Tras la Ópera empieza en Oviedo la Zarzuela, en este caso mejor la opereta, con "El cantor de México" en la brillante producción de Sagi, lastrada por unos protagonistas endebles. Con dificultades para escuchar al tenor Faraldo y a la soprano Parejo; él, sí, con cierto gusto para este papel, pero poco más; y élla, como decía la crítica de Coñalario, con un canto estilo "princesaDisney". Por tanto, Manel Esteve lo tuvo fácil para destacar, sumando además que Rossy de Palma no está para cantar ni en chigres. Óliver Diaz tan involucrado como siempre.
Aún con las carencias del reparto, la facilidad de la música y la vibrante producción consiguieron enganchar al público, que abarrotaba el teatro, y demostró que, a pesar de los palos en las ruedas que ponen algunos políticos, la temporada de zarzuela aún tiene la capacidad de enganchar a 1000 personas en cada una de las dos funciones en que la han dejado.

LA TEMPESTAD, de Ruperto Chapí, en el Teatro de la Zarzuela (Madrid)

Oportunidad para ver una obra que se representa muy raramente y que es zarzuela con aires de ópera donizettiana y gounodesa, en versión concierto. Y que merecía haber sido tratada con un poco más de mimo. Se notó una falta de ensayos en una orquesta, lentísima, con pausas inexplicables y algo desajustada. Y la solución de las partes habladas es práctica, pero el resultado tuvo un problema serio al final.

Las partes habladas son sustituidas por un narrador (Juan Echanove), lo cual está muy bien porque siendo versión concierto se aligera la obra y el fuerte de muchos cantantes no es precisamente la declamación. Pero el último cuadro del tercer acto se limitó sólo a la narración, ni un mínimo acompañamiento orquestal ni la "breve coda" para finiquitar la obra. Echanove dejó de hablar, se apagó la luz y nos quedamos todos esperando algo que no llegó. Segundos de desconcierto y luego ya aplausos. No sé, me parece que cortar así es, más que una falta de respeto a la obra (las dos grabaciones que conozco terminan en el cuadro anterior), algo desconsiderado con coro, orquesta y solistas. Un chimpón final, aunque sean 30 segundos.

En el reparto, Mariola Cantarero salvó la parte apianando, en cuanto sube volumen se descontrola. José Bros sustituía al previsto Albelo, bien pero de agudo muy oscilante (y nos escamoteó el de la romanza de salida). Carlos Álvarez, estupendo en sus dos intervenciones solistas y con una dicción que da gusto. Ketevan Kemoklidze muy bien también, destacando en los números de conjunto. Sí, es algo ininteligible pero sólo nos metemos con eso cuando se canta en español. Carlos Cosías hizo un tenor cómico... con voz. Y Alejandro López más que correcto en su breve papel. El coro tuvo ocasión de lucirse, especialmente ellas.

Lo dejo en este hilo porque son sólo dos funciones, anteayer viernes y hoy domingo. Si bien el resultado global es satisfactorio con reservas, merece la pena conocer la obra y ver cómo hay cosas que te suenan a Faust, a Elisir, a Lucia, a un Verdi joven... Lo siento, pero por mucho que lo diga el programa, para mí que los marineros digan Oé Oé es lo único en lo que se parece al Holandés, que en la música nada. Es una zarzuelaópera curiosa y ha alegrado mucho disfrutarla en directo.

Written on Skin. Opera Philadelphia. Academy of Music. 18-II-2018

Decía el otro tía que un criterio importante para valorar si una obra contemporánea es realmente popular es que se repita no solo amortizando la misma producción y elenco que la estrenó, sino que aparezcan nuevas versiones. A Written on Skin, para mí la mejor ópera en lo que llevamos de siglo, le faltaba todavía esto. La producción de Katie Mitchell se ha visto desde Rusia a América. Yo la pude ver en NY hace un par de años, con el reparto original (aunque con el nada insignificante detalle de una gran dirección de Alan Gilbert). Aquí comentaba Kandaules estas funciones.

Ahora la Opera Philadelphia ha aceptado el reto y presenta una nueva producción de William Kerley. Es esta una compañía de recursos relativamente modestos pero imaginativa en su programación y ya referente en ópera contemporánea.

En la producción de Kerley las esferas de los humanos y los ángeles están más mezcladas y la propuesta escénica es algo más visceral. El escenario está dominado por un gran cubo gris manipulado por los ángeles que gira y se abre en multitud de diferentes configuraciones para mostrar diferentes estancias de la casa. Los personajes se muestran inicialmente inmóviles, congelados, como en una miniatura medieval, hasta que el Muchacho les insufla vida. El Protector es aquí más aristocrático que su más «rural» encarnación en la muy difundida producción original, tanto en la apariencia de sus aposentos como en su caracterización. Al menos inicialmente muestra cierta nobleza de carácter, aunque pronto se verá lo que hay debajo. Su esposa es algo menos inocente, más segura de sí misma y capaz de hablarle de tú a tú y el Muchacho parece tener una participación más activa o entusiasta.

