Yo me pensé si ir precisamente hoy cuando estaba planeando un viaje a Europa, pero al final no me he quedado. También he oído buenos comentarios, pero con Kaufmann es difícil fiarse, hay muchas filias y fobias (y además el propio cantante últimamente es muy irregular, a veces tiene un día bueno y se disfruta mucho aunque esté bastante cascado).

Llevo tiempo sin escribir por este hilo. En general llevaba un par de semanas con varias funciones locales en San Francisco no demasiado reseñables. La excepción fue una Ermelinda representada por la compañía Ars Minerva, una pequeña compañía que hace una producción anual con algún «estreno en tiempos moderno» de una ópera del seiscientos o principios del XVIII.

En estre caso ofrecieron una obra de Domenico Freschi de 1680 que no se representaba desde el siglo XVII. Las funciones han sido un éxito y han representado un salto de calidad y de profesionalidad para la compañía (en opinión de todos los presentes, que yo solo puedo refrendar en cuanto toca a la comparación con el año pasado).

Más recientemente, estoy ahora en Barajas para volver de un periplo europeo aprovechando el puente de Acción de Gracias. El primer destino fue en París:

Kniaz Ígor (El príncipe Igor, Borodín). Opéra de Paris - Bastille. París. 28-XI-2019

Estreno en la Ópera de París de esta magnífica obra de Borodín y notable éxito. Muy bien el coro y un reparto muy sólido e idiomático. Ildar Abdrazakov en su línea: echamos de menos caudal y autoridad, pero compensa con un canto noble y con estilo. Éxito para la joven Elena Stikhina como Yaroslavna, quizás aún algo verde en ciertos aspectos (tanto técnicos como dramáticos) pero entregadísima y efectiva. La gran triunfadora de la función, sin embargo, fue Anita Rachvelishvili, que puso el teatro patas arriba con su aria de Kontchakovna. Como un Vladimir que en esta producción se muestra como un villano bien desagradable Pavel Černoch no pasa de adecuado.

Buen trabajo de Philippe Jordan, director que en general no es santo de mi devoción.

La producción de Barrie Kosky traslada la acción a la época actual y funciona. Se trata de un regista con sentido teatral, que sabe leer un libreto, y hay buenas ideas. Los personajes quizás no están presentados de la forma más canónica, pero tienen sentido, hay buena dirección de actores, etc. Por desgracia, también es un personaje amigo de la provocación y hay algún detalle que parece pensado para trolear al público (con notable éxito, atronadores abucheos en los saludos).

Personalmente, y aunque la producción en general no me disgustó, sí tengo un problema con el planteamiento original del regista. En el libreto-programa nos explica, en paráfrasis, que «los parisinos no saben quién fue el tal Igor, así que esta historia no significa nada para ellos y la transposición temporal es inevitable». No estoy de acuerdo en absoluto: ambientar la ópera en tiempos modernos es, por supuesto, una opción legítima pero no es la única. ¿Por qué no se podía decir «los parisinos no saben quién fue el príncipe Igor, así que quiero aprovechar mi producción para acercar el folklore y la historia rusas al público»? En realidad lo que pasa es que, al señor Kosky, no le importa nada la historia de un noble medieval y quiere hacer otra cosa. De lo cual es muy dueño, pero que no nos tome el pelo.

Es más, en contra de su postulado de que presentarnos a los personajes como una combinación de mafiosos y oligarcas rusos, rebeldes chechenos o ucranianos, refugiados y similar fauna (todos con su Kaláshnikov) hace que la propuesta sea más universal yo digo que, en todo caso, la hace más genérica y caduca.

Entonces no está ni en la lista de Despinetta ni en la de Tunner.

Espero que con Il pirata abras y habrá hilo.

No me ha dado tiempo antes de subir al avión. Si no lo hace nadie antes y si todo va en hora comentaré durante mi escala en Chicago.

Hace pocas semanas, y en ese mismo escenario, vi triunfar a la georgiana en el peliagudo rol de Princesa de Éboli.
Además veo que esta temporada la tendremos como Carmen en el Liceu, aunque sólo para un par de funciones.

