... castaña de marca mayor. Es todo lo contrario a lo que indica su nombre.

No leo ninguna cítica ni opinión antes de la función para ir con el menor prejuicio posible; después ya sí, me interesa todo lo que se dice, y aprendo mucho con ello, no solo sobre la ópera, sino sobre la naturaleza humana.

Así que a lo lo que voy, yo no vi tanta maravilla; no es que saliera ni mucho menos decepcionado, pero me esperaba más en general. Para empezar, un montaje trivial y mediocre -- con una genial excepción-- que no me sugirió en ningún momento esa mezcla de ambiente enfermizo, lujurioso, sensual y terrorífico con el que yo identifico la obra. Salome, la veo yo como una niña-mujer que no diferencia --o no le interesa diferenciarlo-- el bien del mal; malévola e ingenua a la vez , subyugadoramente ignorante --o tal vez no, ese es el encanto de su ambigüedad-- de las tremendas consecuencias de sus caprichos, los cuales consigue con una inteligente dosificación de falsa inocencia infantil y esa seguridad de la adolescente que se sabe deseada por los hombres. Por eso no entendía por qué cantaba como una mujer histérica y enfadada sin el menor atisbo de sensual coqueteo. Y aquí viene la genial idea de Micchieletto, Salome ha sido abusada por Herodes cuando era una niña, y sabiendo que este respeta y teme al profeta, le pide lo que más daño puede hacer al aterrorizado tetrarca. Friamente y en bandeja, naturalmente, pero eso sí, de plata, como corresponde a una princesa. Claro que esto se puede contradecir un poco con lo que siempre he interprertado, y es que el motor de su venganza es el rechazo del Bautista. Pero como está claro que Salome no está completamente en sus cabales, toda esa parte y su lírica declaración de amor y deseo (puramente sexual por otra parte, otro capricho), es una autojustificación que quizás le parezca mas aceptable que el odio ciego que la empujado a cometer un crimen tan horrendo o más que el que su padrastro le ha inflingido. O quizás las dos a la vez, que la pasión insatisfecha y humillada ha producido muchas víctimas. En todo caso es la parte final donde aparece la Salome más humana de la ópera, no sabemos bien si despechada o arrepentida, lo que le da un plus de interés. La peluca y vestuario tampoco la ayudaban nada. Ni me gustó el espacio escénico ni el concepto de los personajes, exceptuando quizás el Herodes de John Daszak. Ni siquiera Michaela Schuster, siempre tan buena en su actuación, dio con el kid de esa envidiosa y maligna víbora que es Herodías.

Vida Minevičiūtè tiene la voz, es indudable, con graves algo menos que justitos; tuvo grandes momentos en su escena final, pero la emisión está llena de altibajos en el volumen, y de cada 3 palabras se le entiende claramente solo una. Y eso en la fila 4. Y para mi lo más difícil es ese vibrato por momentos ovejuno en las largas y sublimes frases, en agudo los "küss y "geküst" y "Mund" de algunas frases me rebajaron la emoción por completo. Siempre me pasa lo mismo con ella, me gusta, pero no me hace levantarme de la butaca. Peluca y vestuario acabaron de desdibujar al personaje.

A Nicholas Brownlee, por el contrario, se le entiende hasta el más mínimo susurro. Con su bellísimo timbre, su total dominio de la emisión, y una expresividad que borda desde sus anatemas hasta la dulzura con la que habla del Nazareno, estaba deseando escucharle despué de la grandísima impresión que me dejó el año pasado. Magnífico.

Muy correcto el Narraboth de Christopher Sokolowski

La orquesta suena a gloria, aunque creo que esta vez James Gaffigan se excedió en algunos momentos en el volumen, que ya tuvo que ser para taparle un par de palabras a Brownlee. El Holandés del año pasado aún lo tengo clavado en la cabeza como una de las mejores direcciones orquestales que he escuchado nunca. Con todo, espléndida, dramática, sensual y violenta, todo lo contrario que la dirección de escena. Y con todo, las virtudes superaron con mucho a los defectos e hicieron merecible el viaje.

