I Masnadieri es un Verdi poco frecuente de los años de galeras y ay, ya me temía yo que me fuera a resultar un ladrillo indigerible después de haberla escuchado un poco por encima y haber intentado ver un vídeo en una de mis sesiones de ópera+plancha (que dejé en el segundo acto).

Y oye, no, que si te la interpretan de una manera brillante se puede convertir en toda una fiesta, como ocurrió anoche en el Teatro Real.

Porque tuvimos un director musical, Francesco Lanzillotta, que cogió las riendas con un brío y vivacidad encomiables. Aquello sonaba a puro Verdi, huyendo del chimpún de banda de kiosko, metiendo tralla y decibelios en muchos momentos y creando atmósferas más íntimas cuando era menester, como en el preludio o las cavatinas. La orquesta, respondiendo perfectamente. ¿Algún desajuste? Pues sí, pero totalmente compensado por la sensación global. Importante colaboración del coro. Rotundos ellos como los bandoleros pero ellas en la segunda parte tuvieron un momento de poner la piel de gallina. Muy bien.

El reparto estaba liderado por Lisette Oropesa de estrella principal (la única que cantó sin partitura, ojo). Por supuesto que se lució en su cabaletta "Carlo vive", pero no es sólo eso, estuvo implicada y marcó estilo. Su timbre a mí me suena como "antiguo", sin que sea eso una crítica, me parece que le va muy bien a esta ópera. Aplausos tras la cabaletta y da capo con broma incluida en el agudo inicial (si puedo luego busco el vídeo, que lo vi en Instagram).

Nicola Alaimo es un lujazo de barítono y nos dejó a todos petrificados con su gran escena del cuarto acto, de una intensidad y dramatismo no exagerado sorprendentes. Bravo.

Un puntito más abajo por temas de emisión, pero sin desmerecer, el Carlo de Piero Pretti. Cumplidor y más que suficiente.

Alexander Vinogradov ofreció también un conde Massimiliano de altura, voz asentada y potente.

Muy bien Alejandro del Cerro como Arminio, muy en su sitio con una voz que es bastante más que para ese papelito.

George Andgulazde tuvo una correcta intervención como el cura con una voz un tanto escondida pero con un color oscuro muy bello.

Y Albert Casals cumplió en su episódico papel (¿qué tiene, tres o cuatro frases?

Ya en el descanso se comentaba que estaba gustando mucho, y al final los aplausos (con un teatro casi lleno) fueron atronadores.

Quien pueda ir el día 14 se lo recomiendo. Ah, que es San Valentín. Bueno, vale como regalo.

Más crónica social...
¡Sí!
Me encontré a nuestro cronista oficial, don angelparsifal... ¡EN LOS VÁTERES!
Encuentro fugaz, y no es que anduviéramos de cruisineo, es que quedaban tres minutos para que empezara la función.
Luego estaba sentado detrás mío y comentamos brevemente, pero al final... desapareció.
Misterios oropésicos.

Que vayáis si podéis, leche, que está muy bien.

Encontré el Da capo del Carlo vive, sacado de una Story de Instagram:



https://youtu.be/7aOOFkipciM


No sé si se pueden embeber vídeos ya en este foro, los botones parecen no funcionar

[youtube]https://youtu.be/7aOOFkipciM[/youtube]

[BBvideo 425,350]https://youtu.be/7aOOFkipciM[/BBvideo]

Aquí, en grabación oficial del propio Teatro (para dar publicidad al hecho): https://www.youtube.com/watch?v=iB5ozBFRQ9s

Primera función, 10 de febrero de 2026.