Buen reparto liderado por Laura Snouffer, Mark Strong y Antony Roth Costanzo. Personajes bien cantados y encarnados, aunque sin llegar a la profundidad caracterizadora que conseguía el reparto original con Purves y Hannigan.

Algo por debajo la dirección de Corrado Rovaris, un poco mate y más adecuada al distanciamiento y frialdad del mundo de los ángeles que a los momentos más dramáticos en la esfera humana.

Al parecer, el compositor Benjamin estuvo presente en la Academy of Music para la primera representación.

A ver si de rebote se prodiga un poco más por Europa.

Yo estuve el Domingo. A mí La Tempestad me parece una de las obras más monumentales del teatro lírico español como así subraya el profesor Casares en su magnífico artículo del programa de mano. Una pena que se represente tan poco, pero es que la escritura vocal es exigentisima. Hay claras influencias de Wagner y su Holandés errante (y no porque el coro diga Oé, oé), de Verdi, ópera francesa... Influencias con el selllo de Chapí, no que sea lo mismo ni copia. Comparto el reparo de que no se respetara la confesión en sueños de Simón sobre pasaje instrumental, (un melodrama) uno de los momentos más originales de la partitura. No tiene sentido que una obra lírica representada en un teatro dedicado a tal género la termine un narrador. Vamos, final en punta

A mí me ha gustado mucho la dirección de Guillermo García Calvo. Un lujo poder escuchar un papel baritonal tan impresionante y difícil como Simón en la voz de Carlos Álvarez. Bros impuso su gusto y clase en el fraseo sobre un resgistro agudo que ya no está. Ketevan Kemoklidze, soprano corta y no mezzo como pide la parte in travesti de Roberto, amplía los horizontes de la zarzuela a Georgia. Afincada en Barcelona, conoce el idioma, aunque su fonación eslava es la que es y su articulación resultó poco clara.

Hasta catalán habla la simpática Ketevan. Chica, encantadora
Ahora vamos a tener sopranos y mezzos que cantan zarzuela más internacionales que españolas ( Garanca, Kemoklidze, la Yoncheva que también hace sus pinitos zarzueleros, etc...)

Anoche tuve la oportunidad de ver en vivo La Bohème después de que me perdiese la del Real a causa de una neumonía. Por eso en cuanto supe que la cita operística anual de la Orquesta Filarmonía de Madrid en el Auditorio Nacional sería esta gran obra, pensé que tenía mi oportunidad después de doce años sin verla.

Se trataba de una versión semiescenificada a cargo de Jesús Peñas, pero en honor a la verdad ha sido una auténtica función de ópera porque la Orquesta estaba situada debajo de los cantantes, aunque significó que varias veces fueran tapados. Había utensilios y un coqueto pero sencillo vestuario a cargo de Paz Volpini, que nos situaba en la historia. En el segundo acto hubo un batiburrillo de actores y funambulistas que intentaban hacernos imaginar el Café Momus.

Pascual Osa dirigió a la orquesta. Los tempos tenían alguna irregularidad y el sonido quizá podría refinarse un poco más. Fuera de eso, el maestro concertaba a las voces. Hubo cortes al principio de los actos tercero y cuarto, supongo que por agilizar la duración de la función ya que empezaba bastante tarde.

Los coros no actuaban sino que estaban en sus bancos mientras en escena les daban vida un grupo de actores. Y lo mismo el coro infantil.

El principal reclamo aquí era la Mimí de Montserrat Martí. Nunca antes la había escuchado en un rol de enjundia. Hay que decir que probablemente fuera la más experimentada de todos. Y hay que decir también que escénicamente tiene presencia y su aportación actoral es intachable: muy tierna en el tercer acto. Vocalmente, quizá tuviera la voz más grande de toda la plantilla. Hay momentos de belleza redondeados por su interpretación del personaje, pero también algunos manierismos heredados de su ilustre madre, como a la hora de afrontar el pianissimo en Mi chiamano Mimì. El agudo es poderoso, pero puede ser un poco estridente. Me sorprendió cómo éste podía engullirse a los solistas y a la orquesta.

Israel Lozano fue un Rodolfo de aceptable centro, pero tenía complicaciones si se iba por el agudo, lo que le pasó demasiada factura en el primer acto. Mucho mejor en el tercero y en el cuarto acto, donde se desempeñó decentemente en el Oh, Mimì tu più non torni.

Marta Estal fue Musetta y su vals fue aceptable. Enrique Sánchez como Marcello no estuvo mal pero en las altas zonas a veces era difícil oírle.

El veterano bajo Francisco Santiago fue la segunda gran voz de la noche después de Martí. Siempre que le he escuchado me ha sorprendido gratamente. Tiene una gran presencia escénica y su voz es bella. Nos dejó una bonita versión del aria de Colline del acto final.

La función se hizo amena gracias al empeño de la compañía por hacerla accesible (por ejemplo a la hora de vestir y hacer actuar a los solistas), pero para disfrutar no se puede venir a exigir un nivel como en el Real porque ocurrirá lo contrario.