Una pena es que la paella -- o lo que fuese aquello-- resultó un fracaso notable y carísimo. Ya es mala suerte que te pase eso en Valencia.

Ya saben ustedes, damas y caballeros, que la Scala ha confiado a Michieletto su próxima producción de Don Quijote. El veneciano ya ha anunciado que su versión buscará atraer a los nuevos públicos a la ópera, para lo cual el Caballero de la Triste Figura será resignificado como una víctima de la intolerancia que padecemos.
En su versión, Alonso Quijano es un gay metido en el armario, lo cual explica que no se haya casado a sus casi 50 añazos. Vive aterrorizado por si el ama, la sobrina y el cura sospecharan de él y lo denuncian a la Inquisición. Para que no sospechen de él, se inventa una novia (Dulcinea) que vive en otro pueblo y a la que nunca va a ver.
Aquí Michieletto meterá unas proyecciones de un auto de fe, para que se vea cómo se las gastaba la Inquisición en esa época (leyenda negra a tope).
En cuanto a Sancho, también es gay, pero ha optado por casarse para guardar las apariencias.
Locos de amor el uno por el otro, Alonso se inventa el rollo de ser un caballero andante y Sancho abandona a su mujer (estaba deseando hacerlo) para irse de escudero con Alonso. Lo que quieren realmente es vivir su pasión lejos de las miradas de los demás, durmiendo abrazados bajo las estrellas, en las hermosas noches de La Mancha.
Bien, pues si les parece que no hay derecho a masacrar así a Don Quijote de la Mancha, tampoco está bien lo que ha hecho Michieletto con Salomé.

¡Qué tragedia! La ópera, ese sacrosanto arte donde jamás se ha reinterpretado nada con éxito y que, por supuesto, es del todo incapaz de dialogar con su tiempo. Defendamos, pues, las esencias; que tres siglos de tradición escénica no se contaminen de presente.

Resulta curioso que en Don Quichotte aceptemos sin pestañear un libreto que adapta libremente el consabido romance (todo ello cantando en la lengua de Cervantes: el francés), pero consideremos inadmisible cualquier desplazamiento interpretativo que no se pliegue a una supuesta lectura “tradicional”, cuya pureza no deja de ser, en realidad, un dogma bastante reciente.

Convendría recordar que aún no conocemos la producción de Michieletto en la Scala (o sí, porque, imagino, será la misma que la de París de 2024) y que ninguna reinterpretación borra la obra original: la amplía, la tensiona y, sobre todo, la mantiene viva. Si seguimos regresando a estas obras es precisamente porque admiten y resisten lecturas sucesivas. Y sí, esto resulta especialmente fértil incluso en obras menos conocidas (véanse algunas zarzuelas recuperadas recientemente), donde una mirada escénica inteligente puede revelar valores que el texto original, por sí solo, no sostiene.

Quizá podríamos ahorrarnos, una vez más, este debate sin fin... Hay producciones de corte tradicional que son una delicia y otras que son para olvidar; lo mismo que con las más contemporáneas. En el fondo, no es más que cultura respirando con normalidad el 2026.
Bien, espero no haber avivado la hoguera. Hablemos de lo maravillosa que es esta Salome!

Pues está La Scala que se sale; me fui hace un par de semanas a ver Pelléas et Mélisande, sobre el papel con un muy buen reparto: Keenlyside, Blanch, Richter, Lemieux, Reylea. Pero lo más esperado era , sin duda, finalmente el debut de Romeo Castellucci, el famoso y premiadísimo regisseur, en el templo de la lírica por excelencia.

Yo no tengo ningún problema con los montajes modernos, que investigan, que reinterpretan, que me dan nuevos puntos de vista y matices escondidos en las grandes obras de repertorio. Todo lo contrario, me gusta que espoleen mi imaginación. Pero que a las dos y media de la tarde te sometan a una sucesión de tableaux crípticos, eso sí, muy estetizantes, cuyo hermértico significado tienes que ponerte a discernir aún bajo los efluvios del esta vez sí, excelente pranzo, y teniendo en cuenta que ya el de por sí desmelenado simbolismo del bellísimo texto de Maeterlinck requiere un cierto esfuerzo de concentración para apreciarlo en su total pluralidad de significados, tomé la drástica decisión de largarme en la pausa. Por ello no pude hacer una crítica medio objetiva. Sí que puedo decir que Keenlyside estaba estupendo, Sara Blanch no acababa de encajar y la dirección de orquesta era plúmbea.