Así està anunciado y en principio , ya tengo mi entrada para la primera de sus 2 Carmen
Al mes y poco, primeros de agosto, más que interesante y para no perderse su Amneris en Peralada

Gran mezzo la Rashvelishvili

Soy devoto de Elina Garanca y me acerqué a Berlin a escuchar su Dalila. Esta ópera es uno de los mejores títulos del repertorio, mal que le pese a Bernard Shaw (uno de los mayores cretinos metidos a crítico musical que se recuerdan) que intentó boicotearla. En los 70 del siglo XX Baremboin puso en valor Sansón y Dalila, por cierto con un Domingo que cantó un Sansón de referencia.
En la función del sábado 7 de diciembre no dirigió Baremboin, pero su Staatkapelle sonó gloriosamente. En el descanso se averió el mecanismo de cambio de escenario, y los dos últimos actos se representaron en versión digamos de concierto.
Garanca estuvo de reclinatorio. Una belleza tímbrica deslumbrante y una técnica perfecta. Recorre la tesitura con una seguridad en graves y agudos inigualable. A mi juicio es la mejor mezzo de su generación. Fue braveada con ganas. Puestos a poner una pega, le falta algo de la pasión escénica que volcó en su Carmen del MET, pero tampoco ayudaba la escenografía ni el vestuario tan recatado. El baritono alemán Volle fue el segundo gran cantante de la velada, digno pero sin llegar a su excelente Hans Sachs.
Garanca estrenará Amnneris en Las Palmas esta primavera. Mi enhorabuena a los aficionados canarios que han conseguido esa premiere!

Saludos

Yo escuché su Dalilah en Viena hace año y medio ( con Alagna ) y estuvo majestuosa ( aunque no posea el grave amplísimo de por ej.la Rashvelishvili, otra grandísima y amplia Dalilah/ Carmen, etc..)

Eso sí, la sensualidad y elegancia de la Garanca, no la tiene ninguna mezzo de hoy en día.

Comentarios previos a Die Ilias (Arnold Schoenbeg). Estreno mundial previsto el 28.12.2019

Tras terminar la composición de Moses und Aron en 1932, Schoenberg abordó su siguiente ópera, Die Ilias, a partir del poema de Homero. La terminó en 1934, a bordo del barco que le llevaba a los Estados Unidos huyendo de la Alemania hitleriana. Su esposa Gertrud ha relatado que Schoenbeg entró en una gran depresión. “Mi música”, le dijo el fundador del dodecafonismo a su consorte “no le interesa nada ni a Broadway ni a Hollywood. Imposible por otra parte colocarla en el Metropolitan, donde siguen añorando a Caruso y a su Vesti la giubba”.

Presa de la melancolía, Schoenbeg metió la partitura original de Die Ilias en una botella de cristal y la arrojó al mar por el ojo de buey de su camarote. La botella, que afortunadamente iba bien taponada, ha estado dando tumbos por el atlántico norte durante 84 años y, el pasado verano de 2018, apareció en una playa de Long Island, donde la recogió un melómano neoyorkino que daba un paseo con su perro llamado Tristán, de lo cual se deduce que era wagneriano.

Recordarán ustedes, damas y caballeros, que los musicólogos y operistas contemporáneos se lanzaron en tromba sobre el hallazgo. Philip Glass declaró que “era una obra aún más atonal que Moses und Aron, que ya es decir”. John Adams declaró que “es incluso más larga que los Maestros Cantores de Wagner, pero dodecafónica de principio a fin, sin un respiro. Más de cinco horas de recitativo, sin un aria que llevarse a la boca y con música atonal. ¡Una barbaridad!”.

El estreno mundial se espera con expectación. La dirección musical se ha encomendado a Pablo Heras-Casado, lógicamente.

El libreto, que es de autor desconocido pero se nota mucho la mano de Bertolt Brecht, ha sido revisado por Alice Goodman (Nixon en China).

La dirección escénica se ha confiado lógicamente a Barrie Kosky, que ha trasladado la Ilíada a nuestros días, configurada como una lucha entre bandas rivales. “Nadie se acuerda ya de la guerra de Troya” ha señalado Kosky, “pero todo el mundo sabe qué es una banda de pandilleros, los Trinitarios, los Dominican Don´t Play, etc”.