El Teatro Real nos está ofreciendo una serie de impagables representaciones en versión concierto de las óperas de "los años de galera" de Giuseppe Verdi, esos años de intenso trabajo, sometido a exigencias de los teatros, pero que al mismo tiempo terminaron por consolidar, retirado Rossini, y fallecidos Bellini y Donizetti, su fama como el compositor más importante de Italia. La temporada pasada hubo funciones en concierto de Attila e I Lombardi alla prima crociata, esta última magníficamente servida. Ahora es el turno de I masnadieri, ópera estrenada por Verdi en Londres en 1847, a cuya función inicial fue la reina Victoria, su marido Alberto y toda la aristocracia británica. Pese al éxito de la primera función, que contó con la mítica soprano Jenny Lind y el igual mítico bajo Luigi Lablache en el reparto, la obra no logró asentarse en el público. La historia está basada en una obra teatral de Friedrich Schiller, uno de los autores fetiche de Verdi, Los bandidos, sobre la tragedia de una familia: un estudiante, Carlo, que elige la vida de bandido tras el engaño de su malvado y ambicioso hermano, que le dice que su padre ha renegado de él, ya que desea la herencia y los favores de Amelia, bella joven enamorada de Carlo. La historia de Schiller, un culebrón romántico que expone la turbiedad del alma, fascinó a Verdi, aunque la dramaturgia de esta ópera es inverosímil para el público moderno. ¿Pero qué importa eso si la música es hermosa?

En el Teatro Real se estrenó en 1854, sin demasiado éxito, aunque una compañía menor ya la había estrenado antes en la ciudad. Ahora regresa con dos funciones en versión concierto, y un reparto estelar liderado por la mundialmente aclamada soprano estadounidense Lisette Oropesa, una de las favoritas del público capitalino, en el rol de Amalia. Cada vez que Oropesa canta en el Teatro Real, el evento se convierte en acontecimiento. Anoche el teatro estaba casi lleno y la razón principal era ella, con muchas caras conocidas entre los aficionados locales al género, entre los que se encuentran muchos de sus admiradores. Oropesa cantó este rol en 2019 en la Scala de Milán y en la Ópera de Múnich en 2023, y ahora repite el rol con un éxito total. A sus 42 años, la estadounidense sigue manteniendo una bellísima voz que suena juvenil, con agudos preciosos y espectaculares, una coloratura excelente, y un legato notable en todas sus intervenciones, virtudes las que añade su elegancia en escena. En su entrada, en el aria "Lo sguardo avea degli angeli" no obstante el agudo final tuvo un momento de fragilidad, pero es algo humano. En todas sus demás intervenciones estuvo magnífica. El delirio, llegó, sin embargo en su gran escena del acto segundo. Tras una bella interpretación del aria "Tu del mio Carlo al seno", llegaba la espectacular y animada cabaletta "Carlo vive", en la que exhibió su impresionante coloratura. Tras terminar el número recibió una larga y prolongada ovación, hasta el punto que Oropesa bisó el da capo de la cabaletta, todo un regalo para un extasiado público. En la segunda parte, aunque el personaje no tiene momentos propios, pero sí el gran dúo con Carlo, Oropesa mantuvo su excelente nivel. No es de extrañar que al final fuera la más ovacionada del elenco.

Si Oropesa fue el principal reclamo de esta función, el resto del elenco, el coro y la orquesta fueron puro fuego.

Nunca había visto en vivo a Piero Pretti, tenor italiano habitual en el Real, pero principalmente en segundos repartos. Me ha gustado su voz de timbre juvenil, y su entregadísima interpretación, aunque esta tiene sus más (buena parte de la función) y sus menos (a veces le tapa la orquesta, tiene momentos en los que la voz se templa). Excelente en la primera parte y en el acto final.

Aunque la voz masculina de la noche fue sin duda la del barítono Nicola Alaimo, sustituyendo a última hora a Mattia Olivieri, cuya interpretación del malvado Francesco se vio crecida por su potentísima voz. Alaimo sobrepasó a la orquesta, y toda su entrega vocal, contribuyó a crear un convincente retrato brutal del personaje. Aunque eso no juegue en su favor cuando en el dúo con Amalia, suene muy brusco cuando le declare su amor, a nivel musical. Cada intervención de Alaimo fue espectacular, y muy especialmente su escena de locura en el acto cuarto, tras el cual fue muy aplaudido, no solo por el público sino por la orquesta, con las cuerdas golpeando sus arcos. La emotividad de ese momento se coronó con un abrazo entre él y el director de orquesta.

