé por qué otro aliciente que no sea una puesta en escena polémica podría uno desplazarse a este Ballo. Porque son cantantes que están más que vistos.

No tengo palabras.

Los libretos suelen primar la estructura (vamos, el número de arias por acto y por escena que tiene la señora gorda de 65 años que sin embargo dice ser virgen y frágil, porque se está muriendo de tuberculosis aunque esté bien alimentada) antes que la progresión de la acción dramática. Y esto, salvo honrosas excepciones (como puede ser Wagner) no cambia hasta que no llega el verismo a finales del XIX. Y así, no se puede.

Personalmente no estoy en contra de las actualizaciones en las óperas cuando son verdaderas actualizaciones. Si lo que se cuenta es una historia de amor, sinceramente no veo problema en que esté ambientada en 1850, 1900, 1950 o en plena actualidad, siempre y cuando la escenografía esté al servicio de contar la historia.

Si el sentido y el mensaje de la obra no se altera, no veo el problema. Puestas en escenas minimalistas o mas abstractas pueden ser preciosas y hacer que sigas perfectamente la historia y ser increíbles sin ser un despliegue de medios exagerados (he ahí la inteligencia del regista).

Lo que sí me molesta es que se altere el mensaje de la ópera y se modifque música o texto para mandar un mensaje que no es el de la ópera original.

En este caso del Ballo, lo de Oscar no ha dejado de ser casi una anécdota que ni molesta, la verdad. Pero creo que modificar óperas con el pretexto de mostrar problemas de la realidad actual no es adecuado.

Si es un tema de tanta actualidad, apostemos por la creación de una ópera que vaya en esa dirección y trate problemas de la realidad actual. Apoyemos el talento para, a través del arte, contar y retratar temas de nuestra vida. Muchos valores de las óperas de hace siglos perduran por ser universales y por eso cambiar de época o contexto no siempre es erróneo o negativo, pero no pretendamos contar problemas del presente en obras del pasado porque ese no es su cometido y al final... sale como sale.

Ballo NO es una historia de amor, se tome por donde se tome. Riccardo/Gustavo ha llegado al poder de forma bastante cuestionable (ya lo dicen los conspiradores Sam y Tom en el tercer acto) y Riccardo/Gustavo se está liando con la mujer de su mejor amigo (Renato, que para más inri parece estar enamorado secretamente de él: de otra forma no se entiende que lo dé todo todo todo por proteger a su "amigo"). Vamos, que Riccardo/Gustavo y Amelia son un par de hijos de puta. Bien que el tenor dice que ni rimorso ni hostias en el segundo acto, que venga a darle al tema. Ni historia de amor ni hostias: Renato debería cargárselos A AMBOS.
En este sentido, siempre me llamó la atención la ambigüedad de las primeras líneas del Eri tu!: no queda claro si Renato se refiere a Riccardo o a Amelia.

Me quedo sin silabas.

Amigo Gruberoviano tiene toda la razón, lo que hay que hacer es en las óperas eliminar el cantar (sólo movimientos con la boca), que el director de orquesta mueva los brazos como si estuviera cazando moscas, y los músicos hagan movimientos como si tocaran. Lo de la ópera está ya muy anticuado. Es lo que hay, Calisay.

Y el Renato está enamorado de una gallina, que lo sé yo....