Helena es una chica feminista de la antigüedad casada con Menelao, que es el típico marido celoso, posesivo, maltratador y francamente insoportable. Helena, que está harta de Menelao, abandona su casa en Esparta y, en el libre ejercicio de su autonomía personal, se enamora de Paris y se va con él a Troya.

Kosky convierte a Paris en un activista por los derechos humanos, un chico tipo surfista que recorre el Mediterráneo recogiendo en su barco a gente que huye de sus países en conflicto.

Troya es presentada como una ciudad acogedora, pacifista, ecológica, igualitaria, democrática, feminista y sostenible. Sus murallas están pintadas con imágenes de Banksy.

Menelao, que no acepta la decisión de Helena, tiene la típica reacción machista agresiva y pide ayuda a los suyos. Con su hermano Agamenón, otro machista redomado, y la tribu de los aqueos organizan una expedición de castigo: ¡no admiten la autonomía de la mujer!

Para visualizar las diferencias y hacer comprensible la trama al espectador actual, Kosky viste a los troyanos con zapatillas deportivas, tejanos desgastados y con camisetas coloristas llenas de símbolos de peace and love. Los aqueos, en cambio, llevan gabardinas tipo Gestapo, sombreros negros y corbatas también negras. A Aquiles, que es el principal matón de la banda de los aqueos, Kosky le viste de oficial nazi de las SS, para que nadie se lleve a engaño.

En el montaje de Kosky hay también referencias explícitas al cambio climático. París y Helena viajan de Esparta a Troya de forma sostenible, en un catamarán como el que ha usado Greta, incluso sacando los remos cuando no hay viento. Los aqueos, por el contrario, llegan a Troya en sus lanchas con motor fuera borda, altamente contaminantes. ¡Acampan en la playa frente a Troya y lo llenan todo de desperdicios!

El estreno será el próximo día 28 de diciembre, festividad de los Santos Inocentes, en un teatro de ópera aún por determinar.

¡No se la pierdan!

Después de alguna cosa poco reseñable en San Francisco, visita a Nueva York. Empezamos con el amigo Glass.

Akhnaten (Glass). Metropolitan Opera. Nueva York. 7-XII-2019

Ópera que ha sido el bombazo del año en el Met. Entradas agotadas en la mayoría de funciones y la compañía no ha añadido más porque tienen el calendario completo, pero ya ha anunciado que vuelve dentro de dos años. Éxito de crítica también.

Sin ser nada afín a la música de Glass, he disfrutado con su Satyagraha, una ópera que me parece que funciona dramáticamente y en la que la partitura no es tan cansina. Sucesivos intentos por encontrar otra que me funcione (Appomattox, In the Penal Colony, Usher y Perfect American, todas vistas en teatro porque en casa ni me lo planteo) se han saldado con fracasos. Sin embargo, tenía esperanzas con este Akhnaten, por algún breve fragmento escuchado y recomendaciones de amigos. Además, me gustó mucho la producción de Phelim McDermott para Satyagraha y era también el responsable de estas funciones metropolitanas, así que parecía una buena ocasión.

Por desgracia, no ha podido ser. Me ha parecido todo un tostón pretencioso y artificioso. La producción de McDermott procura por todos los medios entretenernos visualmente y, es cierto, crea alguna estampa impresionante. Pero solo queda bien en las fotos. La constante presencia de malabaristas empieza distrayendo y acaba cansando cuando uno se da cuenta de que no nos los vamos a quitar de encima y el libreto tampoco me funciona. No me ha dicho nada.

De todo esto no tiene la culpa el reparto, que hace lo que puede. Anthony Roth Costanzo como el faraón, la Nefertiti de J'Nai Bridges y la Tye de Dísella Lárusdóttir todos cumplen y Karen Kamensek guía a la orquesta con buen pulso.

