no siempre

yo tuve suerte en una Isolda de SALZBURG , el dia que la escuche, en la siguiente funcion estuvo de pena,tanto es asi que anulo las tres funciones siguientes que le quedaban

tambien es verdad ,que la produccion tampoco le acompañaba mucho

Yo también estuve el día 21, en lo que era además nuestro debut como espectadores scaligieros. La velada resultó magnífica, por la calidad de lo que se ofrecía desde el foso y sobre el escenario, y por la sensación, entre el respeto y la emoción, de sentirse dentro de un teatro que sería el templo máximo si la Opera fuese una religión. Compartimos palco con dos señoras suizas, encantadoras, una de ellas además biznieta del propio Wagner. Las conversaciones en los entreactos resultaron jugosísimas, aunque no os voy aburrir con ellas. Me quedo con la recomendación muy efusiva que me hicieron, y que yo os traslado, de la última producción de Tristán de la Opera de Zurich, con el personaje principal transmutado en el propio Wagner. Habrá que esperar la ocasión de verla.

La producción de la Scala coloca el foco sobre los sentimientos de los personajes y sobre las relaciones que entre estos existen y se establecen. Resulta de ello una lectura sentimental, apasionada, que se puede perfectamente descontextualizar y ubicar en un espacio y en un tiempo inciertos. Está muy trabajada desde el punto de vista dramático, es una producción de gestos y detalles, en la que lo fundamental es la interacción afectiva: Isolda intenta hablar con Tristán cuando pasa a su lado en el primer acto pero éste le da la espalda, ella alarga la mano pero no se atreve finalmente a tocarle; Tristán cae a los pies de Isolda y besa los vuelos de su vestido sobre el estremecedor acorde que sigue a la toma del bebedizo; Tristán vela suavemente con sus manos los ojos de Isolda al inicio de “O sink hernieder”; Isolda se arroja a los pies de Tristán y extiende su mano, Tristán se inclina hasta besarla con ternura y respeto; Tristán y Marke se abrazan en dos ocasiones en el segundo acto, en la segunda, Tristán mira a Isolda, y mira luego a Marke en un mudo ruego que es atendido y puede al fin acercarse a ella; Tristán mira a Isolda con gesto de desolación, de dolor profundo, antes de arrojarse sobre la lanza de Melot; los hombres de Tristan le rodean mientras agoniza, sujetan su cabeza, le sostienen para que no caíga; Isolda, desesperada, tira hacia arriba del cuerpo ya sin vida de Tristán y se abraza a él desconsolada; Kurwenal, agonizante, alarga su brazo inutilmente hacia el cadáver de Tristán...la interacción, el contacto visual o físico entre los personajes, es permanente, y se logra con ello una intensidad dramática que es el gran activo de esta producción, lo que la hace diferente.

El uso de la luz y del color es muy inteligente, también en la linea de ser estímulo para provocar respuestas emocionales: la niebla atravesada por una luz lunar, indiferente, entre la que el barco busca la tierra de Cornualles y que es a su vez el velo de incertidumbre, de marcha hacia lo desconocido, que debe atravesar Isolda; el efecto de una simple capa roja, el manto real de Isolda, sobre un fondo gris y negro, o sobre el vestido azul metálico de Isolda, es como un grito de pasión sobre la contención y el mundo de las convenciones y las apariencias; la pequeña llama que tiembla y oscila en la oscuridad a través de la que Isolda espera con angustia la llegada de su amante en el segundo acto simboliza su propia fragilidad y a la vez el fuego de su deseo.

La dirección de Barenboim fue extraordinaria, aunque yo le pondría el pero de resultar, en el primer acto, excesivamente contenida, un poco blanda, como falta de tensión. Es claro que mima las voces, que las mece y las acompaña, y que regula las dinámicas constantemente con esta intención, pero tuvo momentos de suavidad excesiva, de falta de arrojo. Quizá es que mi última referencia sea el Tristán de la Staatsoper de Berlín en mayo, en la que, y permítaseme la expresión, se soltó la melena y el sonido resultó muy poderoso y arrebatado. Puede que tenga que ver con el tamaño del teatro, o con mi posición en él, pero así me pareció y así lo cuento. Al estar nuestro palco sobre el foso y a muy baja altura, pudimos tener una visión perfecta de Barenboim y la orquesta durante toda la representación, y hubo varios momentos curiosos, como la regañina de Barenboim a uno de los chelos al final del primer acto, o el vuelo de su batuta que en un momento del segundo acto salió disparada de su mano hacia los músicos que celebraron con risas la anécdota. La orquesta, por cierto, magnífica, muy compenetrada con quién es su director “in pectore”.

Sobre la Isolda de Meier, se han dicho ya tantas cosas que es difícil ser original. Sufre, gime, llora, desea, se contiene, odia, es orgullosa, tierna, fuerte y frágil a un tiempo, peligrosa como un felino, elegante y feminina, y ruda si viene al caso. Una interprete soberbia, aunque por arriba es verdad que a veces tiene que recurrir al grito o directamente prescinde de llegar. A lo mejor interpretamos como deterioro lo que puede ser la evolución natural de su voz, siempre muy gruesa y oscura, y con ese vibrato tan hermoso que ella regula para obtener un dramatismo y una intensidad soberbios. En cualquier caso, sigue siendo para mi la Isolda del momento, y verla, un placer sin paliativos.

Storey es un cantante que ha tenido la inmensa suerte de encontrarse en el momento preciso en el lugar adecuado. Su linea de canto es plana, su voz fea (nada hay más opinable y subjetivo que este tipo de apreciaciones), el vibrato, ostensible, el agudo, corto y estrangulado. Le beneficia la falta de competencia (¿cuántos tenores cantan regularmente el papel?) y una presencia física que resulta perfecta para las intenciones de esta producción. Se ha beneficiado también, por qué íbamos a negárselo, de su coraje y de su trabajo: preparó casi sin tiempo el papel para la premiere del año pasado, ha mejorado claramente con respecto a aquella interpretación y la producción la tiene muy trabajada desde el punto de vista dramático, el suyo es un Tristán apesadumbrado y triste que llega a conmover. Por eso se merece el aplauso que la Scala no le negó, y al que yo contribuí.

Matti Salminen tiene la edad perfecta para ser el Marke de esta producción, es suficientemente mayor como para estar más cerca de la ternura que del deseo, más cerca del dolor por la traición del que es como un hijo que de la vergüenza por la infidelidad conyugal, más cerca del perdón y la comprensión que de la venganza. Su presencia es imponente, el conocimiento y el dominio sobre su instrumento, magníficos, y la profundidad con la que desciende a la rabia y asciende al grito de dolor no pueden causar indiferencia. Es un grande sin discusión.

El Kurwenal de Grochowski también está muy conseguido desde el punto de vista dramático, es joven, generoso y fiel, y siente devoción por el héroe al que admira y por el que muere sin pestañear. Su voz me parece interesante, el centro es sólido y los agudos son buenos. Menos afortunada fue la Brangäne de Lioba Braun, que resultó insignificante, plana en lo dramático e inaudible en ocasiones en lo vocal.

Una experiencia para recordar que quería compartir con vosotros.