Es triste abandonar una función a la mitad y me hace sentir mal. Pero tampoco es la primera vez.

No, perdone. Eso será usted. Yo acudo, una vez y otra, a estas maravillosas obras porque me interesa solazarme en el gran arte de quienes las crearon (en el suyo, no en el de ningún intermediario tergiversador), y encontrar siempre nuevas cosas en ellas, sin necesidad de que el "intelectual" de turno me venda burras y sus traumas u obsesiones personales. Para eso, prefiero que creen sus propios trabajos y elucubren en torno a ellos todo lo que deseen. Del mismo modo que se pueden releer, una y otra vez, las grandes obras de la Literatura universal sin necesidad de modificarlas, también podría hacerse igual con las teatrales y las operísticas. Pero que no sea así responde únicamente, creo yo, a unas circunstancias coyunturales concretas (la aparición de la dirección escénica), y al interés de ciertos sectores que salen ampliamente beneficiados con esa nueva tiranía que es la de los régisseurs o metteurs en scène.

Y sí: volvamos mejor a esa obra maestra que es la Salome straussiana.

+1, totalmente de acuerdo!
Somos lo suficiente veteranos y conocedores de la ópera, para NO necesitar " nuevas pseudo sabidurías"

Pero con todos mis respetos, señor Alberich, ¿es "Don Quijote de la Mancha" una entretenida novela de aventuras caballerescas o algo que va mucho más allá, tan mas allá que sus profundas meditaciones siguen siendo válidas y frescas hoy en día? ¿Es "Così fan tutte" una necia comedia poco creíble o un certero tratado filosófico sobre las veleidades del amor y la incapacidad de los humanos para mantenernos fieles? ¿No es "Lohengrin", esa tristísima ópera, un poco lo mismo, con el añadido de que, aún sabiendo con certeza que escogemos el mal camino, seguimos por él erre que erre, y no una mediocre historia de un señor que viene en un cisne a salvar a una dama y un pueblo en apuros? ¿Y "En busca del tiempo perdido", es un peñazo de 7 tomos que no hay quien lo termine, o bien la descripción minuciosa de casi todas las situaciones y emociones por las que pasamos los humanos a lo largo de la vida? Podría seguir poniendo ejemplos "ad infinitum".

Los compositores son genios que cuentan muchas cosas en una ópera de dos o tres horas a la que es evidente que tienen que encajar en algún tipo de historia. Y que los regisseurs busquen, no cambiar la historia, sino encontrar o resaltar las ideas que a veces subyacen en ella y que no son tan evidentes, me parece no solamente lícito, sino necesario y enriquecedor. Naturalmente hay algunos que lo hacen bien, con inteligencia y respeto a la obra, y otros que piensan que los protagonistas de la función son ellos y no el compositor. En esa parte no puedo sino darle la razón.

Como igual de lícito es que cada uno de nosotros vayamos a la ópera y veamos y lleguemos hasta donde queramos, podamos, o nos de la real gana. Y salgamos todos tan contentos, porque una obra de arte, por suerte, se puede leer de muchas maneras.

¿A ver si ha ido usted a comer a ese inexistente Pais donde replicanl la Salome de Les Arts con el mismo montaje viejuno de Cooperatva de Estudiantes setentera?