Como el conde Massimiliano, Alexander Vinogradov fue de menos (con una voz vibrante y un poco gutural) a más en la función, coronándose con una memorable intervención en el acto cuarto, donde brilló junto a Pretti.

El resto del elenco, completó el excelente nivel: notables Alejandro del Cerro como Arminio y Albert Casals como Rolla. George Anguladze, con su excelente voz y con bellos graves en su breve interpretación del rol de Moser, siendo capaz de hacerse oír frente a un Alaimo que acaparaba todo.

La inspiración se notó también en la orquesta. El maestro Francesco Lanzillotta hizo una interpretación potente - y pasada de decibelios también- al frente de la Orquesta del Teatro Real. La obertura, con ese precioso solo de violonchelo, estuvo bien, pero todas y cada una de las secciones de la orquesta se hicieron notar en los actos siguientes, resultando en una disfrutable interpretación, encendiendo las pasiones de la trama: las cuerdas, con unos notables trémolos, y los metales, compitiendo con el coro de ladrones en potencia y crudeza. En esta obra, el coro interpreta a personajes oscuros, y como tales, su música es potente. El Coro del Teatro Real, a las órdenes de José Luis Basso, ha dejado una inolvidable interpretación, tan apasionada y electrizante como las de los solistas. Ya desde su primera intervención dieron muestras de vigor, logrando incluso imponerse sobre la orquesta. Dado que son ellos los que dan título a la obra, la sección masculina se esforzó en sonar con rotundidad para interpretar a los violentos ladrones. El coro a cappella del segundo acto, un número festivo, de bacanal, sonó sobrecogedor por parte de ambas secciones, transmitiendo escalofríos de lo turbia que es la corte de Francesco.

Funciones como esta lo reconcilian a uno con el género. Posiblemente en lo que llevemos de temporada, no hemos disfrutado tanto como anoche. Porque este es el repertorio que ama el público de Madrid, y porque esta es la diva que los madrileños aclaman. Y también porque Verdi sin pasión no es Verdi, incluso si es menor. No sé si de más, pero ayer nos la dieron.

Siempre he pensado que Lisette Oropesa, con algunos años menos, sería la María ideal de West Side Story.

Anoche nos regaló en el Teatro Real una velada realmente... electrizante! Cuando el público rompió, rompimos, a bravearla, yo creo que la gran lámpara vibraba y todo.

Damas y caballeros, la ópera sólo necesita un buen compositor, unos buenos cantantes, y una buena orquesta. Anoche, con un título del gran Verdi en versión concierto (Lisette prescindió de la partitura) quedó demostrado. No hubo director de escena ni falta que le hizo para disfrutar de la ópera.

Realmente, si hubieran quitado los atriles y colgado detrás dos telones pintados, uno de un bosque sombrío y otro de la sala del castillo, ya sería una ópera escenificada y hubiéramos disfrutado lo mismo.

Dicho esto, veo que se repite por todo el mundo el mantra de que es una ópera de los "años de galeras", como si fueran óperas menores, juveniles, de calentamiento hasta que llegara Rigoletto. Nada de eso, es una ópera redonda y madura. Estrenada el mismo año que Macbeth (¿acaso Macbeth es una ópera inferior a Rigoletto, gustos personales aparte?). Que Verdi se quejara de su patrón no significa que no compusiera desde el primer momento óperas extraordinarias (no hay Verdi malo).

Y nada más, vayan a ver a Lisette y al resto de la troupe. Merece la pena de verdad.

Saludos

Si por casualidad alguien se quiere deshacer de una entrada para el sábado a precio razonable (en la web solo quedan de las caras-caras), que me mande un privado y lo arreglamos.
Grazie.