En cuanto al éxito de público, siempre es algo que celebrar, pero me invita a una reflexión. El Met y la prensa neoyorquina han llevado a cabo una campaña publicitaria realmente masiva, con todo tipo de artículos sobre cada detalle de la producción (a los yanquis les parecía muy rompedor e interesante que el protagonista esté desnudo en el escenario en una de las escenas). Y efectivamente, el teatro se ha llenado. Pero no me queda claro que se haya fidelizado a mucha gente. Al final, se ha vendido este Akhnaten de manera muy superficial, como la cosa de moda que hacer este mes, y no de una manera más completa que pueda ayudar a crear aficionados. Me parece que la mayoría han ido, se lo han pasado bien o al menos se han impresionado y hecho fotos en el lobby y van ahora a pasar a la siguiente tendencia.

Píkovaya dama (La Dama de Picas, Chaikovski). Metropolitan Opera. Nueva York. 8-XII-2019

A la incierta apuesta del Akhanten contraponía un valor seguro con la que es quizás mi ópera preferida de Chaikovski. Mi primera ópera de domingo en el Met, una posibilidad que han añadido este otoño.

Un aliciente especial era ver por primera vez a Lise Davidsen, la soprano promesa del momento y la gran apuesta del Met (que ya ha dicho que están planeando con ella los próximos 10 años). Se trata de una cantante que no me había dicho nada en grabación pero que todo el mundo me decía que había que ver en vivo para apreciar. En este caso ha sido verdad: sin duda Davidsen tiene una gran presencia, tanto vocal como física, y es un lujo escucharla. Aún así, sospecho que Lisa no es su papel más cómodo (y tampoco demasiado largo) por lo que sorprende que el Met se esté basando en ella para tan agresiva campaña propagandística.

El que sí es un papel grande, y duro, es el de Hermann. Inicialmente anunciado para Antonenko (lo cual era suficiente para que no me plantease asistir a estas funciones, máxime cuando tengo otra Pique Dame en febrero), pero que al final ha caído en manos de Yusif Eyvazov. Pues bien, el tenor ha sido, sin duda, el triunfador de la noche. Y no solo de la noche: con estas funciones creo que se ha consagrado como tenor protagonista en el Met con todas las de la ley. En efecto, hasta ahora siempre había estado en cierto modo de la mano de Netrebko (si no compartiendo función con ella, al menos fechas). Pero en este caso su señora está de Sant'Ambrogio y Eyvazov llega como sustituto en un papel peliagudo y convence en, de largo, la mejor actuación que le he visto. A sus cualidades vocales habituales (un tenor de voz fea pero potente y bien controlada, sin forzar, y con una técnica digna de respeto) ha aunado esta vez una faceta actoral más completa y mayor sentimiento en el canto. Desde el principio nos ha presentado un personaje y ha tenido el aguante para llegar bien al final y no escatimar sus agudos. Muy bien.

La condesa estuvo interpretada por la veterana Larissa Diadkova, toda una garantía en un papel que tiene muy dominado. También resultó solvente, sin entusiasmar, el Yeletski de Igor Golovatevno.

Buena dirección de Vasily Petrenko en su debut en el Met.

Sigue funcionando la ya clásica producción de Elijah Moshinsky (se estrenó en 1995 con Gergiev, Heppner, Mattila y Rysanek en su despedida de la ópera en los EE. UU. y por ella han pasado muchos nombres: Borodina, Guleghina, Domingo, Zajick, etc.).

En definitiva, una más que notable función.

Lo del estreno de Schönberg me lo puedo imaginar fácilmente. Lo único es que no lo veo para el Met ni para San Francisco. A lo mejor en Mar a Lago

¿Ah, pero lo de Schoenberg iba en serio?

Ojalá. Pero me temo que es una inocentada anticipada.

Algo he escuchado de los audios recibidos privadamente de la Gala anoche en alla Scala, homenaje a los 50 años del debut de Domingo.
Solamente para decir que vaya....tu che la vanità ...ha cantado Saioa Hernández! Exultante vocalmente

Esta soprano de amplia voz pero controlada, engancha y rebosa italianidad por los 4 costados. Ojalá sea inteligente y sepa cuidar su instrumento, con ese repertorio de spinto dramática que ahora tiene