Bueno, lea otra vez lo que yo he escrito (concretamente la parte que ha citado Tucker) y verá que digo, precisamente, lo mismo que usted señala: las grandes obras admiten múltiples lecturas (dentro de la integridad de su texto y época), pero yo prefiero que sea "MI" lectura de lo que crearon sus autores (músicos y libretistas), no las elucubraciones de ningún otro (que, además, en numerosas ocasiones tergiversan la obra original). Y por cierto: Don Quijote de la Mancha, Così fan tutte, Lohengrin y En busca del tiempo perdido cuentan lo que cuentan, y encierran lo que encierran, y nada más. Otra cosa es que luego, críticos, teóricos, literatos y estudiosos, a través del análisis de dichas obras extraigan consecuencias, nuevas lecturas, interpretaciones, etc. Pero la obra es la que es, y se ofrece al lector prístina (de hecho, cualquier editor buscará ser lo más fiel posible al original, según los criterios propios de la Filología y su ecdótica). Luego será dicho lector el que decida si, además, quiere adentrarse en ese mundo de reinterpretaciones y nuevas lecturas. Pues eso mismo es lo que yo querría para el mundo de la ópera: representaciones fidelísimas, respetuosas, lo menos desnaturalizadoras posibles. Entiendo que alguno objetará que el problema principal es que mientras unas obras (las literarias, las plásticas) se disfrutan y digieren de modo individual, las teatrales se desarrollan en un marco colectivo. Pero, por eso mismo, quizá, y con mayor motivo, deberían ofrecerse tal y como las pergeñaron sus creadores (para que la gente sepa cómo eran realmente), y que luego, cada uno de los espectadores sacara sus propias conclusiones, sin intermediación de manuales de uso, ni de cerebritos exegéticos.


No, querido amigo, discúlpeme: los compositores quisieron contar lo que contaron, y no lo que nos quieren hacer creer los directores de escena para justificar su trabajo (con propuestas que, además, en numerosas ocasiones resultan claramente extemporáneas y nada clarificadoras).


Yo tampoco estoy tajantemente en contra de esa posibilidad (aunque prefiero que no existiera), pero lo cierto es que la mayoría de las veces se cambian las historias (si no en sus líneas fundamentales, sí en numerosos aspectos que pudieran parecer tangenciales, y no lo son: por ejemplo, los cambios históricos de época, que dejan sin sentido mucho de lo que dicen los libretos).

Pero sobre todo, si he entrado en la conversación es para precisar que la afirmación categórica de Manon Troppo no era exacta, pues muchos volvemos reiteradamente a esas obras porque las queremos y nos gustan como se crearon, no pasadas por el filtro del genio escénico de turno.

Un saludete.

Entiendo y comparto algunos de sus puntos de vista, pero no estoy en absoluto de acuerdo en la idea general.

Mire, si ponemos a 100 personas delante de Las Meninas y les preguntamos qué quiso pintar Velázquez en ese cuadro, qué ven en él, probablemente obtendríamos 100 respuestas diferentes y seguramente, todas con su parte de razón.

Yo creo que una obra de arte, cualquiera, por más grande y maravillosa que pueda ser, no es nada ni sirve para nada si no hay un espectador al que emocione, al que comunique algo. Es indudable que el autor habrá tenido sus razones, sus intenciones e incluso a veces habrá querido dar un mensaje concreto. Pero quien va a disfrutar de esa obra, o sea, cada uno de nosotros, tenemos detrás una experiencia, una cultura, unas vivencias y una sensibilidad diferentes, que nos hacen ver y sentir cosas distintas ante una misma obra de arte, en el caso que nos ocupa, una ópera, esa supuesta “obra de arte total”.

Incluso con el tiempo va cambiando nuestra percepción. No es igual ver Parsifal con 18 años que pasados los 50; ni tampoco si eres religioso o no.

Y es en eso tan elusivo que usted define como “cuentan lo que cuentan” o “los compositores quisieron contar lo que contaron”, donde, tomando unas palabras de la Mariscala que me encantan, está la diferencia. Yo no tengo la osadía de pretender saber lo que tenía el autor en la cabeza, pero sí la tengo de dejarme llevar por lo que determinada obra me sugiere, por la emoción que me produce y por el significado que para mi tiene. Si coincide al 100 por 100 con el del autor es lo de menos, porque la emoción es personal y está filtrada por las vivencias. Y si alguien me hace ver algo distinto basado en las suyas, pero que está ahí y se me había escapado, no puedo hacer otra cosa que regocijarme.