De nuevo estuve presente en una función de estreno (con lo poco que me gusta eso), aunque en esta ocasión también había un par de buenas razones para ello: la primera es que sólo se van a dar dos representaciones de esta rara avis verdiana —que no suele escucharse en teatro—; la segunda es que entraba en mi abono, así es que... Pese a todo, y aunque soy de los que prefieren evitar las primeras funciones (esperando que todo vaya mucho más rodado en las siguientes), debo decir que la velada de ayer se movió a buena altura musical y resultó francamente disfrutable. Pero empecemos diciendo algo de la obra propiamente dicha.

I Masnadieri es la adaptación operística de la obra teatral homónima de Friedrich von Schiller titulada Die Räuber, es decir, Los bandidos. Una creación que, francamente, sólo sigue teniendo interés en la actualidad por la música de Verdi, pues en el infumable libreto de Andrea Maffei apenas encontramos elementos redimibles, desde el punto de vista dramático, al haberse eliminado o reducido en él cuestiones de fondo presentes en el texto original del, por otra parte, sobrevalorado Schiller. Y así, temas como el de la dualidad del ser humano, la moralidad y el libre albedrío, los resultados del conflicto entre ideal y realidad, la dialéctica entre espiritualidad y mundanidad (con la religión como importante telón de fondo), la crítica feroz al absolutismo ilustrado y las injusticias sociales —presentes, en mayor o menor medida, en la obra teatral escrita—, ceden su lugar en la adaptación operística a toda una serie de tópicos, situaciones inverosímiles, pasiones desmedidas, sentimientos exacerbados y comportamientos erráticos de los personajes que llegan a rozar lo ridículo y hacen que difícilmente puedan congeniar con el gusto y la sensibilidad del espectador actual. De hecho, ya en 1847 —año del estreno mundial de la ópera verdiana— algunos de los temas abordados por Schiller en su obra —inserta en el primer movimiento romántico alemán (el Sturm und Drang)— podían parecer ya superados. Ello puede explicar, a mi entender, que tras el exitoso estreno de la obra —a lo que contribuyó la fastuosidad desplegada en el mismo, con los mejores medios y cantantes, y con el propio Verdi dirigiendo—, ésta no llegara a gozar nunca de la popularidad y estima de otros títulos verdianos. Algunos especialistas atribuyen dicha falta de méritos al hecho de que Verdi llevó a cabo la composición mientras sufría problemas de salud (que retrasaron, de hecho, la fecha original de estreno, prevista para 1846); otros, en cambio —y ahí me sitúo yo— lo atribuyen a la poca implicación y simpatía que el compositor pudo sentir por el texto de Maffei, aunque decidiera llevar a buen término el compromiso adquirido, por la amistad y el respeto que sentía hacia su libretista. Sea de uno u otro modo, lo cierto es que al espectador actual de la obra sólo le quedan dos opciones: o bien asumir, como puede —con paciencia y comprensión, si es posible—, todo lo que le llega desde el escenario; o bien —cosa preferible— dejarse llevar por la música que el genio de Busseto plasmó sobre el pentagrama. Una música, por cierto, que posee ya todas las cualidades que más apreciamos en Verdi —intensidad emocional, contrastes extremos, escritura vocal exigente, pero siempre sometida alla parola y a la necesidad dramática del momento—, y en la que se percibe con claridad la voluntad del compositor por superarse y buscar nuevas fórmulas expresivas, haciendo que el espectador pueda disfrutar de intensos momentos teatrales (por ejemplo, en la tremenda escena del sueño —más bien pesadilla— de un arrepentido Francesco), y de importantes pasajes musicales, que van desde el innovador y sorprendente (por original) solo de violonchelo inserto en la obertura —que Verdi compuso para su amigo Alfredo Piatti, ex compañero de estudios en Milán—, hasta los vibrantes números concertantes en los que el coro masculino juega un decisivo papel.

Para dar forma a todo ello, y expresarlo de la manera más adecuada, tuvimos al maestro romano Francesco Lanzillotta, que condujo con brío, energía, fuerza y acertado sentido teatral esta partitura menor de la producción verdiana. Es verdad que el nivel de decibelios fue algo elevado a veces, pero, en términos generales su lectura resultó contrastada, estuvo llena de matices y no decayó en ningún momento, sino que mantuvo la tensión, atendió a las dinámicas y, sobre todo, a las necesidades de los cantantes, mostrándose enérgica cuando era menester, y delicada en los momentos justos. Muy destacable, asimismo, la intervención de Simon Veis, en el camerístico solo de cello de la obertura, aunque me pareció que el arco no acertó del todo en el remate de la pieza.