Como curiosidad, cuando todos ya habían saludado y se habían ido, el coro infantil salió a escena y se puso en formación. Los que quedábamos les aplaudimos.

No quiero terminar esta crónica sin dejar de referirme al pésimo comportamiento de parte del público de esta noche. Al menos en la zona de Anfiteatro la gente se ponía a hablar incluso en momentos clave como la muerte de Mimí. Tengo la impresión de que iban a la ópera como si fueran al cine de barrio. ¿Cómo puede disfrutarse así de la musica? Sin comentarios. Pese a todo, me gusta la iniciativa de esta formación musical de acercar la ópera al gran público a precios asequibles.

El señor Michael Fabiano, sigue demostrando que tiene bonita voz, buenas intenciones, pero que se le dificulta el agudo, como recién ha pasado en la Che gélida manina de La Boheme que están transmitiendo desde el MET. Incluso lució poco brillante, así que se me hace bajada de tono.

Ahora le toca a la señora Yoncheva, que sigue haciendo $$$.

La Yoncheva cantó de manera lineal Si mi chiamavo Mimi y el O soave fanciulla con agudo apoyado y dificultoso a cargo del señor Fabiano.

Mejor continúo escuchando Unos Capuletos y Montescos que transmite la radio lituana en una función desde su teatro.

Falta magia en esta Boheme del Met, una lastima.

Como alternativa a esa cansina Boheme, ahora estoy con esta Aida desde Suecia:

Aida - Christina Nilsson.
Amneris - Katarina Dalayman.
Rey - Lennart Forsén.
Radamès - Ivan Defabiani.
Ramfis - Alessio Cacciamani.
Amonasro - Johan Edholm.
Dir.: Pier Giorgio Morandi.

Por lo largo más entretenida.

Estoy bastante de acuerdo.
Desde hace un par o tres de años y desde que la Yoncheva aborda repertorio más lírico y canta tanto y casi de todo ( con poco descanso), se dedica más a e emitir su timbrada y agraciada voz, pero ha dejado bastante atrás los dotes de expresividad que requieren bastantes veces la partitura.
Yo lo mejor que le he escuchado en directo, vocal y escénicamente, fue su brillante Juliette ( Romeo et Juliette ) en Viena hace cuatro años, junto a Beczala

Béatrice et Bénédict. Seattle Opera. McCaw Hall. 24-II-2018

Interesante experimento de la Seattle Opera que ha presentado una versión extendida de la ópera de Berlioz. Para ello se han basado en la versión en inglés de la ENO y añadido muchos diálogos de la obra original de Shakespeare (en concreto reintroduciendo toda la trama de Don John y sus planes para frustrar el matrimonio entre Claudio y Hero). Para que no quedase como una obra de teatro en la que se canta de vez en cuando, han complementado estas escenas con música de otras óperas de Berlioz. Por ejemplo, al principio del acto II cuando Claudio cree haber visto a Hero engañándolo con Borachio, canta un aria acusándola y lamentándose con la música de «Ah! Qui pourrait me résister?» de Benvenuto Cellini. Igualmente Somarone/Dogberry canta el «Sigh no more, ladies» de Shakespeare con la música de «Voici des roses» de la Damnation de Faust y en otro momento se usa diálogo de Shakespeare sobre música de L'enfance du Christ.

He pasado un buen rato, gracias sobre todo a la muy buena labor de la Seattle Symphony dirigida por Ludovic Morlot. Aún así, tengo que pensarme un poco hasta qué punto el experimento ha funcionado o si la combinación de las obras de Shakespeare y Berlioz ha servido principalmente para diluir ambas.

Y las voces estimado amigo?

No me había extendido porque publicaré una crítica más completa en Codalario. En primer lugar, cabe comentar que el reparto incluyó actores que no cantaban (como Don John), extraídos de la compañía shakespeareana local y en general bastante competentes. Se tomó la razonable medida de amplificar los diálogos pero no las partes cantadas. Sin embargo, en la práctica se pasaron con la amplificación y el contraste entre uno y otro caso (con voces en general pequeñas) fue demasiado marcado y molesto (por cierto: ¿por qué no sobretitulan los diálogos los teatros norteamericanos en estos casos (o en operetas)? Muchas personas mayores o, en este caso, poco acostumbradas a Shakespeare, no se enteran de nada).

Los cantantes me sorprendieron por su soltura con el diálogo, tanto Daniela Mack (Beatrice) como Alek Shrader (Benedict) lograron grandes interpretaciones cómicas. Vocalmente, algo mejor ella que él, que tiene una voz un tanto blanquita y falta de refinamiento. Kevin Burdette habitual en papeles bufos, cumplió bien con su Somarone «extendido» (como decía, cantó el «Voici des roses»). Craig Verm (Claudio) es uno de tantos barítonos jóvenes con voz bonita, buenas maneras, pero faltos de un perfeccionamiento que no suele llegar. Tendría que consultar el nombre de Hero, que me dejó más bien poquita impresión, a raíz de una vocecita pequeña aunque bonita.