Sería aburridísimo que viéramos siempre la misma interpretación de las óperas, cambiando cantantes y decorado; ciertamente si vas a ver Capuleti o Manon Lescaut no esperas más que voces bellísimas y una orquesta estupenda. Y que el regisseur invente poco. Porque tampoco hay mucho que sacar. Pero hay muchísimas óperas que sí hacen pensar, incluso las hay que son pura filosofía, y yo creo que se puede ir con la mente abierta y dejarse llevar no solo por lo que sientes tú sino por algo distinto que alguien te está contando. Algunos directores son muy inteligentes y personalmente, me han dado grandes momentos. Otros son muy burros y entonces prefiero unirme al coro de la tradición.

Seguramente nunca nos pondríamos de acuerdo sobre este tema, pero en cualquier caso es una conversación interesante. Hans Sachs, en esa maravillosa ópera que es Meistersinger, sugiere a los maestros que las reglas están para respetarlas pero también para romperlas cuando esa nueva libertad adquirida va a servir para enriquecer, para ver con un nuevo enfoque, lo que no siempre tiene que ser fijo. Yo estoy muy de acuerdo.

Saludos.

Damas y caballeros:

(Prefiero esta forma de hablar a lo de "todos y todas" que se ha puesto de moda)

Daré mi opinión sobre este apasionante debate. Para mí la ópera es patrimonio cultural.

Y ¿qué es el patrimonio cultural? Pues ésta es la definición:

El concepto de patrimonio cultural designa a la herencia, material o inmaterial, recibida por una comunidad dada, para ser disfrutada y protegida por las generaciones presentes y también para ser transmitida, a su vez, a las generaciones que vendrán por su alto valor histórico, artístico o simbólico. Constituye la identidad y la memoria colectiva de una sociedad.

Pues la ópera es patrimonio cultural, ni más ni menos, y hay que tratarla con el debido respeto. Cuando yo voy a ver La Traviata voy a ver una obra que se estrenó en los tiempos de los abuelos de mis abuelos, y que les gustó muchísimo. Si a mí me gusta o me aburre, es cosa mía. Pero la ópera debe protegerse y transmitirse a nuestros hijos y nietos, por si a ellos les gustara o gustase.

Saludos

Debo recordarle a mi díscolo y contracultural amigo Lord Peanut que La Traviata, precisamente, cosechó un estrepitoso fracaso en la noche de su estreno; de la misma forma que "La ronda nocturna" de Rembrandt supuso un escándalo tremebundo y social en su tiempo. Y así podríamos desgranar obras que hoy conforman su "patrimonio cultural" cuando en su día fueron deshechadas por el público, la crítica y la intelectualidad.

Desechar o no desechar: esa es la cuestión.
Hay obras de gran interés, con inmenso éxito en su día que hoy no entusiasman como antes y, de igual manera, otras que merece la pena recuperar para poder verificar en ellas esa pasión de que pudieran gozar; conocemos los casos de "Carmen", "Traviata", etc. Lo mejor es disfrutar, pudiendo representarla.
Muchos disfrutan con "Jenufa" que, habiéndola ya visto, la desecho pero por el inmenso dolor que me produce el horror que realiza Kostelnika, no por su música, creación, personajes, etc. En mi caso; jamás diría: esta obra no debe ser repuesta. Y, si se puede, con respeto al libreto original, época, acción...
Yo.

Asistí a la función del domingo 3 de Mayo. Más o menos Valencia me va bien, pase más tiempo yendo y viniendo que en la ópera. Pero de vez en cuando me animo a ir.

Tenía la entrada desde hace tiempo, y era más que consciente de que esta ópera estaba muy muy por encima de nivel, pero aún así, como no la había visto me animé. Es curioso, porque hay muchas partes que no me enteraba de nada, e incluso tenía que echar un ojo al foso para identificar el instrumento que sonaba. La orquestación me pareció como de otro mundo, muy diferente a lo que es habitual en otros repertorios más programados.

Cómo la disfruté, hay leitmotivs que identifiqué, otros que no. Pero me pase todo el lunes OBSESIONADA con esta ópera, que pensaba que no era para mí, pero oye!

Disculpen de antemano mi simpleza en la crónica. Pero me lleve una grata sorpresa, y quería compartirla con ustedes.