La gran triunfadora de la velada —cosa que ya parecía decidida desde el principio, dado el cariño que el público de Madrid le profesa— fue la soprano cubano-estadounidense Lisette Oropesa, que se marchó muy satisfecha con un nuevo (y en mi opinión discutible) bis añadido a su currículo (el tercero en este teatro). Parece evidente que el papel de Amalia —compuesto a la medida para otra soprano coloratura como fue la mítica Jenny Lind— le sienta como un guante a Oropesa (pese a cierta debilidad en la franja más grave). Y es que, efectivamente, le permite desplegar todo su arsenal canoro y teatral, que no es poco: sólida técnica, emisión canónica, gusto para frasear, facilidad para el canto florido, bonito timbre dotado de un vibrato muy agradable, magnífico registro agudo y buen sobreagudo, proyección suficiente (aunque no estemos hablando de una gran voz), además de excelente figura, así como presencia y soltura. Todo ello hizo que Oropesa sortease con éxito y magnífico savoir faire las diferentes trampas que Verdi colocó al personaje, obteniendo en todas ellas el favor del público, que premió con encendidos aplausos cada una de sus intervenciones. Y así hasta llegar al plato fuerte de la noche, que vino con el aria y sucesiva cabaletta del II acto (Tu del mio Carlo al seno... Carlo vive?), momento en que la sala respondió enfervorizada con un atronador aplauso que se alargó hasta el punto de hacer que Lanzillotta y Oropesa decidieran bisar esta última parte, en concreto la parte del da capo, en la que la soprano incluyó un sobreagudo que no había emitido la primera vez. Todo ello, lógicamente, no hizo sino incrementar el júbilo del respetable, de modo que el teatro se vino abajo con los aplausos y los vítores. Me alegro mucho, muchísimo, del gran triunfo de Oropesa en esta función, y de que el público disfrutara de lo lindo. Pero como quiero ser objetivo, debo decir que la interpretación, aun siendo destacable, entregada y correcta, tampoco fue lo suficientemente excelsa como para ser bisada. Creo, como ya he señalado antes, que detrás de ese entusiasmo desaforado, y de la petición del bis hubo algo de juego, de ritualismo y de ceremonial por parte de los asistentes, de complicidad con Oropesa, antes que verdadero premio por una interpretación que pudiéramos calificar como realmente memorable. De hecho, aunque la soprano se entregó de lleno en el bis —añadiendo un comentario extramusical y un sobreagudo de cierre—, lo cierto es que fue rematado de modo algo irregular, con una nota no tan estable y perfecta como habría sido deseable. En cualquier caso, como ya digo, me alegro mucho por Oropesa, a la que considero una excelente profesional y una figura destacadísima de su cuerda en la actualidad, además de una simpatiquísima cantante que quiere, de verdad, a Madrid.

El tenor milanés Piero Pretti, dueño de una voz lírica, brillante, clara, flexible, de agudos fáciles, timbre no muy atractivo y poco robusta (aunque bien proyectada), asumió, con entrega y profesionalidad, la ingrata parte del majadero Carlo de Moor, el héroe masculino de este melodramma tremendo. La verdad es que el rol carece de intervenciones realmente destacables por su belleza o fuerza teatral (las dos arias que le asigna Verdi, por ejemplo, tienen más de oficio que de inspiración, aunque no carezcan de complicaciones), de modo que Pretti se encontró con una difícil papeleta. Por otro lado, y aunque demostró entrega y profesionalidad, su canto resultó algo monótono, ayuno de mayor incisividad y slancio, y con un fraseo rutinario. Las intervenciones más destacables estuvieron, a mi entender, en el dúo con su padre Massimiliano del acto III, y en el trío final de la obra, donde obtuvo sendos aplausos del público.

El otro gran triunfador de la velada fue el barítono palermitano Nicola Alaimo, incorporado al reparto in extremis, como sustituto del titular previsto (Mattia Olivieri), para dar vida al taimado y pérfido Francesco. Parece ser que Alaimo sólo pudo realizar un ensayo al piano con Lanzillotta, lo cual es un plus para reconocer su labor durante estas funciones. La voz de Alaimo suena algo mate, y los agudos no son tan compactos, redondos y squillanti como sería deseable. Sin embargo, tiene volumen suficiente, y el cantante se muestra expresivo, domina las mezze voci, y acentúa con variedad e intención. El fraseo no resulta especialmente elegante, pero al ser el suyo un personaje villanesco y sin apenas matices, este hecho tiene una importancia relativa. Algún crítico de esta función ha comparado a Alaimo nada menos que con Giuseppe Taddei. El paralelismo me parece excesivo, toda vez que los medios vocales del mítico barítono genovés eran mucho más generosos e importantes que los del siciliano. En cualquier caso, sí me gustaría destacar especialmente su prestación en el siniestro y alucinado racconto del sueño que el personaje canta en el acto III, donde Alaimo destacó por su entrega, tensión y dramatismo, creando un momento de verdadera conmoción en la sala que fue premiado con un largo y efusivo aplauso del público.

En la piel del ultrajado y entristecido Massimiliano, padre de Carlo y Francesco, tuvimos al bajo ruso Alexander Vinogradov, poseedor de un instrumento rotundo, con buenos graves, adecuada extensión y generoso volumen, que le permitieron dar vida a un Conde de Moor muy ajustado y creíble como típico rol de autoridad. En el extremo contrario, y dentro de la misma cuerda, situaría yo al georgiano George Andguladze, que dio vida a un pastor Moser envarado, con la voz en el cogote, emisión cupissima, acentos inexistentes y un canto sin matices que me pareció sencillamente horrible. Bien el resto de comprimarios, con especial mención al eficaz y musical Arminio del tenor cántabro Alejandro del Cerro.

Muy destacable el trabajo del coro, con especial mención a las voces masculinas, como ya he dicho, pues adquieren un enorme protagonismo en esta ópera, desde el momento en que representan al grupo de bandidos que dirigirá Carlo, y juegan un significativo papel en el desarrollo de la acción.

La señora Oropesa ya hace algunos años cantó I Masnadieri en Washington, concretamente en el 2013, por lo que debe tener una excelente memoria para haber mantenido in gola un papel que no debe cantar todos los años.

También lo cantó en 2019 en la Scala

https://m.ok.ru/video/1446363335285

Coincido en líneas generales con lo que se ha expuesto. Una versión de I Masnadieri, obra lastrada por un libreto demencial, pero con la fuerza vibrante del Verdi temprano y hermosos pasajes de escritura para la voz, muy disfrutable. Además, sin puesta en escena que nos moleste. De todos modos, el bis de la Oropesa fue injustificado. Es una buena soprano en indudable idilio con Madrid -de lo que me alegro porque es importante fidelizar a los pocos cantantes de nivel que hay hoy día-, pero no una fuoriclasse. La escena de Amalia con la cabaletta Carlo vive! se la ví a la Devia en un concierto y hay bastante diferencia. Se tendría que haber tirando bisando toda su vida.

Función del 14 de Febrero


La alargada sombra de Schiller, con su romanticismo desaforado y un punto ridículo, y el pésimo y aún peor libreto que de su obra extrajo Maffei, han ofuscado para siempre el éxito de esta ópera donde solo brillan con luz propia la música y el genio teatral de Verdi. Me parece un gran acierto por parte del TR programarla en versión de concierto, ahorrando dinero para el teatro y distracción inútil para el público , y dejándonos concentrar en lo único que verdaderamente importa.

Hay muchos pasajes con música maravillosa, desde esa pequeña composición en sí misma que es el bellísimo solo de chelo que constituye casi todo el preludio, que va modulando de re menor a mayor y luego a menor otra vez, terminando con una preciosa floritura; la cabaletta del malvado Francesco; el inicio del dúo de Amelia y Carlo, con unas inesperadas modulaciones y la melodía que le sigue con los dos protagonistas cantando en terceras; el “diálogo a tres” entre Massimiliano, Carlo y la orquesta; y cómo no, los dos números-estrella de la ópera, la gran escena de alucinación de Francesco y el aria y cabaletta de la soprano en el primer acto, llena de dificultades, que Lisette Oropesa sorteó con su coloratura casi impecable, sus trinos perfectos, el fraseo variado y su gran dominio en el uso de las dinámicas. Ya en su aria de salida hizo un trino ribattuto espectacular, su línea de canto cuidada y una proyección notable con sus medios de ligera, que a pesar de sus límites -sobre todo en el registro grave—sabe ganarse al público también por su simpatía y capacidad de comunicar. Me decepcionó un poco el final de la cabaletta donde arrastra un poco los últimos grupos de semicorcheas— se los he escuchado prístinos otras veces— para ralentizar y convertirlos en una nota larga y un sobreagudo que remata la cadencia, y que se quedó un poco corto. A pesar de todo, tuvo que hacer un pequeño bis donde introdujo más trinos y más variaciones. Incluso se quejó con un simpático “¡Ay!” de lo complicado que era aquello.

Piero Pretti tiene un timbre decididamente feo y una emisión muy poco variada que va la mayor parte del tiempo del mezzoforte al forte. Cantó bastante envarado para mi gusto; a su favor tiene un estupenda proyección y un agudo con buen squillo.

Un poco más suelto en el fraseo estuvo Alexander Vinogradov, aunque su timbre rocoso y un poco gutural tampoco me gusta, pero le va bien al personaje de viejo abatido un poco cascarrabias, y su fraseo es bastante correcto.

Sin duda, el triunfador de la noche fue Nicola Alaimo. No se puede hacer un fraseo más sincero, más expresivo y más matizado, donde cada palabra, cada acento y cada gesto estaban pensados para dar fuerza dramática a un texto imposible. Incluso diría que se pasó un pelín en gestualidad, demasiado contrastada con sus compañeros. Se podría desear que la voz tuviera algo de más empaque, pero es indiferente ante tal interpretación. Su gran escena fue un “tour de force”, donde consiguió dar vida a uno de los peores textos que uno pueda imaginar, y crear un momento absolutamente estremecedor. Él, y la música de Verdi, naturalmente. Inolvidable.

Es la cuarta vez que escucho a Francesco Lanzillotta y me parece que no hace más que mejorar. La primera fue un Rossini, hace ya unos cuantos años, que no me gustó nada por chimpunero. Esta vez me pareció mucho más matizado, muy imaginativo en los contrastes y en las repeticiones— la segunda parte de la la cabaletta de Francesco en un tiempo lento y un poco sottovoce para ir aumentando volumen y velocidad, creó una atmósfera mágica— y buen concertador, tanto en el bonito cuarteto del primer acto como en el concertante en compás ternario que da paso al final de la ópera, tan surrealista --esos finales de Verdi, tan imposibles como creíbles y hasta emocionantes por la fuerza de su música--. y que fue dirigido majestuosamente, dando mucho espacio a solistas, coro y orquesta.

Orquesta y coro respondieron francamente bien, con mínimos desajustes; supongo que los ensayos habrán sido muy pocos. Muy bueno el Arminio de Alejandro del Cerro, expresivo y con buen metal en la voz.

Una inesperada gran noche donde brilló la música de Verdi, casi un poco belcantista y casi ya no, donde no basta la belleza de la línea melódica y bulle esa necesidad de hacer creer al público en lo que se está viendo, de buscar teatro y dar credibilidad, si no a los personajes, al menos al desarrollo musical de la acción.

Y si uno hace abstracción del espantoso libreto, sale del teatro pensado que ha visto ( o más bien escuchado) un gran drama.